El Sueño del Esquimal #264, jueves 8 de octubre.

Día y noche, corazón y alma, se inicia el fuego cruzado en El Sueño del Equimal.

NADJA
When I See The Sun Always Shines On TV
the end records, 2009.

Nadja es una de las agrupaciones más prolíficas y potentes en la actualidad, imaginen que sólo este año han publicado ocho trabajos, entre Lp's, Ep's y splits.
Formados en la alborada de esta década por Aidan Baker y Leah Buckareff, se conocieron cuando ambos trabajaban en una librería, entre lecturas y gustos musicales afines, han esculpido una obra oscura, angustiante y explorativa, "ambient doom" le han llamado algunos, el punto exacto donde el doom metal colisiona con el shoegaze.
Luego de transitar todos estos años por los caminos incómodos e insanos del noise de ultratumba y colaborar con bandas que comparten el amor por las profundidades sonoras, como Atavist, Satori, Moss y Black Boned Angel.
Ahora dejan entrever algo de sus influencias, en "When I See The Sun Always Shines On Tv", disco de covers de sus bandas predilectas, no deja de llamar la atención el ramillete, Slayer, The Cure, Codeine, Swans y nada menos que A-Ha, entre otros.
Los canadienses parten con una salvaje versión de "Only Shallow" de My Bloody Valentine, perfecta, con las voces de Aidan y Leah internándose por un ramaje espeso, trayectos ultra saturados y la delicadeza resguardada en el centro de una niebla en expansión.
Luego arremeten con "Pea" de Codeine, uno de los puntos más estremecedores del álbum, transcriben muy bien esa mezcla de dolor y furia que caracterizaba a Codeine, la lentitud de las percusiones acompañan a la devastación que entregan drones y efectos, expuestos esta vez de una manera más atmósferica y expansiva, pero de todas maneras letal, con un Aidan Baker muy sentido en las vocalizaciones.
Después aparecen temas de Slayer y Swans que muestran ese lado más oscuro y metalero que siempre ha existido en Nadja, en este punto hacemos notar, que a pesar de ser un disco de versiones, cuenta con un caracter muy perticular, lo han llevado todo a ese terreno mutilado, a ese espacio estático donde se retuercen el ruido flagelante con la negrura más viciosa.
Mención aparte para "The Sun Always Shines On Tv" de A-Ha, totalmente descompuesta con las guitarras a mil y una voz que se pudre entre la maleza, el bajo de Leah marca la huella, cada vez más abajo, cada vez más adentro, la lluvia sónica cae sin piedad, empapados observamos las marejadas y la tempestad cubriéndolo todo.
Un disco placentero de comienzo a fin.

Para el final dejamos la leyenda que Nadja ha dejado en el interior de la portada:

“Consideren este disco una exploración de las raíces de Nadja: todo el mundo nos compara con My Bloody Valentine así que teníamos que hacer un cover; Codeine y Swans fueron ambas bandas que exploraron la pesadez del metal sin ser bandas de metal.
The Cure tenía esa hermosa y amarga melancolía; la canción de Elliott Smith, “Needle in the Hay” es simultáneamente tan simple y devastadora; nadie nos creyó cuando dijimos que haríamos un cover de una canción de la película “The Kids in the Hall”, un gancho de nuestro set en vivo, así que teníamos que grabarla; ¿Cómo podíamos resistir la oportunidad de hacer un cover de la canción más pesada (pero que ganchera) de A-Ha? Y Slayer es simplemente Slayer.”

myspace.com/nadjaluv







A SUNNY DAY IN GLASGOW
Ashes Grammar
mis ojos discos, 2009.

Al fin tenemos con nosotros el esperado regreso de los hermanos Daniels; Ben, Lauren y Robin desde Filadelfia, desplegando el estallido celeste nuevamente, como no recordar el delicado trazo de su debut, "Scribble Mural Comic Journal" de 2007, pop lumínico y aéreo que nos aturdió con su belleza.
Ahora convertidos en quinteto, con la incorporación de Annie Fredrickson y Josh Meakim, continúan adentrándose por parajes etéreos y campos de espirales, utilizando elementos electrónicos, guitarras shoegaze y voces melosas, dan vida a su segundo álbum, "Ashes Grammar", burbuja cósmica que nos absorve y nos transporta hacia un mundo abstracto de apariencia polar.
El disco mismo parece un mapa con un millar de estaciones en subida, canciones diminutas de menos de un minuto que van enseñando el camino hacia estructuras más concretas, nunca dejan de ser bellas las creaciones y hasta los experimentos vocales y sonoros saben a miel.
22 tracks en total y continuados, lo que hace recordar esos discos de This Mortal Coil, que conducían por una vertiente paranormal sin pausas, también por momentos las canciones de A Sunny Day In Glasgow se acercan en apariencia a las de Lush y School Of Seven Bells.
Por ejemplo "Close Chorus" es un tema donde se concentra toda esa fascinación pop, pareciera venir de los 90s', se abre como la luz que regresa tras la tormenta, muy bien ajustada a una base entrecortada y guitarras submarinas, las ondinas y su canto completanto el encantamiento.
Un álbum hipnótico del que va a ser muy difícil despegarse, han viajado aún más lejos en su trineo, directo hasta la aurora boreal.

Madrugada congelada.

myspace.com/sunnydayinglasgow







THE SHADOW RING
Life Review (1993-2003)
kye, 2009.

The Shadow Ring fue una banda de Kent, al sur de Inglaterra, que funcionó entre los años 1993 y 2003, fundada por los músicos Graham Lambkin y Darren Harris, alcanzaron a editar ocho discos, lamentablemente por su raiz experimental e intuitiva, se matuvieron siempre tras el telón del reconocimiento y la masividad, a seis años de su disolución se publica este disco doble, que descubre en algo el legado minimal y aventurero de esta desconocida agrupación.
Sorprende un poco el sonido marcial y claustrofóbico de las creaciones de The Shadow Ring, no se acercan a ningún estilo reconocible en los 90s', su música pareciera venir de un tiempo no conocido u olvidado, guitarras repetitivas y desencajadas, que irritarían a más de algún músico de escuela, aquí son interpretadas en forma intuitiva por Graham Lambkin, quién también aporta un spoken word desganado y opaco, las percusiones son minimales, poco constantes y estan a cargo de Darren Harris, quién también contribuye con teclados y parloteos distantes, una especie de conversación o debate que va transcurriendo en medio de las canciones lúgubres, también hay ruidos extraños, golpes y cintas que ayudan a crear un ambiente por momentos sofocante y casi terminal.
Si hubiese que situarlos en alguna escena, podría ser con el post-punk explorativo y oscuro de agrupaciones como This Heat y los comienzos de The Fall o con la no-wave de DNA o Mars.
Por ahí aparece el corte "City Lights", que da nombre a su primera placa de 1993 y que este 2009 ha sido versionado por los tenebrosos Blessure Grave, banda muy bien considerada por este programa y que se confiesan seguidores de The Shadow Ring.
Con el pasar del tiempo, se incorporaría un tercer elemento a la banda, el no-músico, Tim Goss en teclados y voces, quedan convertidos en trío y prosiguen su liturgia sonora, editan discos desde 1994 a través del sello Siltbreeze, plataforma noise norteamericana que los acoge y desde donde muestran sus experimentos más mutantes, sierras cortando cuerdas, flautas malditas y siempre esa forma de cantar de Lambkin, magullando letras extrañas, que hablan de obseciones y temores enfermos, todo esto grabado en forma improvisada, mínima.
Este compilado trae algunas tomas en vivo, como "Stella Drive", donde notamos la experiencia narcótica que debieron ser sus actuaciones, todo muy distanciado y con el predicador satánico haciendo de las suyas, mientras los dos sacristanes entregan la ofrenda atonal.

Estamos frente a una banda diferente, adelantada o quizás demasiado personal, es realmente extraño que se hayan mantenido en un cuarto sellado hasta ahora, quizás a partir de este trabajo las cosas tomen el lugar que corresponde, The Shadow Ring, una gran revelación venida desde las sombras.

myspace.com/theshadowring







JULIANNA BARWICK
Florine Ep
emusic selects, 2009.

La hechizera de Brooklyn ha regresado con su magia cristalizada. Si "Sanguine" (2007) fue la puerta hacia los sueños arcanos creados por una mujer, su voz y su piano intervenido, su continuación es aún más intensa, expande el arco y nos hace flotar en el espacio nuboso.
"Florine" es un disco corto, sólo seis temas, menos pedales y más cadencias, la voz de Barwick reluce y acaricia entre atmósferas alucinógenas, somos conducidos por un galeria que nos lleva lentamente hacia la luz, lo que Furxasa y Grouper tan bien hacen en las tinieblas, Julianna lo transforma en un manto blanco, en un canto de hadas.

Música onírica. Imaginen el llanto de un alma extraviada entre dos limbos, dimensiones que se cruzan en forma fortuita, naturaleza pura.

myspace.com/juliannabarwick







AT SWIM TWO BIRDS
Before You Left
vespertine & son, 2009.

Desde Manchester, siempre encontraremos a Roger Quigley en medio de rastros embellecidos y lastimeros, el cantante del abandono, el escultor de canciones de derrota y desamor.
Ex miembro de The Montgolfier Brothers, junto a Mark Tranmer (Gnac), hace algunos años viene mostrando su poesía herida bajo el nombre de At Swim Two Birds (tomado de la novela de 1939 de Flann O'Brian), un espacio personal donde derrama ese torrente autoflagelante que lo caracteriza, como una manera de sacar toda esa idea menoscabada de la vida y las relaciones.
Cada vez más desnudo musicalmente y ahora en su tercer disco, "Before You Left", más solitario que nunca, no se ve la presencia de su antiguo colaborador, Otto Smart (The Otto Show) por ningún lado, es sólo Quigley, su guitarra y una que otra percusión.
Sin embargo las canciones son preciosas, su voz se convierte en la voz del tiempo, añosa y desesperanzada, adornada muchas veces por field recordings, que crean el telón preciso para que el actor desate el drama a su antojo, las relaciones que finalizan, la bebida y los recuerdos son siempre a los lugares que regresa en sus letras, no parece haberlo pasado muy bien o quizás se trate de un tipo muy sensible, lo cierto es que logra traspasar esa nostalgia entre melodías mímimas y cansadas, aún así la belleza prevalece como en toda su obra, es innegable el gusto fino que Quigley siempre saca a relucir, sus discos requieren de varias vueltas hasta que logras entrar en sintonía, después se convierten en refugio para perdedores y corazones receptivos.
El tema más 'alegre' del disco es "Let Her Go", con teclados y bateria formal, su voz es estupenda en este trazo, canciones post-relaciones y manchas de vino, como él suele definirlas.
"Antes que partieras, me dije a mí mismo, esto es algo bueno.... el tiempo y espacio, para reencontrarme. Los días y noches serán solo míos... y días y noches para contemplar nuestro tiempo juntos. y mientras lleno un vaso vacío una vez más... me digo a mí mismo, esto es algo bueno." (Before you left)

Sonidos desde la alcoba solitaria, Roger Quigley ha retornado una vez más a la escena del crimen y sin una pizca de remordimiento.
Realmente notable.

myspace.com/atswimtwobirds




Transmitiendo hoy jueves 8 de octubre, desde las 21 hrs. a través de Radio Placeres, 87.7 fm y la señal on-line.

Recomendamos para este fin de semana:

vayan preparándose para este sábado:
(estamos sorteando invitaciones, escriban a delesquimal@gmail.com y daremos los resultados el jueves finalizando el programa, por este mismo medio)



también este fin de semana:

jueves 24 de septiembre, El Sueño del Esquimal #263.

MISS KITTIN & THE HACKER
Two
nobody's bizzness, 2009.

Los franceses Caroline Hervé (a.k.a. Miss Kittin) y Michael Amato (a.k.a. The Hacker) se conocieron a comienzos de los 90s' en una rave en su natal Grenoble, eran tiempos movidos, se había producido una apertura hacia la música techno, estilos como el electro y el house hacen sacudir cuerpos y mentes en una danza ultra-intensa que ya no parará, Miss Kittin & The Hacker estaban ahí para absorver todo esto y vomitarlo a su manera, recordar que aparte de este proyecto conjunto, ambos llevan carreras por separado muy destacadas y han sido djs' remezcladores, productores y músicos, sin duda se han convertido en un referente importante dentro de la música electrónica actual.
En 2001 editaron el sencillo " Frank Sinatra", que se convirtió en todo un 'suceso dance', el advenimiento del electroclash se concreta ese mismo año con la publicacion de "The First Album", este trabajo les da reconocimiento mundial, comienzan las giras, la fiesta interminable y las remezclas para algunos artistas de renombre como Laurent Garnier, Mark Almond, Air, Tocotronic y Nitzer Ebb.
Luego de varios años en el congelador, el proyecto se reactiva con la edición de "Two" a fines de marzo de 2009, un disco que los muestra aún intuitivos, sugerentes y muy creativos entre sus ritmos marcados y esa rara coraza de techno minimal mutado por electro-punk turbador.
La primera parte del álbum es notable, partiendo por "The Womb" y sus secuencias robóticas iniciales, muy a lo Kraftwerk, para luego apoderarse inmediatamente de la pista con ritmos quebrados y la voz de Miss Kittin que juega con el desgano y la seducción en este corte.
"1000 Dreams" es techno-pop de vieja escuela, con ese sintetizador oscuro y minimal que hace recordar a Camouflage y Depeche Mode, un tema de bellas melodías y muy dance, Miss Kittin esta vez nos lleva de regreso a los 80' con su voz, a esta altura del disco, la atmósfera del lugar se enrarece y entramos en una extraña conducta desenfrenada, la música haciendo su parte en la noche viciosa. Esto es electroclash y en todo su esplendor señores.
La placa se aleja del concepto 'radial' de su antecesor, para entrar en una carretera nocturna desafiante y peligrosa, esto se refleja en cortes como "PPPO" e "Indulgence", temas densos y asfixiantes en los que rozan el sonido industrial, lo cual se agradece.
Hasta se han atrevido en incluir una version para "Suspicius Minds" del gran Elvis Presley, por todo esto "Two" se convierte en un artefacto sugerente y placentero, un nuevo brebaje de techno-pop para los antros.

myspace.com/mkthmusic







PORT-ROYAL
Dying In Time
n5MD, 2009.

Desde Génova, Italia, la agrupacion Port-Royal siempre nos invita a pasear por espacios sonoros distintivos, desde su disco debut, "Flares" (2005), que nos hizo pensar nuevamente en space-rock y viajes celestes, luego en "Afraid To Dance" (2007) entregaron un delicado tesoro de claridad y belleza melódica, primeros lazos con sonidos electrónicos refinados, estos dos trabajos fueron editados bajo etiqueta Resonant, la primera familia.
Para esta tercera expedición, Port-Royal se introduce en el manto arcano del sello n5MD, cuna de agrupaciones nubosas como Bitcrush, Lights Out Asia, Arc Lab y SubtractiveLAD.
"Dying In Time" es una pieza de colección, un tratado de sonoridades profundas y expansivas, se siente la experimentación desde el primer momento, hay una búsqueda de espacios vastos e intensos, ondas de ruido que se desplazan como una tormenta sigilosa, desde la oscuridad más cerrada viajan hasta una luminosidad que aparece bendecida, también se dejan sentir los ritmos programados y algo bailables, todo el entramado realmente seduce y es imposible no seguir el resplandor, por eso se recomienda escuchar el disco en forma continua.
Port-Royal son Attilio Bruzzone en guitarra y voz, Emilio Pozzolini en sampler y programaciones y Ettore Di Roberto en piano, sintetizador, programaciones y voces, para este trabajo han contado con la participación especial de la japonesa Izumi Suzuki aka Linda Bjalla en vocalizaciones etéreas, las que encajan perfectas en esta bóveda celeste.
Muchas canciones para destacar en "Dying In Time", desde la que abre el camino, "Hva (failed revolutions)" una especie de agujero negro o tormeta eléctrica, que lentamente se va alejando hasta terminar en un ambiente onírico con dulces ninfas exhibiendo su magia, los trayectos son caóticos y variopintos, se sumergen y se elevan en sólo un momento, como en "Nights In Kiev", que parte con un pulso dominante, para luego decaer en un campo de texturas electrónicas diminutas, cuando estamos a punto de refugiarnos en este jardín, retorna el ritmo industrioso para ya no parar más.
Otro corte encantador es "Anna Ustinova", algo más shoegaze con Linda Bjalla en los cantos, se hace presente ese lado nostálgico que tiene Port-Royal, la inspiración y los recuerdos de países de Europa del Este, fotografías en sepia de ciudades como Varsovia y Praga, el frío y la historia de esas sociedades comunistas, que se quedaron atrapadas entre el tiempo y los sueños de libertad.
También hay un tema dedicado a la generación que va perdiendo el pelo, o sea esta generación en "Balding Generation (losing hair as we lose hope)", llamativo nombre para el primer single de este emocionante disco.

Cosmonautas del pasado dibujando nuevamente los cielos.

myspace.com/uptheroyals

ALISU
Indómita
modismo, 2009.

TONOSSEPIA
Happy Habibi
modismo, 2009.

Desde el natlabel nacional Modismo, dos estimulates muestras de 'actividad paranormal', exploradores de resonancias maquinales.


Valparaíso como telón de fondo, Jessica Campos aka Alisu es uno de los nombres destacados de la escena electrónica chilena, en el año 2000 formó el proyecto Manziping junto a Rolancho (Pueblo Nuevo), con quién graba un disco y un Ep.
Y cómo no recordar hace algunos meses atrás, cuando Alisu abrió para Alva Noto y Byetone en la Sala Ruben Darío del Centro de Extensión de la Universidad de Valparaíso, desplegando sus estructuras digitales con delicadeza y personalidad.
Siempre en la búsqueda de ambientes especiales, ahora expone en "Indómita", construcciones de cristal soportadas por luz y gala que abren la ventana hacia un mundo minimal y robótico escondido en el patio interior, en el primer corte "Voy Por Tí" nos sorprende la aparición de su voz, tras la rítmica sedante y los sonidos porteños. "Mareas" es un tema más abstracto, pero a pesar de eso, no pierde nunca ese interesante juego de texturas y ruidillos que hacen habitable este manantial helado.
Pero es en "La Primera Robotsicóloga" donde encontramos el centro vital de la música de Alisu, el arrebato y la inteligencia artificial unidos para desentrañar los reflejos lumínicos de un mundo paralelo. Encanto glacial.


Diego Vergara aka Tonossepia, también conocido como Prospegto Arkano, MC, DJ y productor musical de Colectivo Etéreo, personaje de brazos múltiples, que deja al desnudo como Tonossepia su costado electrónico más lúdico y orgánico, escuchar "Happy Habibi" es como adentrarse en una especie de cuento sonoro, con todos esos crujidos y ecos reluciendo y apareciendo pordoquier, somos inducidos por un bosque de ensueño, a ratos se vienen a la mente Prefuse 73 y la corte de Morr Music, pero acá hay indentidad y gusto particular, tiramos las etiquetas y nos concentramos en las canciones, en esos nombres imaginativos, "Mi Lado De la Cama", "Ghibli" haciendo referencia a los estudios filmográficos japoneses, "Parlante Al Curry" es folktrónica poseída por bases hip-hop y la genial "Perritos De La Selva Otra Cosa Es Con Guitarra", un racimo de luz bucólico y de ritmos quebrados que estremece por su fragilidad casi infantil.
"Happy Habibi", creatividad en las costuras y diseños cálidos que envuelven.

Se hace presente también el Señor Patricio Badaracco, reapareciendo desde Hawái.

WILLIAM BASINSKI
92982
2062, 2009

Al fin nuevo material del músico del silencio emerge a la luz. Aunque aquello de ‘nuevo material’ no es exactamente tan así. Se trata de registros extraídos de sus archivos, guardados hace casi veintisiete años, que recién este 2009 se atreve a exponer. A muchos les parecerá extraño, sin embargo, esto es algo que acostumbra a hacer. Como ejemplo están sus discos “The River” (raster-noton, 2002), con material del año 1983, o “Variations: A Movement In Chrome Primitive” (Die Stadt–Durtro, 2004), del período 1980–82.

“92982” nos retrotrae a, precisamente, el 9 de septiembre de 1982, “una fructífera mañana en el estudio”, en el 951 de la calle Jay. Basinski se encuentra experimentando con sus cintas, creando sus bellas melodías que se toman el espacio, “las ventanas están abiertas… El sonido se esparce a través de todo el centro de Brooklyn, mezclándose con los helicópteros, sirenas, humo de marihuana e incendios…”. Ahora, mayo de 2009, las mismas piezas se mezclan nuevamente. Puede ser con los ruidos de una ciudad, o del campo, o tu habitación, o simplemente el eterno ruido interior. Sea como fuere, y como dije antes, los sonidos se toman el espacio. Tal vez sea como dice él, que se confunden con lo otro. Yo mas bien creo que absorben casi todo lo que esta a su alrededor, acallan lo que estorba, o visto de otro modo, se aíslan, y aíslan al resto, consiguiendo que uno, el oyente, se enfoque solo en sus sonidos. Es extraño el efecto que la música de Basinski produce. No es solo ‘otro disco mas de ambient’. Realmente es envolvente. Tiene una materialidad que excede las simples frecuencias sonoras. Ya antes me he referido a la fisicidad de sus piezas. En cuanto a estas, las de este disco, no se distancian demasiado –más bien nada– del resto de su obra, lo que no equivale a decir falta de creatividad, sino simplemente buscar, encontrar y tener un sonido propio. Solo son cuatro tracks (de siete a veintidós minutos), y los hay unos cercanos a “The River”, como en “92982.2”, donde si se oyen, muy a lo lejos, esa mezcla real con las sirenas y helicópteros sobre Nueva York, como al piano inmóvil de “Melancholia” (2062, 2003), caso de “92982.4” –más cintas y pianos en desintegración en el inquietante “Variations For Tape And Piano” (2062, 2006)–. De hecho este track, pero en una versión mas corta, ya había sido incluido en “Variations: A Movement In Chrome Primitive”. “Esa noche en el estudio se engendró una dirección que seguiría por un tiempo. Tanto como amo este documento de esa noche, pienso que a ustedes les gustaría poner en contexto lo que vendría después”. Pues este disco, como todos los otros, forman parte de una gran visión. Es más, alguien, algún día, debiese hacer el experimento de programar todo lo publicado por Basinski, sin cortes, uno tras de otro. Les aseguro que en el resultado final no habría grietas, no podrían encontrarlas. Todo parece formar parte de un plan, un gran plan de este músico que explora el silencio, o si quieren, el silencio de un músico nadando entre sonidos acallados.






TAYLOR DEUPREE
Weather And Worn
12K, 2009

La belleza de las cosas pequeñas. “Weather And Worn” es el primer 7” que aparece en el sello norteamericano 12k, el primero de una serie de futuras publicaciones en este formato, a cargo de, y no podía ser de otra manera, su dueño: Taylor Deupree.

La idea de editar material en vinilo rondaba por la cabeza de Deupree hace ya un tiempo, y era mas o menos conocida, pero solo este año se pudo concretar. Y la manera en que surgieron fue de un modo particular, por las coincidencias que se produjeron. Como el mismo relata, “en un particularmente frío y lluvioso día de invierno, cansado y un poco abatido, me senté en mi estudio, rodeado con una pila de instrumentos pequeños, mi guitarra acústica y mi pedal de loops. Pixel, uno de mis gatos, estaba durmiendo al lado mío mientras comencé a crear un cálido colchón de drones y pequeños ruidos en un intento de calentar la habitación y mis espíritus”. Ese mismo día estaba finalizando en los detalles que harían posible la publicación de vinilos, día en que compuso lo que serían las dos caras de ese primer 7”. “Solo eche una mirada al clima fuera de la ventana y luego a una vieja pieza de vinilo aún puesta en el tornamesa desde el otoño para saber inmediatamente el título y el sentimiento de estas piezas”.

Guitarra acústica, claves, e-bow, efectos, armónica, kalimba, tambor, triángulo: pequeños objetos. “Weather”, “Worn”: pequeñas canciones. Como ya nos tiene acostumbrado, Deupree nos entrega mas canciones, en este caso dos, donde lo ínfimo, lo minúsculo, cobra un gran valor. Los detalles son el centro de este, su nuevo trabajo, más enfocado en lo orgánico. Esto marca “las primeras grabaciones que he hecho enteramente con instrumentos acústicos y un mínimo de tratamiento”. Así, y a partir de un drone, se desarrollan estas canciones, extendiéndose a partir de una misma nota, e impregnadas de un aroma natural, cálido y acogedor. Son pequeños hogares, refugios frente a la crudeza del frío. Tanto la cara A (“Weather”) como la B (“Worn”) tienen una duración de apenas cuatro minutos. Ocho minutos en total para lograr lo que siempre ha buscado: mover, emocionar, producir sensaciones. En esta ocasión, abrigar con el calor del invierno, humedecer con gotas imaginarias las ventanas que separan una habitación de su entorno natural. En caso que eso no sea suficiente, la versión digital incluye “Worn (Stil. Mix)”, inspirada en su álbum “Stil.” (12k, 2002), donde creó un loop a partir de una porción del tema y traspasó la velocidad y el pitch a 33 rpm, y lo extendió por 23 minutos. Aunque esa duración es “arbitraria… realmente podría durar por horas”. A la espera de un nuevo disco largo en solitario y en estudio –“Northern” (12k) es de hace ya tres años–, este single calma algo las ansias de oír nuevo material. “Weather And Worn”, o el triunfo de las cosas pequeñas.






JANA WINDEREN
Heated: Live In Japan
Touch, 2009

Desde aproximadamente 1993, la artista noruega Jana Winderen se ha desarrollado tanto creando como produciendo y curando trabajos artísticos, exhibiciones e instalaciones, pero no es hasta recién mediados de esta década que comienza a publicar sus sonoros, siendo el primero completamente a su nombre el 7” “Surface Runoff” (Autofact, 2008).

“Heated: Live In Japan” es el registro de una presentación en vivo, en el Super Deluxe (Tokio, Japón), presentación realizada el 28 de octubre del pasado año, y en la que empleó e improvisó sobre material grabado con micrófonos e hidrófonos en lugares como Groenlandia, Islandia y Noruega. Al norte del norte.
Lo que más claramente se puede oír a lo largo de los veintisiete minutos que dura es el agua, su desplazamiento, sea entre superficies más sólidas, o entre ella misma. Son estos sonidos naturales, así como otros, los que cubren todo el disco. De ahí su carácter acuoso y un tanto inaprensible (“Part 4”), aunque en ocasiones tiene cierto efecto ahogador (“Part 3”).

La propuesta de esta artista –o documentalista– es mostrar lo que no vemos, lo que no oímos. Hacer visible aquellos muchos otros mundos que por diversas razones no conocemos, pero que, gracias a la tecnología actual –algún buen uso tenía que tener tanto avance– podemos presenciar, en este caso su propia música. “He estado ocupada con encontrar sonidos de fuentes no vistas de sonido, como grabaciones de campos blancos. Durante los últimos dos años he estado coleccionando grabaciones hechas por hidrofonos, de ríos, riveras, playas y el océano, y más recientemente también de glaciares en Groenlandia, Islandia y Noruega. En las profundidades del océano hay invisibles pero audibles paisajes sonoros, acerca de los cuales somos muy ignorantes, aún cuando el océano cubre el 70% del planeta”. Sí, somos ignorantes, de esto y de mucho más, pero siempre habrá alguien que nos abra los ojos, en este caso los oídos –para imágenes esta “A Scene At The Sea” (Takeshi Kitano, 1991) o, un tanto más new age, “Le Grand Bleu” (Luc Besson, 1988)-. En esta ocasión se trata de Jana Winderen, quien nos traslada a los vastos terrenos del mar, y a la inmensa calma de sus movimientos ondeantes. Como decía el fotógrafo Hiroshi Sugimoto, a propósito de sus ‘Seascapes’, “cada vez que veo el mar, percibo una tranquilizante sensación de seguridad, como si visitara mi hogar ancestral”.

El Sueño del Esquimal #262, jueves 10 de septiembre.

Esperando la última lluvia, El Sueño del Esquimal se complace en presentar...

THE CLEAN
Mister Pop
merge, 2009.

Una joyita pop con historia, The Clean se formó en 1978 en medio del desorden punk y post-punk que arrasó Nueva Zelandia y Australia a fines de los 70s', una masa hiperactiva que entregó nombres distintivos como The Verlaines, The Bats, The Pin Group (banda del guitarrista Roy Montgomery, luego en Dissolve), Bailter Space y The Chills entre otros, todos cobijados en la vieja factoría Flying Nun Records, fundada en 1981 en Nueva Zelandia.
Por eso hay algo de leyenda en este retorno, lo que vino después del punk, la apertura estilística y las nuevas direcciones que tomó el rock oceánico, una escena algo desconocida, que sin embargo dejaría luminarias influyentes como The Clean, banda que vuelve a entregar material original, después de 7 años de silencio y una antología editada por Merge Records en 2003, liderados por David Kilgour en voz y guitarra, su hermano Hamish y Robert Scott.
Al escuchar este iluminado "Mister Pop", de inmediato las imágenes aparecen, el presente es intervenido por el pasado, los sonidos se cruzan y vienen a la memoria Pavement, el alarido pop celeste de Sarah Records en los 90s', Yo La Tengo y The Magnetic Fields, un disco sencillo de canciones dulces y emotivas como "Loog", "In The Dreamlife You Need A Rubber Soul", "Are You Really On Drugs?", "Factory Man" y la robótica "Tensile" que podría ser Yo La Tengo con vocoder o algo así.
Grabado entre Brooklyn y la natal Dunedin en Nueva Zelandia, The Clean ha creado una obra de fragilidad inusitada, que vuelve a situarlos en el jardín indie-pop de avanzada, además empujan la mirada hacia la música de las islas perdidas del Pacífico Sur, cuna de bandas de culto como The Birthday Party con Nick Cave a la cabeza, The Church, The Go-Betweens y todo el ramillete anteriormente citado.
Sin edad para el rock de lujo.

myspace.com/theclean







A PLACE TO BURY STRANGERS
Exploding Head
mute, 2009.

Galpones cerrados, asfixiantes y el metal fundiéndose a gran temperatura... una imagen que podría plantearse al escuchar la segunda placa del trío de Brooklyn, A Place To Bury Strangers, hoy por hoy sin duda el mazazo sónico más destemplado y rudo, mostrado por el actual revival shoegaze que nos absorve.
"Total Sonic Annihilation" como reza su myspace, con Oliver Ackermann en voz y guitarra, más una montaña de pedales y efectos, que no dan tiempo al silencio ni a la distracción, como unos Ramones intergalácticos, que vienen a sacudir con fuerza cualquier adormecimiento.
El nervio duro se extiende entre canciones que caen como un diluvio, el golpeteo metálico de una base rítmica rotunda a cargo de JSpace en bateria y Jono MOFO en bajo, nos aturde y cuando pensamos que las nubes se disiparán, arrementen con más ruido y aceleración, como si se tratáse de una lucha sin tregua, hay experimentación y búsqueda de parajes sónicos extremistas, se acercan peligrosamente hacia el sonido industrial, inclusive hasta el metal, como se nota que escucharon a Suicide y la furia de titanes entre The Jesus And Mary Chain y My Bloody Valentine, pero hay algo en ellos que va más allá, el muestrario desfigurado y enfermo de un tiempo turbulento en la música, quedan como manifiesto canciones totalmente apocalípticas, ahí están "Lost Feeling", "Ego Death" e "In Your Heart".
"Exploding Head" es casi un desafío a la tolerancia, muy pocos se adentrarán por estos túneles tortuosos, los ecos del tiempo en los bordes, fábricas atestadas, restos de una iglesia en llamas, al final de la curva un espejo flagelante, imposible es evadirlo... caída.

myspace.com/aplacetoburystrangers

SIX ORGANS OF ADMITTANCE
Luminous Night
drag city, 2009.

Luego del compilado triple, "RTZ", editado a comienzos de año por Drag City, Ben Chasny aka Six Organs Of Admittance, arremete con un trabajo de esos que se quedan impregnados junto a tí desde la primera escucha, así de claro, "Luminous Night" es una obra excelsa, un viaje hacia el centro de una musicalidad particular, una frontera perceptiva que aconsejamos cruzar sin tapujos, de forma desnuda.
Chasny es un creador prolífico y explorativo, que ha participado en proyectos distanciados y atonales como August Born, Badgerlore y Comets On Fire, además de colaborador de lujo en los últimos discos de Current 93, punto importante, porque parece haber bebido algo de la fuente maldita de David Tibet, para depositarlo todo en su nave madre, Six Organs Of Admittance.
Hoy se para frente a nosotros como una especie de chamán inductivo, que nos lleva de paseo por un rio místico, sí porque esta 'noche luminosa' contiene ocho estaciones, puertos desconocidos por donde transitan sonidos limpios, mutados por una fuerza maligna, una extraña mezcla de psicodelia, folk ácido y oscurantismo solapado.
Partimos con "Actaeon's Fall (Against The Hounds)", obertura instrumental delicada, entramos en un paisajismo onírico repetitivo, pero a la vez gratificante, un refugio que nos prepara antes de partir, ya todo cambia en "Anesthesia", la flauta medieval de Hans Teuber extiende un manto arcano, para que la voz de Chasny aparezca en una plegaria marchita y alejada, la ruta se enrarece y continuamos bajando, ahora con "Bar-Nasha", se cuelan las teclas del ingeniero Randall Dunn (Kinski, Sunn O))), Earth), que además produce este trabajo, de nuevo la voz de Chasny pareciera llevarnos por un ramaje espeso, recuerda un poco en este corte a las letanías vocales de Peter Murphy en "The Sky's Gone Out", uno de los discos más conceptuales de Bauhaus.
"Cover Your Wounds With The Sky", es una odisea de drones y noise de ultratumba, queda claro que el ruido es un componente importante para Six Organs... , nuevamente la embarcación se deja llevar por la corriente y caer en "Ursa Minor", una oración para los navegantes muertos, el mar y el cielo se juntan en la tierra, todo se torna tan descriptivo, que casi es posible mirar por la escotilla, quizás no pasemos este temporal.
Para el final queda la pieza más fatídica de todo este encanto desenfrenado, "Enemies Before The Light", atmósfera tenebrosa e insana que da el golpe definitivo, Chasny nos entrega el caliz negro del cual bebemos gustosos.
Es cierto, ha parido su mejor disco, de aquí en adelante, territorio sin límites para el viajero.

www.sixorgans.com/

AMIINA
Re Minore Ep
bláskjár records, 2009.

No existe objeción, Amiina es hoy el reducto esquimal por excelencia, cuatro mujeres de Islandia y su maquinaria primitiva, construyendo ambientaciones congeladas, que sin embargo arrullan con una luz venida de otro plano.
Desde "Kurr" su disco de 2007, nos quedó claro que Sólrún, María, Edda e Hildur, son una fuerza natural, una especie de mundo paralelo tratando de comunicarse con nosotros a través de señales digitales mínimas, sutiles armonías, que se elevan desde flores que nacen en el hielo.
Este tímido Ep, de sólo tres tracks, contiene tanta magia, que incluso podría empapar un poco a sus amigos de Sigur Rós, que desde cuando se empezaron a creer Radiohead, perdieron esa motivación nativa, que los conducía.
"Re Minore" presagia el mejor amanecer, ese que traduce los cristales de hielo en orfebrería electrónica puntillista y cubierta por el más bello esplendor.
Esperemos su nuevo larga duración con una sonrisa religiosa, nunca nos defraudarán.

myspace.com/amiina

TELEPATHE
Dance Mother
iamsound, 2009.

Melissa Livaudais y Busy Gangnes son las dos señoritas que le dan vida a este antro bipolar, llamado Telepathe, desde la gran manzana entregando nuevos trazos de electro-pop fisurado y darkwave futurista.
Luego de aquel oscuro y difuso Ep de 2006, "Farewell Forest", llama la atención como han refinado su sonido, acercándose en "Dance Mother" (Lp debut del dúo de Brooklyn) a la pista de baile ultra-moderna de Ladytron, para muestra sólo basta escuchar el tema que abre la placa, el single "So Fine", un temazo de pop cristalizado que incluso podría convertirse en hit, si hubiese un poco más de actitud en los programadores de clubs y radios comerciales locales.
Sin embargo escuchando el disco con atención, nos encontramos con un mundo abisal de música turbadora y atrayente, que se esconde tras esa ternura pop, destacando de la madeja dos cortes notables, "Lights Go Down" y "Can’t Stand It", espesos y aéreos, con las voces de Melissa y Busy flotando afiladamente por un espacio sonoro muy narcótico, sintetizadores expansivos y bases potentes tomadas del hip-hop (estilo muy amado por Telepathe), que hacen recordar los dos primeros discos de la banda británica Laika y también en parte al sonido del sello 4AD.
De seguro mucho tiene que ver en este depuramiento sónico, las manos de David Andrew Sitek (Tv On The Radio) en la producción, pero hay que tener en cuenta que estas chicas ya habían dado señales de ingenio y buen gusto en sus trabajos cortos anteriores.
Telepathe ha encontrado una salida elegante y bella, para todo ese tribalismo y experimentación que se guardaba en su centro, en "Dance Mother" seguimos sintiendo la inquietud y la tensión, ahora eso sí, envueltas en un traje de noche, seductor y mágico, que invita al deleite y a un baile vicioso y constante de ojos luminosos.
Encantamiento de sirenas.

myspace.com/telepathe







EPIC45
In All The Empty Houses
make mine music, 2009.

Nuevo mini-album de la agrupación Epic45, desde Staffordshire, Reino Unido, se manifiesta la plataforma de ambientes nostálgicos y musicalidad cadenciosa, Make Mine Music los ha hermanado en sentimiento y atmósferas a Yellow6, July Skies y Portal, sonidos inspirados en momentos especiales y en lugares que se pierden en medio de un tiempo indolente.
Epic45 son Ben Holton y Rob Glover, se formaron a fines de los 90s' y cuentan con varios trabajos editados, siempre mostrando ese gusto por la belleza y la calma, música a media luz y expresada con delicadeza, sólo cinco cortes, susurros que detallan historias de soledad y abandono, sin embargo se acercan hasta llegar muy adentro, las guitarras giran etéreas, mientras sentimos el paso de los años y su pesadez, grabaciones accidentales que se cuelan en medio de estas canciones inestables, interpretadas de forma austera, no se necesita nada más para aguardar un atardecer, la vigila permanente y luego un nuevo comienzo, de eso hablan estas estructuras desnudas. Fotografías de un momento de placidez y caída, lágrimas y remembranzas que se quedaron impregnadas en la vieja casa silente.

myspace.com/epic45

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 10 de septiembre, desde las 21 hrs, por la señal de Radio Placeres, 87.7 fm y on-line por acá.




Recomendados especialmente:

Domingo en Ritual: Fatiga de Material

Recomendamos para este domingo 6 de septiembre, pasar una buena tarde lluviosa disfrutando en vivo la música de nuestros amigos de Fatiga de Material y todo su poder sonoro, junto a Niña Ciboulette.

Esto será en el Bar Ritual (Almte. Montt 48), solo a pasos de la plaza Anibal Pinto, desde las 19hrs.

Entrada liberada (consumo)

escuche por acá:

Fatiga de Material

Niña Ciboulette

El Sueño del Esquimal #261, jueves 03 de septiembre.

Arriba, abajo, alrededor, las caricias divertidas de una música inexplicable, comienzo, final... comprendido time-stop!





OOIOO
Armonico Hewa
thrill jockey, 2009.

Extraño pero fascinante, detonadoras del nuevo sonido experimental japonés, OOIOO (pronúnciese oh-oh-eye-oh-oh) proyecto formado a mediados de los 90s' por Yoshimi P-We (batera de los Boredoms) nos entrega su sexto album, "Armonico Hewa", quizás el mejor condimentado de su menú noise-tribal-dance. Un juego de vocalizaciones infantiloides y sonoridades inquietas que abren la puerta hacia un mundo desafiante y anormal, 'marciano' es otro buen adjetivo para esta placa integramente creada en Tokyo y que trae de vuelta el aire giratorio de agrupaciones de chicas provocadoras como The Slits, The Raincoats y Chicks On Speed.
Un punk venido desde otro paraje, Japón, el no-mundo, espacio y elegancia quebrada, buena parte en melodías y ruptura entregada desde grupúsculos interzonales como Saicobaba, Liveloves, Surfers Of Romantica y Delawave, todos hoy condensados en OOIOO, material intergaláctico con Yoshimi, Kaya N, Aya y Al, desarrollando la ronda definitiva, pop para el futuro, estamos atrás, pero con estas huellas nos quedamos y comenzamos a enterder el lenguaje intermitente... vitalidad, descontrol y nuevas direcciones, golpeando alocadamente el caleisdoscopio, rotundas, el sol naciente y sus bestias naturales dispuestas a mutar nuestro orden básico, libertad desconocida.

ooioo.jp/
myspace.com/oooiooo







HOPE SANDOVAL
& THE WARM INVENTIONS
Through The Devil Softly
nettwerk, 2009.

Ocho años son más que una historia, más que un tiempo de silencio, si hablamos de Mazzy Star y Hope Sandoval podría traducirse como en la distancia que se produce con una ruptura o una muerte, y si la música puede marcar fases o etapas, creo que este regreso podría retratar un nuevo amanecer o por lo menos un hilito de luz que aparece en la pieza del desamparo.
De nuevo la caja musical se abre sin dejar espacio vacío, sin dejar un lugar sin ser tocado, sonido bajo, narcótico y otra vez todo entregado a media luz, como a esta chica le gusta, como en una relación necesaria e intensa, hoy con The Warm Inventions aka Colm O'Ciosoig (baterista de My Bloody Valentine) en la composición de atmósferas y estructuras de ensueño, acompañando la seductora y tímida voz de Hope, una ternura que ventila cualquier estancamiento, belleza sanadora y una aventura que vuelve a mostrar señales, quizás no todo está perdido.

hopesandoval.com/
myspace.com/hopesandoval








YO LA TENGO
Popular Songs
matador, 2009.

Hay ciertas bandas que crean un espacio propio entre el terciopelo y las luces, como el trío de Hoboken, Yo La Tengo, 20 años de música y 12 discos editados, contando este ramillete fragante llamado "Popular Songs", como no entender, como no hacer caso a esta música lustrosa, a este poder creativo que nos lleva desde los sonidos espaciales hasta la intimidad del beso y el abrigo.
Georgia Hubley, Ira Kaplan y James McNew nos reciben otra vez en su jardín bondadoso, moviéndose siempre entre los discos y las intenciones, vuelven a mostrar ese rostro cercano, gente sencilla haciendo música para los inquietos, vuelven los hits luminosos del verano entrelazados con el ruido y los recuerdos añosos, geniales conductores del tiempo, el espacio explorativo justamente conectado a los sonidos de los años dorados, canciones de probeta que curiosamente detonan en el auditor conjunciones cósmicas distantes, de nuevo el presente y el pasado se cruzan para manisfestar futuro, como unos Velvet Underground de rostro limpio, inolvidables, Yo La Tengo otra vez tan queridos, sería un pecado no aprovechar este regreso mágico.
Sólo recordar ese día de febrero de 2001, cuando se presentaron en el viejo Teatro Novedades de Santiago, esos mismos tres personajes sonrientes y relajados que nos dieron una lección de honestidad y buena dosis de indie rock afilado.

yolatengo.com/
myspace.com/yolatengo









DAKOTA SUITE
The Night Just Keeps Coming In
navigators yard records, 2009.

La belleza tiene un millar de caras y si hay tiempo por ejemplo para hablar de la calma y los espacios lentos, creo que Dakota Suite, este alejado grupo de Leeds, Inglaterra, tiene flores para regalar.
Creadores de un mundo sonoro triste y marchito quizás, han dejado sobre el pavimento un buen puñado de ofrendas que podrían sanar toda una guerra, con Chris Hooson a la cabeza como compositor y letrista, sí a veces también cantante, sacando siempre lo peor de sus tormentos, la realidad y los sueños que golpean firmemente la frente del caminante sentido, del conductor de ilusiones rotas.
Hoy como buen predicador no entendido en su momento, el tiempo crea el espacio para el tributo, o por lo menos en este caso para la remezcla, a primera vista cuesta entender que buena parte de los más destacados escultores de atmósferas en la actualidad se aglutinen entre la bruma persistente de Dakota Suite, para manifestar cercanía y gusto.
Pero el buen traductor del silencio de seguro no olvida la fuente inicial, la mala evidencia, el pozo estancado y hay que reconocer que cuando en los 90s' empezaron a caer los telones negros, Dakota Suite se alejo del resto de post-rockers para crear su propio dibujo de cabezas rotas, por eso se hace importante este rescate a su disco de finales de 2008, "The End Of Trying".
"The Night Just Keeps Coming In" fue realizado en marzo de este año, convirtiéndose además en el primer registro de Navigator's Yard Records, remixando track a track y en su orden original, el cadencioso y terminal trabajo "The End Of Trying", la lista es de lujo, por acá pasan Machinefabriek, Loscil, Deaf Center, Elegi, Hannu, Peter Broadrick, The Boats, Jacaszek y los propios Dakota Suite, todos bebidos y bebiendo la mala drogada, la música con herida.

dakotasuite.com/
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CROCODILES
Summer Of Hate
fat possum, 2009.

Crocodiles son un dúo de San Diego, con este nombre tomado del primer disco de Echo and The Bunnymen, han creado una agrupación extraña que muestra la cara noise-pop de aquel rebaño maldito desde donde aparecieron Cold Cave y Blessure Grave, el espectacular white vinyl 7" conjunto, "An Understanding of Nothing" editado en enero de 2009 por el sello Down In The Ground y que ha servido de vitrina para estas tres agrupaciones estupendas.
Divertidos y empapados con una onda ultra-enegética, los Crocodiles parecieran tributar en sus canciones desgarbadas y cubiertas de efectos, a bandas tan esenciales como The Jesus and Mary Chain, Joy Division, Spacemen 3 e Iggy Pop.
Un verano de odio, así de claro y molesto, pero sin embargo tan letal como una patada directo al centro del ordenamiento y las caras felices, Charles Rowelly y Brandon Welchez se mofan y juegan con lo más sagrado del indie-rock de escuela, una guitarra Vox Phantom sacudiéndose con histeria, batería reducida a caja y bombo con una mano, guitarras y voces cristalizadas en reverb, te recuerda a algo eso... bueno sí, de nuevo el espanto, el fulgor y las risas baratas.
Genial.

myspace.com/crocodilescrocodilescrocodiles











Este nuevo registro Esquimal lo puedes oír hoy, jueves 3 de septiembre, desde las 21. hrs por Radio Placeres on-line.

Recomendados: