El Sueño del Esquimal #267, jueves 29 de octubre.

Contemplando los destellos de una primavera eléctrica, frescura y un laboratorio de sonidos que no para, entremos otra vez en la ilusión.

MASSIVE ATTACK
Splitting The Atom Ep
virgin, 2009.

Hace un buen tiempo que esperabamos noticias de Massive Attack, desde el año pasado que se hablaba de la publicación del quinto álbum de la banda de Bristol, la expectación crecía y de ellos nada.
Sigilosamente reaparecen con este Ep de octubre, "Splitting The Atom", estimulante adelanto a lo que será su nueva placa, con fecha para Enero de 2010.
Hacía falta volver a sentir esa cadenciosa intensidad, ese centro embriagador que desde los '90s y el trip-hop, nos hace flotar.
Robert del Naja aka 3D y Grant Marshall aka Daddy G, alquimistas del sonido maquinal y la música negra más inductiva, vuelven a llenar el espacio de humo rojo, profundo y placentero, comenzamos con "Splitting The Atom", single que los posiciona de nuevo en altura, las voces de Daddy G y 3D se derraman viciosas, mientras aparece el canto luminoso de Horace Andy como en los mejores tiempos de "Protection" y "Mezzanine", han pasado sólo unos minutos y ya estamos entregados totalmente en medio de los sonidos y la sensualidad, atmósferas sobrecargadas que nos mantienen entre la tensión y el encantamiento constante, Massive Attack está de vuelta, a 6 años de "100th Window", su anterior trabajo, no han perdido espesura, al contrario, parece que estuvieran caminando por una tierra distante, puerta perceptiva que sólo ellos saben recrear.

Como en toda su carrera las colaboraciones son de lujo, además de Horace Andy, encontramos a Damon Albarn, Martina Topley-Bird, Guy Garvey (Elbow) y Tunde Abedimpe (Tv On The Radio), este último entrega su voz en el segundo corte, "Pray For Rain", áspero y tribal, se siente la sangre correr entre Jamaica y Bristol, paseamos por las calles mojadas en busca de algún antro que nos acoja, el fuego que hace olvidar al frío, las luces que se encienden y de pronto estamos en medio de la danza infernal y urbana, buen viaje.

El Ep se completa con dos remezclas que se mueven entre lo profundo y lo abstracto, sin soltar nunca la cuerda, como no disfrutar ese caramelo llamado "Psyche (Flash Treatment)", con Martina y su voz seductora inmersa en una fuente de resonancias fascinantes.

Descansemos, habrá que esperar hasta enero por otra dosis de embrujo.

myspace.com/massiveattack








BROADCAST
Mother Is The Milky Way Ep
self-released, 2009.

11 canciones en 20 minutos, no está mal para ser un Ep, más aún si estas canciones vienen desde un reducto tan entrañable como el de Broadcast, la banda de Trish Keenan y James Cargill, que desde Birmingham, Inglaterra, retorna al ruedo luego de su anterior trabajo, el aclamado "Tender Buttons" de 2005.
La música puesta dentro de un caleidoscopio, exploración hacia las fantasias del interior, los recuerdos y las vivencias, todo cayendo desde una vertiente multicolor, "Mother Is The Milky Way" es una historia contada desde los sueños, la voz de Trish arrulla en medio de canciones paranormales e infantiles, pasadizos que se pierden entre capas sonoras nubosas y grabaciones urbanas, risas de niños, flautas y frecuencias de radio mal sintonizada, todo un microcosmos que pareciera venir desde muy adentro en la razón y los sentidos.
Traspasando los límites, las canciones diminutas se cobijan en estructuras que toman algo de folk y electrónica selvática, se vienen a la mente Vashti Bunyan, His Name Is Alive y Nico, una bella incursión de Broadcast por parajes orgánicos y distantes, una esencia que retorna después del silencio, un desierto florido.

Este sugerente Ep, sólo se encuentra disponible en los conciertos de la gira que están haciendo por estos dias junto a Atlas Sound, pero obvio que lo podrás descargar por ahí...

Además Broadcast ha publicado este mes, "Broadcast And The Focus Group Investigate Witch Cults Of Radio Age", otro disco de corte experimental, esta vez junto a The Focus Group, banda liderada por el diseñador de portadas, Julian House.

Todo esto a la espera de su nuevo álbum, que aparecerá por etiqueta Warp en el primer semestre de 2010.

myspace.com/broadcastuk

ZOLA JESUS
The Spoils
sacred bones records, 2009.

Zola Jesus es un proyecto creado por Nika Roza Danilova, una joven de 20 años recién cumplidos, proveniente de Madison, Wisconsin.
Desgarbada y escondida detrás de un teclado, nos muestra su música oscura y asfixiante, una especie de after-punk industrioso amparado en la bruma del sonido lo-fi, de inmediato ella reconoce la influencia de gente como Swans, Throbbing Gristle, Diamanda Galas y Lydia Lunch, "The Spoils" es su flamante primer Lp, luego del CD-R "New Amsterdam" y el Ep "Tsar Bomba", todos editados este año, chica prolífica.
De a poco nos internamos por un mundo agónico, temas de apariencia terminal como "Sink The Dynasty" por ejemplo, muestran una cercanía con la época más siniestra de Dead Can Dance y Cocteau Twins, la voz de Zola Jesus se transforma en un conducto fantasmagórico, incesante e inductivo, el disco entero exhala dolor, pesadez y malos presagios, sin embargo hay una fuerza vital que impulsa estos conjuros, como en "Smirenye" con un pulso maquinal marcando el paso firmemente o "Clay Bodies" espacio pagano destinado a estremecer.

Estamos frente a un disco salido desde las sombras, hiriente como pocos, lleno de tormentas y pozos sorpresivos, pero cubierto por una belleza congelada que se cuela directo hasta el centro, realmente hipnotizante, como buena parte de la nueva escena underground estadounidense, peregrinos que avanzan por un bosque nocturno como James Ferraro, Pocahaunted, Gary War y Ariel Pink.

myspace.com/zolajesus






Las corrientes polinésicas nos acarician, gracias al viento de Hawái...

ALVA NOTO
Xerrox Vol. 2
raster-noton, 2009

“Xerrox Vol. 1” (raster-noton, 2007), o el Viejo Mundo, “con su tradición profundamente enraizada en la música clásica”. Su segunda parte, “Xerrox Vol. 2”, intenta acceder al Nuevo Mundo. Este disco, al igual que el anterior insiste en aquello del error, en las fallas inherentes a toda copia, mas y más evidentes cuanto más de ellas se hagan, en como no podemos diferenciarlas del original, y en como, finalmente se convierten en un material nuevo. Para ello otra vez utiliza el Xerrox Sample Transformer. Pero en este caso, el segundo de la serie –recuerden que aún quedan tres más por venir–, la idea es un poco diferente.

Pensado y concebido mas desde el punto de vista de una unidad, mas que la simple unión de fragmentos, funciona casi como una presentación en vivo, y se pueden además distinguir distintas fases dentro de esa misma unidad, distinciones que se pueden hacer en parte por los samples usados en cada una de ellas. Los cuatro primeros tracks, de “Xerrox Phaser Acat 1” a “Xerrox Meta Phaser”, utilizando ‘muestras’ de Michael Nyman y Stephen O’Malley (Khanate, Sunn O))), KTL), parten de silencio más incomodo al ruido más suave. Distintas capas de grises pegadas unas con otras, hasta terminar en aquel océano de impurezas que es “Xerrox Meta Phaser”. “Xerrox Sora”, corresponde a un bosquejo de una de sus tantas colaboraciones con Ryuichi Sakamoto, desarrollado e interpretado durante la gira de “Insen” (raster-noton, 2005), un verdadero diamante en bruto, un carbón tan bello como sus pequeñas imperfecciones. Luego a eso comienzan la serie “Xerrox Monophaser” –interrumpida por otros tracks, siempre insertos en la misma línea, como “Xerrox Teion”, armado a la vez que corroído en el “proceso de copiado dentro de otros samples”, o “Xerrox Tek Part 1”, suma de arena digital más líneas perpetuas–, las cuales construyen a través de redes entrelazadas, nuevos espacios, semejantes a los mas clásicos de “Xerrox Vol. 1” –clásico también en el sentido que lo es el ambient mas gaseoso de Wolfgang Voigt–.

Grabado y desarrollado y casi en su totalidad en Estados Unidos, aquel ya viejo New World, efectivamente tiene y se presenta como un solo ente, de una densidad absorbente y pesada, un todo que al mismo tiempo se puede sumar a esa otra entidad que es “Xerrox Vol. 1”, conformando una obra que, a la espera de las restantes entregas, ya se anticipa como una de las series mas interesantes en lo que va de esta década, un campo abierto para la distorsión y la calma, lo áspero y lo suave, lo rugoso y dúctil del ruido en un solo espacio sin fin, the endless loop.

FENNESZ SAKAMOTO
Sala Santa Cecilia (2005)
Cendre (2007)
Touch

Tan solo 72 minutos son los que suman las que hasta la fecha son las únicas dos colaboraciones, plasmadas en disco, entre Christian Fennesz y Ryuichi Sakamoto.

Enfrentados de manera distinta, tanto en su proceso de gestación, composición e interpretación, obviamente que los resultados tenían que ser diferentes. Y por cierto que lo son. En “Sala Santa Cecilia” el proceso fue más simple, y consistió en lo siguiente: dos personas, el austríaco y el japonés, mas un tercer invitado, el laptop. La música surge de la interacción entre esto tres elementos, casi se diría que de forma improvisada, caótica a ratos, pero nunca desordenada. Grabado por Claudia Engelhart, en el Auditorio Parco della Musica, dentro del festival Romaeuropa, en Roma, Italia, el 28 de noviembre de 2004 (siete meses antes de su publicación), lejos de ser una mera reunión de dos creadores de mundos aparentemente alejados, es una sola capa –también en disco: un track de 19 minutos–, con matices y sonidos añadidos, a veces sutiles, a veces más bruscos (minuto cinco a seis: grabaciones de guitarra, presumiblemente de Fennesz, en la línea repetitiva de Spaceman 3), cercanas a las grabaciones más experimentales del europeo, como sus colaboraciones con Keith Rowe. Sakamoto, por su lado, toma el control cuando el ruido es el protagonista, sumando ráfagas de ambient al conjunto –tal vez fue todo de un modo distinto, y dichos roles no los ejercieron quienes yo otorgue–. Como sea, “Sala Santa Cecilia” sirvió como aperitivo, mas que destacable, a su primer larga duración, y si se escucha con atención, existen pasajes en los cuales ya se anticipa lo que será su próxima colaboración.

“Cendre”, publicado cerca de dos años después que el anterior, tuvo un proceso distinto. En esta ocasión, la grabación no tuvo lugar en un solo momento y lugar, sino que se desarrolló pausadamente, desde el 2004 al 2006, entre las ciudades de Nueva York (Sakamoto) y Viena (Fennesz). Este le enviaba pistas al nipón, sea una pieza electrónica o de guitarra, sobre las que Sakamoto creaba a su vez una pieza de piano. Sin embargo, a veces el proceso era el inverso, comenzando en Austria y terminando en Estados Unidos. Además, discutían sobre los temas durante sus varios encuentros en giras, o comunicándose vía electrónica, juntándose para la mezcla final en febrero de 2006. Entre el paisajismo puro, y la más sutil y ensordecedora belleza, tienen lugar once temas, partiendo por “Oto” (sonido), breve overtura donde tradición y modernidad de unen, y siguiendo con “Aware”, que traduce a sonido precisamente lo que significa. De ahí en adelante, se suceden hermosas piezas, donde cada uno aporta lo suyo, Sakamoto con el piano y Fennesz con la guitarra eléctrica, tratados por ambos con sus laptops. El mas viejo de los dos, delicado como siempre, se refleja como nadie en tan noble instrumento, y dice como casi ningún otro es capaz de hacer (a la saga le va el neoyorquino Kenneth Kirschner), tantas cosas en notas tocadas con una precisión notable, tanto cualitativa como cuantitativamente. A destacar dentro de todas “Kuni” (campo), “Cendre” y “Abyss”. Por su parte el mas joven del dúo no es solamente el compañero de turno, y quien justifica que este artefacto sonoro aparezca en la marca londinense Touch, sino que muy por el contrario se acopla de manera que no estorbe ni entorpezca la labor del otro –de un modo similar a como lo hizo Carsten Nicolai (Alva Noto) en sus discos para raster-noton–. Sin él, el disco tendría otro carácter muy diferente. No quiero decir en ningún caso que pase inadvertido. Es perfectamente distinguible su presencia, y su manera de enfrentar las composiciones. El ejemplo más notorio es “Glow”, el que encajaría fácilmente en una posterior reedición de “Venice” (Touch, 2004).

El fin, el amanecer, la luz. Al igual que la fotografía que aparece en la portada, obra de Jon Wozencroft , responsable además del diseño de este, el EP que le antecede, y la casi totalidad del catálogo de Touch, de entre los arboles, ramas y hojas digitales emerge la claridad. Desde la oscuridad, de la que algo hay, surge la luz, y junto con ella, el calor.





Escucha El Sueño del Esquimal #267, hoy jueves 29 de octubre, desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on-line...

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Recomendamos:

El Sueño del Esquimal #266, jueves 22 de octubre.

Los discos de Octubre, un cofre-tesoro y la luz que regresa desde su viaje huérfano.

PIANO MAGIC
Ovations
make mine music, 2009.

Décimo álbum en la carrera de Piano Magic, la agrupación londinense que formó Glenn Johnson en el verano de 1996 y a la vez el terruño dark por excelencia en la actualidad.
Ahora con "Ovations" se presentan cruzando el umbral definitivo, con maestría han esculpido un disco potente, de refinada poética y donde ningún rincón está demás, una verdadera joya de ambientes densos, poseedora de una hermosura que se expande y se agiganta a cada paso, sutilmente nos adentramos en un paraje arcano, romántico y de una rigurosidad artística admirable.
Cuando la música atraviesa ciertos límites, podemos encontrarnos con temas como "The Nightmare Goes On", que abre esta placa, un trazo sonoro venido desde otro tiempo, amplio y parecido a una catedral congelada, con esos teclados fúnebres y las percusiones tribales que van delineando una orilla distante y a la vez encantada, la voz de Brandan Perry (ex-Dead Can Dance) que regresa desde un ostracismo prolongado hace multiplicar el efecto místico y profundo de esta letanía flagelante y placentera.
¿Quién podrá quedar indiferente ante la belleza desafiante de "March Of The Atheists"?, otro eslabón de esta cadena fría y pesada, la lujuria y el deleite se retuercen en medio de una danza medieval, con Peter Ulrich (otro ex-Dead Can Dance) en las percusiones y Johnson tomando las riendas del carruaje con su voz distintiva.
El cortejo no cesa y la electrónica espesa se muestra en "On Edge", tema turbulento de ritmo minimal, que exhibe al colectivo Piano Magic en todo su esplendor, paso firme frente al peldaño divisorio, Cedric Pin en la voz, Franck Alba, Jerome Tcherneyan, Alasdair Steer, Angele David-Guillou y por supuesto siempre Glen Johnson enseñando el naipe, no hay miradas bipolares, esto es nervio duro.
Es innegable el paseo por la estela añosa del sonido 4AD, con The Cure, Death In June y Dead Can Dance como compañeros de alcoba, oscuridad y belleza se concentran en "The Blue Hour", llegando directo al centro de una sensibilidad secreta y abriéndola para un nuevo tiempo, nuevos rostros que buscan atrapar el arte de las sombras, la vestidura negra tampoco está demás.

Sin dudas Piano Magic ha escrito su mejor trabajo, los ángeles caídos han llenado la habitación, ahora ya todo es jardín.


myspace.com/lowbirthweight












MAGIK MARKERS
Balf Quarry
drag city, 2009.

Combo ruidista formado en Hartford, Connecticut, a comienzos de esta década, Elisa Ambrogio en voz y guitarra junto a Pete Nolan en batería, amigos de la autogestión y el sonido de baja fidelidad, han sabido mover la escena, metiendo en la juguera buena dosis de noise deslavado, algo de resaca punk y melodías que logran rozar el pop indie.
Se radican en Brooklyn y son apadrinados por Thurston Moore y su sello Ecstatic Peace!, para su disco "Boss" de 2007, que se anotó como una de las novedades de aquel año. Ahora en su tercera placa pisan firme con Drag City como soporte, entregando un nuevo pozo de tonalidades plomizas, desde un comienzo "Balf Quarry" trae la añoranza de la No Wave neoyorkina de fines de los '70s, ese antro exploratorio que lavó caras y actitudes en busca de un nuevo concepto arty, que escarbaba en el punk y el ruidismo para romper con los bordes de la musicalidad establecida.
Hay que reconocer que Elisa le saca lustre a su voz en temas enfermizos, que de tan raros consiguen poseer belleza y descaro, estructuras desnudas que nadan por una corriente turbia, a veces demencial, sin embargo el disco toma consistencia y se torna terriblemente agradable por momentos, dejando de lado el amparo noise e internándose a través de una tierra extraña, a medio camino entre Throwing Muses y Lydia Lunch con Teenage Jesus And The Jerks.

Ternura de sanatorio.

myspace.com/theemagikmarkers

FUCK BUTTONS
Tarot Sport
ATP recordings, 2009.

El año pasado se presentaron con " Street Horrrsing" y nos mantuvieron a punto del colapso nervioso, con sus honduras y deformaciones sonoras, queda claro ahora que eso sólo era el comienzo de la narcosis.
Las criaturas del noise maquinal han regresado desde Bristol, para desprender un nuevo disco, infinitamente más desencajante que aquel pequeño entremés, "Tarot Sport" es la apertura a un universo desconocido, Andrew Hung y Benjamin John Power dibujan hoy un trayecto tan despiadado, que desde un comienzo se nos presenta como una fuente de sonidos sin concesiones, inusual es encontrar tal grado de distancia con líneas estlísticas ya trazadas.
Junto al músico inglés Andy Weatherall (The Sabres Of Paradise) como productor, dan vida a una placa que juega con la luminosidad y la elevación, electrónica saturada, noise marciano y un resultado que incluso podría ser la primera huella de una nueva frontera perceptiva.
Se alejan y se acercan como unos Seefeel deformados por Gang Gang Dance en "Surf Solar", primer single y corte que abre este reducto prismático, la nave parte con el motor cargado, se trata de techno anfetaminado, viento estelar que va y viene, debe haber otros mundos, otras islas, samples que van consumiendo una estructura plagada de capas sonoras venidas desde la altura, futurismo puro.
A ratos pensamos en unos Tangerine Dream bestiales, que regresan desde un viaje inter-galáctico y es verdad, este disco ensancha el arco sonoro creado anteriormente por Fuck Buttons, ahora sus parcelas ruidistas miran hacia el sol y los cuerpos celestes, desdibujados en una plaqueta mercenaria llamada "Rough Steez", golpeteo metálico, respiración artificial y una constelación de estrellas que se despedazan en el horizonte, somos favorecidos al contemplar el espectáculo.

De seguro escuchar "Tarot Sport" con audífonos y a todo volumén debe tratarse de una experiencia alucinógena, la música como un carro sin control a pasos de la gran colisión, definitivo, disco del año, lo que quieran...

Mentes en Expansión.


myspace.com/fuckbuttons

INCA ORE
Silver Sea Surfer School
acuarela, 2009.

Eva Sealens es la más desquiciada de las hadas malignas que poblan el noise espectral norteamericano.
"una chica cubierta por un extraño velo, retorcida sobre un teclado y murmurando salmos poéticos delante de un micrófono tratado con pedales", como tan bien la grafica Jesus Llorente en el blog de su sello Acuarela .
La música de un tiempo muerto que queda entre los recuerdos y el pensamiento, si alguna vez Inca Ore elevó catedrales de cristal con su manto pagano, ahora se convierte en la diosa de la tempestad, supuestamente "Silver Sea Surfer School" es su disco menos hermético, menos mal, porque se trata trayectos intuitivos y desfigurados que casi siempre terminan en un despeñadero, quiebres de una realidad marchita que no para en copiar con la lucidez del niño que enfreta sus temores más sagrados.
Por momentos nos parece escuchar a Clara Blackmore y su theremín quejumbroso, a Reynols con Miguel Tomasín y su maraña paranormal, la espiritualidad que consigue la música cuando se aleja de los parámetros previamente asignados, esto es una ruta en la bruma, todo el rato masajeando el borde hasta deformarlo a su antojo, con Paavoharju, Fursaxa, Grouper, Axolotl, Pocahaunted y Aghäst como cosmonautas de apoyo.

Encerrado en la escafandra, las larvas se toman mi sangre y vomitan mi futuro...


myspace.com/incaoreincaore

ELEGI
Varde
miasmah, 2009.

Cuando la música se presta para causar daño quedan cicatrices como esta, el músico noruego Tommy Jansen aka Elegi, ya había lanzado los sonidos hasta el fondo del mundo marino en "Sistereis" de 2007, el mar y su espesura de nuevo se apoderan de esta mente creativa, eso sí ahora para mostrar su lado más oscuro, su crueldad.
"Varde" es una creación inspirada en una desventura, en la muerte misma, que dejó la expedición del capitán Robert Scott en 1912, en busca de nuevas rutas a través del peligroso Mar Ártico y que terminó con su embarcación atrapada en medio de los hielos polares y sin ningún sobreviviente, así también en esta obra sonora hay muy poco de aire, solo encontramos ambientes mortuorios que ofrendan su desdicha a los caídos, pocas notas de piano que se extienden por field recordings marinistas, de vez en cuando una gaviota nos recuerda que aún existe vida en esta desolación perpetua, viajamos a través de las cadencias sin encontrar un atisbo de tierra firme, todo pareciera dirigirse hacia las profundidades, como una especie de película corta que se apega a los sonidos como un último respiro antes de hundirse, "Una Sinfonía De Horror" como bien lo describe el músico en su MySpace.
No hay nada más acá, sólo muerte.


myspace.com/elegi

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 22 de octubre, desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on-line.

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Recomendados:

Tercer Encuentro de Arte Sonoro Tsonami, entre el 23 y el 31 de octubre en Valparaíso.

Te invitamos a revisar la programación del tercer Encuentro de Arte Sonoro Tsonami que será realizado entre el viernes 23 y el sábado 31 de octubre en la ciudad de Valparaíso, Chile.

Tsonami es un encuentro internacional que reúne improvisadores, artistas sonoros y compositores en una semana de conciertos, instalaciones, charlas, talleres y transmisiones de radio, todo con entrada liberada.

Los dejamos cordialmente invitados a asistir a las actividades, la inauguración será realizada este viernes 23 a las 19:30 hrs en Sala Rubén Darío ( Calle Blanco 1113).

Para mayor información revisa nuestra Web www.tsonami.cl

Anotaciones nimias para esquimales # 2

Anotaciones nimias para esquimales # 2. por julio lamilla.

En esta ocasión nos trasladamos a New York, centro de operaciones – junto con la ciudad de Osaka – del colectivo japanoise Boredoms (1986). Banda con una trayectoria similar a un mapa psicogeográfico y que gracias a una historia plagada seudónimos, remixes y bipolaridades, ha logrado desconcertar a la academia y ser un manjar de melómanos.

Asistimos a la tercera de las presentaciones denominadas “Boadrum Concerts”, las que basadas en la mitología romántica japonesa comenzaron a desarrollarse el 07/07/07 a las 7:07, con una instalación sonora al aire libre bajo el Puente Empire–Fulton en Brooklyn, New York.
Consiste en la formación de un espiral de 77 bateristas (entre ellos miembros de Fushitsusha, Otomo Yoshihide, Gang Gang Dance, Codeine, Cul de Sac, Bardo Pond, Holy Fuck, Lightning Bolt, etc) rodeando el sintetizador e instrumentos de Yamatsuka Eye. Presentación que luego fue editada en 2 cds + 1 dvd por el sello Commons, y que durante esta versión en Terminal 5, era vendido junto a diversos vinilos de la banda.

Esta tercera versión, la 999, fue abierta por Robert A. Lowe aka Lichens, que mezclando su voz a capella con su voz procesada in situ mediante loops, en una clase magistral de economía de medios y vocal drone, nos invitó a introducirnos (mientras enroscaba compulsivamente sus dedos) en una invocación de los territorios más descampados y oscuros de la música, cantos de un intenso mal-dolor.

Llegadas las 9:09 hicieron su aparición 8 de los 9 bateristas convocados para esta ocasión: Zach Hill (Hella) y asiduo colaborador en los directos de Marnie Stern; Butchy Fuego (Pit er Pat); Aaron Moore (Volcano The Bear); Dave Nuss (No Neck Blues Band); Kid Millions (Oneida) y Jeremy Hyman (Ponytail) junto a los eternos extemporáneos Yoshimi P-We (Ufo or die, Saicobaba, Ooioo, Free Kitten, OLAibi, Yoshimi and Yuka) y Yamatsuka Eye (Hanatarash, Ufo or die y colaborador en una demasía de proyectos e improvisaciones con gente como Keiji Haino, John Zorn, Thurston Moore, Jim O'Rourke, etc.)




La presentación comenzó con un Yamatsuka percutiendo y rasgando sutilmente, de forma aleatoria, su guitarra de 7 brazos, hasta que Yoshimi alzó sus baquetas por algunos segundos y las dejo caer fuertemente sobre el tom y la caja, repitiendo esta formula sucesivas veces, comenzando así a dirigir a la orquesta de bateristas hasta transformarse en una sincronía natural. Amalgama de ritmos ritualistas, incrementados por unos veloces redobles, análogos a los del proyecto japonés Kirihito, provenientes de nuestras espaldas por parte del baterista Hisham Bharoocha de la banda Soft Circle, quien a bordo de una plataforma móvil tocó entre el publico hasta llegar al escenario.



Hisman y Yoshimi fueron los más rítmicos de la noche (tocando con sus baterías enfrentadas en un amigable duelo), mientras el resto de los bateristas descargaban brutalidad y técnicas únicas. Yamatsuka por su lado se dedicaba a manejar las intensidades sonoras límites, dirigiendo a los bateristas con sus brazos y golpeando con una vara varios brazos de su guitarra al unísono, mientras la voz de Yoshimi nos hacía reconocer su rol en Free Kitten, aunque la mayoría del tiempo fue la voz de Yamatsuka la que nos envío una mezcla de catarsis y dub en partes iguales. La sesión duró aproximadamente una hora y media, en donde los bateristas, con sus botellas de agua vacías, entregaron su máximo de capacidad física e interpretativa, haciéndonos recordar
que asistir a un concierto de boredoms, aún después de más de 20 años, continúa siendo una de las experiencias sonoras más atrayentes, desequilibrantes y cargadas de vitalidad que existen en este planeta.

9/9/9 Nueva York

El Sueño del Esquimal #265, jueves 15 de octubre.

MORRISSEY
Years Of Refusal
polydor, 2009.

Cada vez que Steven Patrick Morrissey entrega señales creativas, todas las miradas y comentarios se amontonan, es un artista que concentra amores y odios de muchos, él lo sabe, pero sin temor alguno esparce con ironía su desesperanza, ese grito sincero y delator sobre un mundo ultra-manoseado y servil, siempre será así, un eterno y sensible desacomodado, está en su naturaleza y quizás por eso se hace tan necesario.
"Years Of Refusal" es su décimo disco y un nuevo pozo de declaraciones afiladas, eso sí, esta vez más enfocadas hacia su propia vida, recordemos que Morrissey está pronto a cumplir medio siglo, lo que exige un inevitable recuento, de todas maneras la magia se mantiene en sus creaciones, esa fuerza pop que traspasa y que transforma cualquier simple canción en un objeto de deleite, por eso será difícil que sus seguidores o cualquier simple mortal, no caigan entregados ante temas tan rotundos como "Something Is Squeezing My Skull", que abre el disco en forma notable, una bofetada directa, aceleración y encanto como en sus mejores tiempos.
A pesar de ser un bocazas resentido y todo, no deja de mostrar romanticismo, extraño sí, pero romántico a fin de cuentas, como en "I'm Throwing My Arms Around Paris", donde abre su corazón atribulado, "en la ausencia de tu amor y en la carencia de contacto humano, he decidido extender mis brazos alrededor de París, porque solo la piedra y el acero aceptarían mi amor".
Temas intensos y salvajes que muestran a Morrissey con absoluto control sobre su obra y con el peso de la experiencia a su favor, como tan bien lo describe en "That's How People Grow Up":
"... he desperdiciado mi tiempo rezando por amor, por un amor que nunca llega de alguien que ni siquiera existe. Pero así es cómo la gente crece."
Como siempre reluce el gran letrista y el carisma de su voz, le ha ganado al tiempo y a un pasado esplendoroso, que incluye haber sido el líder de una de las bandas más entrañables que ha dado la música británica, The Smiths.

Desde Manchester la luminaria pop que no deja de deslumbrar.

myspace.com/morrissey








LOTUS PLAZA
The Floodlight Collective
kranky, 2009.

Un nuevo satélite que se eleva desde la plataforma creativa de Deerhunter, primero fue Bradford Cox mostrando su costado más personal con Atlas Sound, ahora es el turno de Lockett Pundt (guitarrista de Deerhunter) y su proyecto en solitario, Lotus Plaza.

Hay que saber mirar en la niebla, eso nos pide "The Floodlight Collective", un debut imaginativo de espesura cristalizada, desde donde se desprenden los destellos de una belleza escondida, entre capas de saturación acaramelada y percusiones certeras, vamos encontrando pequeñas gemas dejadas entre el hielo, por ejemplo la ambiental "These Years", podría situarse en un sitio cercano a Panda Bear, una cascada de luz imaginaria que nos abraza y bendice.
Despertamos del encantamiento y caemos en la crudeza estática de "Different Mirrors", totalmente orgánica y lo-fi, con la lánguida voz de Pundt apuntando en la distancia a Felt y Galaxie 500, el paisaje se abre dejando ver los detalles brillantes de la creación prismática.
Temas más corpóreos como "Red Oak Way" y "What Grows?", demuestran el gusto por los espirales sonoros de My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain, ralentizados y envueltos en un viento blanco constante y denso.

Lotus Plaza, Atlas Sound y Deerhunter, hilos entrecruzados de la misma madeja, visión caleidoscópica de un sonido fino que se expone al temporal, habrá que mantenerse expentante ante la variación climática.

web.

DAVID SYLVIAN
Manafon
samadhisound, 2009.

Su voz es signo de devoción entre las edades, desde mediados de los 70s', el inglés ha sabido cortejar al oyente, la música como expresión artística por excelencia, desde su antigua banda Japan, supo recorrer los caminos que van desde la canción sencilla hasta la búsqueda de horizontes creativos especiales y distanciados.
Cubierto siempre por ese poder, ha viajado a través de los estilos, deleitando con su prosa refinada y su gusto por las ambientaciones cadenciosas e intuitivas.

A partir de su disco "Blemish" de 2003, Sylvian profundizó la mirada y se dejó caer en los terrenos tupidos de la improvisación explorativa, que zurcaron definitivamente sus creaciones, traspazó sus propios bordes, encontrando un terrotorio amplio por donde avanzar en sus inquietudes.
Este mismo pasaje lo ha llevado a esta obra que juega con el silencio y la espesura, "Manafon" es el paso definitivo hacia un universo sensitivo particular, su voz como camino principal, adornada por múltiples ruidos e instrumentaciones, que se mueven sigilosos a través de las pausas y estas nuevas puertas perceptivas, cada trayecto muestra una imágen propia, los sonidos se expanden en forma natural, como cuando el botón de flor se abre al amanecer sin que nos percatemos, solo agradecemos la belleza expuesta.

El disco se ha trazado entre 2004 y 2008, en sesiones grabadas en Viena, Tokyo y Londres con la colaboración de destacados amigos de la improvisación y el diseño de ambientes, Christian Fennesz y su laptop disgregado es una constante, Werner Defeldecker (Radian), Evan Parker, Bukhard Stangl, Keith Rowe, Otomo Yoshihide y un amplio abánico de personalidades que intervienen este prado de contemplación.
Un trabajo que requiere de atención y concentración, la ruta hacia lo sublime es angosta, pero su fruto inimitable.

web.






A través de las islas, Hawái se conecta con el hielo polar.

CAMERA OBSCURA
My Maudlin Career
4AD, 2009

Si bien Camera Obscura han tenido varios y muy buenos singles, lo que ha hecho de su carrera una de las más interesantes y ascendentes de estos años es no solo el hacer buenas canciones, sino que el hacer buenos discos. Y en eso llevan ya más de una década. En un comienzo, para bien o para mal, estuvieron emparentados a otras bandas –ya saben, esa maldita manía de hacer paralelismos con todo: que se parecen a, que suenan como, que son de la misma ciudad que, que el novio de uno de ellos es el vocalista de…–, pero con el tiempo han ido forjando su propio sonido siempre, sobre la base de referentes externos, todos los cuales confluyen en aquellas tres letras mágicas: POP. Ahora, en esa tarea de hacer buenos álbumes, se requieren varias cosas: buen sonido, el orden adecuado, el tiempo justo, etc. Pero, sin duda, lo más importante, lo que no puede faltar, son buenas canciones. Y volvemos al principio. ¿Tiene el quinteto escocés buenas canciones? Y la respuesta no es otra que SI. Las han tenido antes, y por supuesto que las tienen ahora.

Al igual que su anterior trabajo “Let’s Get Out Of This Country” (Elefant, 2006), se han trasladado a Suecia a grabarlo, y de nuevo de la mano de Jari Haapalainen (Ed Harcourt, Peter, Bjorn & John, The Concretes) como productor, y con Björn Yttling de Peter Bjorn & John en los arreglos de cuerda y vientos (más prístinos y claros como nunca). Fue precisamente ese disco el que marcó un punto de inflexión en la banda. Allí se les vio mucho más libres, más sueltos, dejando la timidez a un lado, aunque no muy lejos. Fue recién en ese momento cuando fueron tomados en cuenta y valorados como se merecen, a pesar que muchos siguen (seguimos) teniendo un especial cariño por sus dos primeros discos. Pues esa misma soltura, tan bien resuelta en “Let’s Get Out Of This Country”, también se encuentra en “My Maudlin Career”, la cuarta entrega, ahora ya no por la etiqueta madrileña Elefant sino que por 4AD. Ya desde el título se aprecia un cierto giro, un abandono de las penas pasadas –nada mejor para ello que el humor–. “Estaba trabajando en canciones para el nuevo álbum, y sabía que la gente diría que eran tristes o melancólicas, como a menudo lo son. Pero en cierto sentido fue divertido para mí, como estaba escribiendo estas tristes canciones y tratando de construir una carrera sobre ello. Solo me pareció ridículo que esto es lo que hago, sabes. Tratando de construir una carrera en la miseria es bastante divertido” (Tracyanne Campbell). Sin embargo, lo quiera o no, la tristeza esta presente. La música puede ser más o menos optimista: de la felicidad de “French Navy” y “The Sweetest Thing” a la oscura calma de “Away With Murder”, del pop de hace más de cuatro décadas de “Swans” y “Careless Love” a la tranquilidad de una tarde en Nashville de “Forests And Sands”, de la lánguida “Other Towns And Cities” al (very deep blue eyed ) soul de “Honey In The Sun”. Pero las letras de Tracyanne Campbell, la principal (única) compositora y letrista, no siempre van hacia la felicidad ni ese optimismo. Por el contrario, tienden a ir más hacia el desencanto y mirar el aldo menos alegre de las cosas. “Tiendo a ver lo negativo de las cosas” (Campbell again) –aunque para saber eso solo hay que oír parte de “The Sweetest Thing”: “Me enfoco en lo negativo/ El dolor fue mucho más que un incentivo/ Siempre mi incentivo”. “Pienso que por naturaleza soy una persona bastante melancólica, pero es algo con lo que constantemente he luchado y tratado de combatir. Estoy muy consciente de ello, y hago el esfuerzo por cambiarlo. No quiero ser el tipo de persona que solo se revuelca en la tristeza y la lástima” . No obstante, no se arrepiente de ello, y lo asume como algo natural, algo con lo que necesariamente tiene (tenemos) que lidiar. “Básicamente digo que la vida a veces puede ser absolutamente miserable, y así es como es. Y está todo bien. Está bien con ser infeliz. Es real. Toda esa gente que pretende que es feliz todo el tiempo, no lo entiendo” . Y así, si en “My Maudlin Career” canta “Esta carrera llorona a llegado a su fin/ No quiero estar triste de nuevo” un minuto después, una canción más allá dice “He sido tan miedosa/ Estoy triste de nuevo” (“Forests And Sands”). Unas veces emocionada (“Aún tengo miedo de perderme en una ciudad que debiera explorar/ Pero no tengo miedo de tener un chico elocuente en mi puerta/ Tal vez deberías viajar conmigo, es esta la mejor idea/ Porque nunca has visto un bosque rojo y nunca has esquivado a un venado” en “Swans”), otras resignada (“Sé que tienes buenas intenciones, sé que las tienes/ Pero tarde o temprano vas a partirme en dos/ No compartimos un cumpleaños pero compartimos un signo/ Compartimos algo o estuvo todo en mi mente/ Hubo conversaciones de amor, y cómo las necesite de vuelta/ Podría ser mejor contigo que lo que fui con mi último amor/ Estás en otra ciudad o pueblo/ No significas nada para mí esta noche” en “Other Towns And Cities”), otras tratando de fingir, tratando de esconderse (“Cuando dijiste que las venas en mi mano izquierda tenían la forma de un árbol/ ¿Fue esa la última vez que realmente me miraste?/ Estoy entrenando para ser tan fría como el hielo, estoy determinada a proteger mis sentimientos, para disfrazarlos/ Cuando dije que no te amaba te dije una mentira/ No hay nadie sobre ti aunque trate/ ¿Te reirás en el momento en que pase llamando tu nombre una y otra y otra y otra vez?” en “Honey In The Sun”), otras diciendo aquello que muchas veces no queremos decir (“¿Cuántas veces me dijiste que querías morir?/ ¿Cuántas veces me dijiste que no lo habías intentado?/ Tengo la sensación de que algo está mal/ Puse mis sentimientos en una carta, te los envío cuando me sienta fuerte/ Oh, ha sido difícil ser fuerte, con todo esto que pasa/ Si, ha sido difícil ser fuerte, con todo esto que pasa/ También he estado sola, como tu/ Soy igual que tu/ La gente ha estado viajando mucho para vernos cantar/ Es una noche de febrero y no quiero sentir nada” en “Away With Murder”). Todas esta frases, todos estos reportes –“ni siquiera las llamaría letras. Solo una documentación de lo que me ha estado pasando por un tiempo”– en otros labios podrían sonar falsos, lastimeros, impostados. Pero en este caso no. No en los labios de Campbell. Acá suenan sinceros, cercanos. Duelen cuando tienen que doler, alegran cuando tienen que alegrar. Son las palabras de alguien abriendo su corazón muy cerca de tus oídos, susurrándote su vida. Alguien tan tímido como tú o como yo compartiendo sus secretos, y frente a eso no se puede sino más que sentirse agradecido. No, no se está solo. Ni ella ni nosotros lo estamos.

Una pregunta tonta que tal vez nadie quiera responder: ¿se puede amar a una canción? La respuesta nuevamente es afirmativa. “No hay nada como sentirse emocionado por una canción, sea que te haga sentirte enfermo del estomago o maravillosamente feliz”. Cualquiera con algo de corazón, hasta el más miserable, puede amarlas. En especial las de Camera Obscura, sean las que nos han entregado antes o las de “My Maudlin Career”. Es imposible no rendirse al enorme poder sus canciones. Todas y cada una de ellas. Te toman y no te dejan ir. Por tres minutos estas en ellas, y no puedes contenerlo, no puedes no amarlas. Como canta Tracyanne –sí, ya he llegado a tratarla de tú– en “French Navy”: “I wanted to control it, but love, I couldn’t hold it”.

GENTLEMEN LOSERS
Dustland
City Centre Offices, 2009

Desde algún lugar de un lejano y olvidado pasado surgen las canciones de Gentlemen Losers. De algún lugar hace mucho tiempo no visitado. Ese es el primer pensamiento que se viene a la cabeza luego de oír las canciones de este dúo que vino desde el frío, desde Finlandia más exactamente. Los hermanos Samu y Ville Kuukka son las dos personas refugiadas bajo este nombre. Hace unos años atrás, el 2006, debutaron con un disco homónimo, en Büro, subsello de la berlinesa City Centre Offices. Hoy entregan el segundo, “Dustland”, por el sello madre.

En esta la tierra del polvo, como en el anterior, surgen de inmediato las comparaciones y las relaciones con una música ligada sobre todo a imágenes. Antiguas películas del Hollywood de los cincuenta, viejas cintas gastadas por la humedad. Es inevitable pensar en estas canciones como una banda sonora de algo, en canciones acompañando algo más que el presente. “La palabra cinemático es a menudo usada para describir nuestra música. Supongo que es apropiada, pero es un genero musical que no existe realmente. Sin embargo, debería”. Pues bien, desde esos cuadros en movimiento surgen aquellas preciosas melodías, las que abundan en “Dustland”. Como las que hay en “Honey Bunch”, lo mejor que podrían hacer Explosions In The Sky si resumieran su obra en solo dos minutos y veinticinco segundos. O en “Ballad Of Sparrow Young”, balada para aquellos jóvenes y tiernos habitantes del cielo, donde se mezclan perfectamente guitarra acústica, eléctrica, órgano y una mínima percusión. O “The Echoing Green”, un tema perdido de las grabaciones del extrañado y aún no olvidado “When” (Warp, 2001) de Vincent Gallo. También en la electrónica casera y precaria de “Bonetown Boys”, y en aquellas postales de un bello lugar afuera en el campo de “Midnight In The Garden Trees”, y en las guitarras que se mecen entre las delicadas olas del clavicordio de “Farandole”, y en el trinar de aquella dulce flauta de “Spider Lily”, y en muchas otras más, catorce en total. Todo en “Dustland” remite a otras cosas, pasados, infancias ideales, fotografías familiares, días de lluvia y frío, otoños grises en colores, oscuros inviernos, tristes veranos. Todo tan jodidamente irreal y cierto que conmueve. Sí, este también es un disco helado, para oír al lado de una ventana y mirando al mar, lo necesario para simplemente dejarse llevar y afectar por los recuerdos.

Esta percepción acerca del sonido de Gentlemen Losers, y en especial de “Dustland”, también la comparte Ville, uno de los caballeros perdedores, cuando habla de este segundo trabajo. “Es acerca de memorias de cosas por venir, recuerdos desteñidos del crepúsculo de un lugar en el cual nadie ha estado. Ese lugar se llama Dustland”.

GIUSEPPE IELASI
Aix
12k, 2009

Otro disco mas hecho en otoño, y curiosamente, también por el sello 12k. Este otoño corresponde al del 2008, y el lugar Aix-En-Provence. El músico: Giuseppe Ielasi, un italiano nacido en 1974 que comenzó a fines de los 80 enfocado en la guitarra, principalmente sobre la base de improvisaciones, y colaborando con gente como Renato Rinaldi, Thomas Ankersmit, Michel Doneda, Ingar Zach, Dean Roberts y presentándose con, entre otros, Taku Sugimoto, Nikos Veliotis, Phill Niblock y Oren Ambarchi. Desde el año 1997 inicia su producción discográfica, la que ya lleva casi 20 discos hasta hoy, pasando por sellos como Sonoris, Erstwhile, Sedimental, Absurd, Kning Disk y Häpna.

“Aix”, su último trabajo hasta hoy es ya el segundo para 12k, luego de “August” (2007). “Aix”, a diferencia de pasados trabajos, utiliza mucha clase de sonidos, pero mezclados coherentemente unos con otros, y es eso precisamente lo que lo hace un disco muy interesante y atractivo: la no repetición de patrones y la búsqueda constante. Por citar solo un ejemplo, esta su disco “Untitled” (Häpna, 2006), un precioso trabajo centrado básicamente en la guitarra. En este, en cambio, hay objetos de percusión, baterías, piano, guitarra, y teclados, pero lo que finalmente se oye es una trabajo de electrónica sobre la base de diversos samples creados y ensamblados por el músico italiano –en esto hay parecidos con varios de los trabajos que ha publicado el sello sueco Komplott, y los hay en esa manera particular de usar y mezclar la electrónica con lo acústico–. En este trabajo importan tanto las cosas como la unión de ellas. En lo segundo radica la habilidad de Ielasi, un perfecto artesano en el estudio, pegando los sonidos con cuidado, no demasiados a la vez, sino solo los necesarios, y con solo el tiempo justo, ni más ni menos –las piezas, nueve en total y todas ellas sin título, por lo general no sobrepasan los cuatro minutos, y el disco, apenas media hora–, cual relojero suizo. En lo relativo a los “objetos sonoros”, delicados la mayoría de ellos, se ubican dentro de estos espacios de una manera también sutil. En cierto modo, y al igual que una obra teatral, mas que emitir frecuencias sonoras, actúan y juegan sus roles dentro de estos pequeños microcuadros, y lo hacen en el sentido que cada uno hace su parte, le responde a otro, reaccionan e interactúan entre sí, y eso se puede ver en temas como el track 5 y, sobre todo, el track 8 (percusión, trompetas, pianos, arpas, todos moviéndose de un lado al otro del escenario). Realmente no sé si exista el concepto de sonidos-actores, pero si oyen este “Aix” con cierto cuidado, podrán ver a que me refiero, y creo que es una buena forma de percibir este disco.

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 15 de octubre desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on line.

(Si ya es demasiado tarde, y eres valiente, puedes descargar este programa aquí: esde265
elimínese después de escuchar!)



Este fin de semana:



También:

Domingo 18 de octubre en el "Ritual", Almirante Montt 48 Valpo 19:00 hrs.
Gratis

Fatiga de Material
Oseas Martinez



además:


FIESTAPORTA DANZALBORDE 2009
Esperamos la danza… bailando!

Este sábado 17 te esperamos en el Teatro Mauri en la fiesta de pre- apertura del 8° Festival Danzalborde, que va del 24 al 31 de octubre. La invitación es a disfrutar, bailar y celebrar una nueva versión del festival, que este año trae a 6 compañías internacionales desde Suiza, España, Francia, Perú, Argentina y México. Son más de 40 bailarines que se presentarán con obras de sala e intervenciones urbanas, además de videodanza, talleres y mesas redondas. La FIESTAPORTA DANZALBORDE 2009 también es un llamado a colaborar. Necesitamos tu aporte para mantener este espacio dedicado a la danza, que ya lleva más de 100 funciones gratuitas en la cuidad. Queremos continuar con el festival de danza más grande del país, tú puedes sumarte haciendo un aporte en la cuenta de ahorro del Centro Cultural Escenalborde del Banco Estado, n° 239 628 309 27. Mándanos un mail con la colilla de depósito y tu nombre será publicado en la Lista de Colaboradores 2009 y en la rendición pública de los aportes y gastos asociados del Festival. Música + Proyecciones de Danza / 23:00 horas / Adhesión: $2.000



y tampoco se vayan a perder:

Para conmemorar la primavera y sus bellas consecuencias, el colectivo "I Love Vintage" desarrollará su tercera intervención ferial en Bonita Indie Bar, ubicado en 7 Norte 427 (entre 2 y 3 Poniente), Viña del Mar, este Sábado 17 de Octubre desde las 15.00 hasta las 0.00 hrs.

Los proyectos que integran este colectivo se dedican a la búsqueda de prendas de vestuario, complementos y objetos usados para reutilizarlos, con el fin de prolongar su ciclo de vida útil y al diseño de piezas nuevas, inspiradas en las formas de antaño; su hacer se basa en un interés por la Historia del diseño y lo sustentable. Estos son: Bazar Chirola, Una Chiquilla, Rocket Closet, Cejona y Re_cuerda.

Para exponer sus hallazgos y realizaciones desarrollan Ferias itinerantes en el Gran Valparaíso, que comprenden además la proyección de imágenes o películas y música de la época.

Las imágenes que dicen lo que será esta experiencia, se encuentran aquí:

http://www.flickr.com/i_love_vintage

Do you love vintage?

Piano Magic presenta video adelanto de su nuevo disco.

La banda británica Piano Magic presenta el video del single "On Edge", adelanto de su nueva placa "Ovations", que se publicará hoy 12 de octubre por el sello Make Mine Music.

Glen Jonhson como siempre a la cabeza de esta genial agrupación, que al parecer en esta nueva producción retornan hacia los parajes más siniestros de sus comienzos, con nada menos que Brendan Perry de los desaparecidos y oscuros Dead Can Dance, poniendo su voz en un par de temas y Peter Ulrich ex-percusionista de Dead Can Dance, colaborando en tambores.

Por ahora disfrutemos de este potente adelanto, hasta presentar "Ovations" en pleno y como Dios manda.