* el sueño del esquimal *

ESDE / 50 LPs' para 2011

2011-12-28T22:17:00.060-03:00

50
CAETHUA
“The Summer Is Over Before It's Begun”
Turned Word

49
COKIYU
“Your Thorn”
Flau

48
I BREAK HORSES
“Hearts”
Bella Union

47
SIMON SCOTT
“Bunny”
Miasmah

46
XENO AND OAKLANDER
“Sets & Lights”
Wierd

45
EXPLOSIONS IN THE SKY
“Take Care, Take Care, Take Care”
Temporary Residence

44
NOVELLER
“Glacial Glow”
Saffron/Wierd

43
VERONICA FALLS
“Veronica Falls”
Slumberland/Bella Union

42
CLAMS CASINO
“Instrumentals”
Type

41
CURRENT 93
“HoneySuckle Æons”
Coptic Cat

40
MINKS
“By The Hedge”
Captured Tracks

39
PULSEPROGRAMING
“Charade Is Gold”
Audraglint

38
BYETONE
“Symeta”
raster-noton

37
U.S. GIRLS
“U.S.Girls On KRAAK”
(K-RAA-K)³

36
BVDUB
“Tribes At The Temple Of Silence”
Home Normal

35
ICEAGE
“New Brigade”
Escho

34
PRINCE RAMA
“Trust Now”
Paw Tracks

33
SOFT METALS
“Soft Metals”
Captured Tracks

32
THE DREAMS
“Morbido”
Kill Shaman

31
ESBEN AND THE WITCH
“Violet Cries”
Matador

30
ATELECINE
“The Falcon And The Pod”
Pendu Sound

29
PETE SWANSON
“Man With Potential”
Type

28
LOW
“C’Mon”
Sub Pop

27
PURO INSTINCT
“Headbangers In Ecstasy”
Mexican Summer

26
DIRTY BEACHES
“Badlands”
Zoo Music

25
AMOR DE DÍAS
“Street Of The Love Of Days”
Merge

24
FENNESZ + SAKAMOTO
“Flumina”
Touch

23
SEEFEEL
“Seefeel”
Warp

22
NICOLAS JAAR
“Space Is Only Noise”
Circus Company

21
BABY DEE
“Regifted Light”
Drag City

20
ALVA NOTO
“Univrs”
raster-noton

19
JAMES BLAKE
“James Blake”
Atlas

18
HIGH PLACES
“Original Colours”
Thrill Jockey

17
L’ALTRA
“Telepathic”
Acuarela

16
ZOLA JESUS
“Conatus”
Sacred Bones

15
THE HORRORS
“Skying”
XL

14
PJ HARVEY
“Let England Shake”
Island

13
MATT ELLIOTT
“The Broken Man”
Ici d’ailleurs

12
AUSTRA
“Feel It Break”
Paper Bag/Domino

11
THE FIELD
“Looping State Of Mind”
Kompakt

10
COLD CAVE
“Cheerish The Light Years”
Matador

Un ambicioso recorrido a seguido el proyecto de Wesley Eisold, Cold Cave, salido desde la escena noise subterránea de Filadelfia, ahora como banda afincados hace un tiempo en Nueva York y luego del vistoso "Love Comes Close" (matador, 2009), disco de electro-pop oscuro que se convirtió en la carta de presentación perfecta para unos Cold Cave que buscaban mucho más, una expresividad que asusta y que remata con esta segunda venida "Cherish The Light Years" (ya sin Caralee McElroy), hacía tiempo que no se sentía ese escalofrío que viene cuando te das cuenta que estás frente a una de esas obras que al final de todo quedarán, una exhibición de intensidad y lucimiento que desde "Funeral" (2004) de Arcade Fire no atendíamos.

(07/04/, esde#317)

09
BELONG
“Common Era”
Kranky

Ya habían roto algunos finos vitrales con "October Language" (carpark, 2006) y el Ep "Colorloss Records" (st. ives, 2008), un sonido violento, cósmico hasta cierto punto, que ahora se lleva la corona con este nuevo trabajo, o mejor dicho 'estado', múltiples capas de distorsión atmosférica, teclados oscuros en la onda del "Faith" de The Cure, bajos de ultratumba y percusiones minimales, música revolcándose peligrosamente en la orilla, el ruido que se hace redentor.

(10/04, esde#313)

08
PANDA BEAR
“Tomboy”
Paw Tracks

Aún escuchamos las armonías de sus amados Beach Boys pero hoy llegan desde una plataforma suspendida en alguna galaxia distante, con la voz amena de Noah es difícil no sentir esa brisa pop que tan bien le queda, pero mientras los cantos nos acarician la música se mueve inquieta entre subidas, cruces y remezones, logrando que el sonido electrónico se transforme en un organismo que respira y diseña su propio lenguaje, como en una visión onírica, cálidas vocalizaciones que danzan sobre espacios vastos, una nota que se arrastra hasta transfigurarse, eso es "Tomboy" transformación, un cambio de timón dentro de una creación super sensorial y única.

(19/05, esde#321)

07
MILLIONYOUNG
“Replicants”
Old Flame

"Replicants" es un disco seductor que en forma lenta va creando adicción, soportado en temas tan lustrosos como "Cosmonaut", electrónica sensitiva junto a una voz delicada y fascinante, guitarras que viajan en una nube desde el campo hasta la playa, el mismo Mike Diez ha definido su música como 'psychodelic surf'' y notamos claramente el signo.
MillionYoung va delineando un bello paraje con su primer disco largo, a medio camino entre lo electrónico y lo silvestre, nuevas aventuras junto al verdor, la piel y las envolturas de chocolates.

(24/02, esde#311)

06
BALAM ACAB
“Wander / Wonder”
Tri Angle

Cada canción se vuelve más envolvente, poderosa y bella que su antecesora en un ejercicio lleno de magia e incertidumbre adolescente. Es una exploración de texturas y atmósferas en donde es fácil perdernos por horas sin darnos cuenta de cuantas fueron; escuchen "Motion" y verán lo imposible que es no imaginarse en lugar lleno de luz y colores anormales. Escuchar sonidos de agua corriendo, cánticos de aves o el quebrar de las hojas secas tiradas en el piso de otoño es un placer que solo unos Animal Collective habían perfeccionado y ahora toman una forma más ingenua desde "Expect" hasta "Oh, Why". De cabeza a pies es un disco palpable.

(15/09, esde#331)

05
ONEOHTRIX POINT NEVER
“Replica”
Sofware/Mexican Summer

Un aleación extraña de ambient, drones, noise, pop, jazz, easy listening y más. Un constante juego de luces y efectos de los más simples pero bien dispuestos, a veces sobrecargando las imágenes que no se ven. La publicidad como método de generar necesidades se ve transformada en tracks inquietantes que resultan del todo digeribles, aunque dudo que ocupen alguna lista de éxitos. Piezas cortas que parten con la alucinógena “Andro” y culminan en la extraterrestre “Explain” –fallas de sonido incluido–. Repetición y música clásica (“Power Persuasion”), ritmos rotos y entrecortados, voces mal manipuladas (“Sleep Dealer”), ambient acuoso con final tenebroso (“Remember”), electrónica abstracta y un piano que conmociona con muy poco –“It’s just the most fucking beautiful sound in the world”–.

(15/12, esde#342)

04
BJÖRK
“Biophilia”
One Little Indian

Es extraño luego de tanta expectación y revuelo, pero al entrar en las 10 canciones que forman "Biophilia" no vemos rutas convencionales, ninguno de estos trazos podrían convertirse en un 'hit radial' o algo parecido, más bien se trata de un álbum examinador sobre los estados del hombre y la tierra, es aquí donde funciona como un real tesoro para los oídos y para el ánimo general, refrescando desde el interior con la cercanía de "Moon" o desde lo externo como en "Crystalline" con una ritmica fragmentada que sacudirá cualquier señal de indiferencia, diseños electrónicos que llevan a la conexión con la audiencia, podemos entender y sentir cada zumbido, cada alarido de la islandesa, cada fotografía de la galaxia atrapada por este telescopio que gira en la atracción constante, no sabemos si Björk quizo explicar el ritmo de la existencia y su movimiento contradictorio en este trabajo, pero nos queda claro que ha logrado plasmar ese cordón fractal entre el universo, el planeta y lo que somos todos a fin de cuentas, vida, espamos, creación, intuición.

(01/12, esde#340)

03
JULIANNA BARWICK
“The Magic Place”
Asthmatic Kittty

La joven muchacha de Louisiana trasplantada a Brooklyn, Julianna Barwick, pareciera ser el único registro creíble de que algo cercano al paraíso existe, adentrarse en sus manatiales de voz intervenida es como fisgonear en una pradera celestial alojada en la memoria de los sueños.
Un sitio mágico que se expande en múltiples direcciones, somos sometidos a planos sonoros encantados hasta casi evaporarnos junto a estas exploraciones de piano minimal, pedales hechizeros, guitarras nubosas y bellos cantos de sirena que parecieran elevarse hacia un punto sin retorno en el espiral arcano de la conciencia, existen en este viaje algunos puntos maestros como "Cloak", un gran valle de ecos superpuestos que se vienen sobre el auditor como una tormenta que envuelve e hipnotiza entre el viento helado y la llovizna. Sin regreso como en el nimbo de "Prizewinning" donde al fin se atreve a aparecer una percusión desgarbada y forastera.

(03/03, esde#312)

02
PRURIENT
“Bermuda Drain”
Hydrahead

(24/12, esde#329)

01
GANG GANG DANCE
“Eye Contact”
4AD

La música de Gang Gang Dance siempre ha sido especial, alguna vez descrita como 'post todo', ahora lo que escuchamos cuenta con un sonido más depurado, luego de tanto viaje estelar al fin parecen llegar a tierra firme, se divisa un continente, aunque sea uno inventado por ellos mismos, son grandes y "Eye Contact" su quinto álbum debería golpear fuerte como la corriente que besa los acantilados en este invierno grisáceo.

El cuarteto de Nueva York formado por Liz Bougatsos en voz y teclados, Josh Diamond en guitarras, Brian Degran al bajo y Jesse Lee en percusiones, se atreve a expandir su música no dejando con ello ninguno de los elementos explorativos de su creación estimulante, ese mareo lo sentimos desde el primer corte "Glass Yar" con sus 11 minutos de tránsito paranormal, desde la electrónica contemplativa hasta la psicodelia más exótica, a través del ramaje aparece la voz cristalina de Liz bailando sobre una ciudad luminosa, la mezcla perfecta entre el entendimiento y el riesgo necesario, dejan una huella seductora que se aclara en "Adult Goth", sonidos y urbanidad, sofisticación tecnológica incrustada en un corazón africanista y tribal, detalles melódicos que se introducen por un puente imaginario, la danza de un país de fantasía, el canto de Liz nuevamente es el medio de contacto, etéreo y quiromántico, sumando los bajos vitalistas cortesía de Tim Koth de Ariel Pink, temazo.

Discos como "Eye Contact" hacen que 4AD vuelva a convertirse en ese jardín esplendoroso de antaño, Gang Gang Dance ya había llegado lejos con "Saint Dymphna" (the social registry, 2008), pero el lucimiento del single "MandKilla" es otro retorcimiento, una sección ritmica tropicalista intervenida por la lujuria electro-dance, una maquinaria escalofriante transmitiendo pop multicolor. Luego viene el sumergimiento espontáneo de "Romance Layers" con la voz de Alexis Taylor de Hot Chip, sincopado y espacioso arrebato de sonido negro, seducción nocturna y bebida extranjera. Con "Sacer" retornamos a la cosmogonía de Nueva York, Gang Gang Dance hoy es la fuente, un destello que se adelanta al ruido, la imagen que cruza apariencias distantes para juntarlas todas en un sitial definitivo, el salvajismo más refinado que nos hace cautivos a esta gruta de sanación.

Contacto visual, enamoramiento.

Raúl Cabrera H.
(12/05, esde#320)

El Sueño del Esquimal te invita a revisar los 50 álbumes más destacados de 2011, jueves 29 de Diciembre a las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso, online además desde aquí)))

Agradecimientos especiales a Hawái en el diseño final de estos 50s'.

Descarga una selección))).

~ 21 EPs' Mágicos para 2011 ~

2011-12-21T19:47:00.030-03:00

21 EPs' Mágicos de 2011

MASSIVE ATTACK vs BURIAL
Four Walls/Paradise Circus
Inhale Gold (UK)

El año se va, y nos deja una colaboración muy especial. Massive Attack dejan dos temas para que Burial los remezcle y los transforme en piezas de ambient que se extienden a lo largo de 25 minutos. La particular paleta sonora de Burial está muy presente desde los primeros instantes. Las voces, habitualmente pasadas por filtros, de nuevo están cambiadas, aunque en ‘Paradise Circus’ no hay tanto cambio. Son dos temas muy de dejarse llevar, consiguen transmitir ese aislamiento que va unido a Burial. Si ‘Four Walls’ es sorprendente con todos los cambios que tiene a lo largo de sus doce minutos, la mezcla de ‘Paradise Circus’, el tema más destacado del último disco de Massive Attack, está como ralentizado, como si se viera una escena a cámara lenta para poder apreciar todos los detalles.

HOLY OTHER
With U
Tri Angle (UK)

¿Witch house? Es una aproximación que podría servir por el trasfondo nocturno y algo gótico que transmiten cortes como “Feel Something” o “Yr Love”, pero no hay ni rastro de tremendismo teatral ni sangre de mentirijillas hecha de ketchup. Aquí hay abrazos y calor; en realidad, estos son, muy posiblemente, los 22 minutos más rompecorazones escuchados en muchos meses. Desde Manchaster aparece un nuevo elemento para la danza fantasma.

LAUREL HALO
Hour Logic
Hippos in Tank (US)

Laurel Halo, estrena vía stream su segundo EP "Logic Hour" un viaje profundo y cerebral con layers etéreos y vocales fantasmales invadidos por dance grooves deformados y electrónica hipnótica. Influenciado por el techno de Detroit y Steve Reich, es el sucesor inmediato del exitoso "King Felix".

THE SOFT MOON
Total Decay
Captured Tracks (US)

Luis Vazquez AKA The Soft Moon, de cuyos sintes rotos y ciclos de apocalípticos bajos y obsesiones a guitarra tenemos todavía marcada la impronta de su estruendo, entrega su nuevo EP para Captured Tracks. Con intenciones continuistas y desde su rúbrica postindustrial, protopostpunk y soberbia (p)rotokraut, haciendo la corte al derrumbe, a la decadencia y a la ansiedad como filtro melómano de sus angustias, el primer registro que escuchamos después de su magnífico debut, lejos de aceleraciones y de tempo comedido, es un nuevo ejercicio de precisión estética avanzada en líneas de llagada síntesis y analogía espiral.

BVDUB
Resistence Is Beautiful
Darla (US)

Brock Van Wey AKA Bvdub es el creador de ambientes americano residente en China que este año se ha lucido con varios trabajos destacados, desde una panoramica detallista y abstracta va dotando de goce al silencio, de a poco dejándose ver entre susurros y grabaciones de campo tratadas en el disimulo de la conciencia y la repetición más florida de la inventiva independiente actual, aurora nimbus.

MARIA MINERVA
Sacred And Profane Love
100% Silk (US)

Este año hemos conocido a Maria Minerva y nos ha ido conquistando a muchos con cada EP, single o larga duración que nos ha entregado. "Sacred & Profane Love" clarifica todos los vértices de su música , que nos ha llevado desde el dance lo-fi de "Noble Savage", al oscuro pop de dormitorio de "Tallin at Dawn", pasando por la surrealista perversión de "Cabaret Cixous". Y a cada paso conquistando. En esta ocasión, con un sonido mucho más cristalino se adentra por un suerte de pop electrónico que coge de la variedad estilística que le apetece en cada momento, sonando en "Gloria" completamente cautivadora en lo que podría ser perfectamente su hit pop hasta el momento, con esos aires nocturnos de synth pop por los que soñarian Glass Candy, Desire o Chromatics por tener en su catálogo.

FENNESZ
Seven Stars
Touch (UK)

El manipulador de guitarras y destructor de corazones Christian Fennesz publica su primera referencia en solitario desde los ya lejanos tiempos de “Black Sea” (2008). Es solo un EP, tampoco demasiado largo, pero de fronteras y profundidad mayores que un puñado de discografías enteras. No es anticipo claro de ningún álbum, pero este agosto se publica, al menos, su tercera colaboración con Ryuichi Sakamoto, “Flumina”, que además se compone de dos discos.

JAMES BLAKE
Enough Thunder
Atlas (UK)

Desde la portada se denota cierto grado de 'revolución' e inconformidad, el Ep funciona como una muestra de talento más de un James Blake que ahora podemos considerar más como una realidad que como una promesa. Nos dice que no necesita de máquinas y voces deformadas para elaborar trabajos de una alta manufactura y de un sentimiento memorable. "Enough Thunder" es aquel eslabón que dicta que Blake tiene más trucos escondidos y que hace de la espera de la muestra completa algo más fácil de sobrellevar. Los claroscuros de un nuevo Antony.

SALEM
I'm Still In The Night
IAmSound (US)

El regreso de la bestia de Michigan, trío que distorsiona el hip hop en el tejido insano de la witch house, su música es como un decaimiento físico, texturas borrosas que rompen la clásica estética electrónica para abrir una grieta agónica de vientos huracanados y visiones tenebrosas, otra vez cazando desde la cripta.

SHACKLETON
Fireworks
Honest Jon's (UK)

Desde hace un tiempo el nombre de Shackleton (y la oscuridad que lleva parejada) se ha convertido en foco de atención constante dentro de la electrónica contemporánea y por otro lado, en un símbolo de garantía asegurado en cada nuevo paso que decide dar.
Este nuevo EP, junto a "Deadman", es otra ración de techno para salas forenses, cementerios varios o asaltos en bazares orientales a medianoche. Con la impresión que quizás Seefeel para su nuevo disco podrían haber reclutado a Mordant Music, con lo expléndida que está resultando la nueva hornada inglesa en los campos electrónicos.

FUTURE SHUTTLE
Water's Edge
Holy Mountain (US)

Compuesto principalmente por los syntes espirituales de Camilla Padgitt-Coles y Jessa F., el grupo con sede en Brooklyn ha sabido canalizar las conexiones entre los mantras de meditación auditiva y el primitivismo nu-age desde la primavera de 2009. Como si Cocteau quedaran presos en el bosque de la bruja.

THE FLAMING LIPS with LIGHTNING BOLT
The Flaming Lips with Lightning Bolt
Lovely Sorts of Death (US)

La psicodelia espiritual de la banda de Oklahoma es pervertida por la circuitería exuberante de los Lightning Bolt, cada cual saca su tajada dentro de un espacio musical delirante y silvestre, hasta la voz de Wayne Coyne se muestra explorativa y entregada al abismo del ruido más torcido, excelente iniciativa de The Flaming Lips con estos engendros promiscuos de fin de año, repiten además colaborando con Neon Indian, Prefuse 73 y otros, sanando el tiempo perdido.

LOVESLIESCRUSHING
Ghost Colored Halo
self-released (US)

Lovesliescrushing surgió en 1991. Es el proyecto más limpio y sereno de Scott Cortez (limpio, en el contexto de Scott Cortez, no debe tomarse de manera literal). Vale aclarar que cada sonido y textura surgen exclusivamente de la voz (Melissa Arpin-Duimstra y Ana Breton, en sus distintas etapas), y guitarra, modificados, tratados, reconstruidos o destrozados, de manera análoga o digital. El invierno en su despedida crucial.

JENS LEKMAN
An Argument With Myself
Service (Sweden)

‘A Promise’ es un tema de ánimo a un amigo enfermo, con guiño a las mujeres más bellas del mundo, “las de Chile” (inevitable pensar en su dúo con Javiera Mena, ‘Sufrir‘), y cierra el EP ‘So This Guy At My Office’, un reggae que interrumpe un aburrido relato de oficina para transformarse en una sencilla declaración de amor.

MINT JULEP
Adorn
Unseen (US)

Su música destaca dentro del estilo shoegaze, por la seductora voz de Hollie que evoca situaciones de ensueño debido a una sucesión de estribillos memorables y en alza, a veces acompañado por su marido ( Keith es mas conocido como Helios o Goldmund, proyectos de música experimental en solitario. De hecho fue el afan de Keith de incluir a su mujer en un estilo diferente, en vez de superponer la voz de Hollie, de donde surge Mint Julep ). Keith compone atsmoferas relucientes, paisajes amplios donde ocurren cosas minuciosas solo percibibles poniendo atención por medio del teclados, guitarras que se elevan en stop motion marcado por la percusión.

CHARLOTTE GAINSBOURG
Terrible Angels
Because (France)

La francesa regresa en compañía de Beck como productor y compositor, con un sonido más tecnológico y oscuro que le queda perfecto a esa voz cristalina, dejan en claro que podrían hacer grandes cosas juntos, buen climax.

NAKED ON THE VAGUE
Twelve Dark Noons
Sacred Bones (US)

6 cortes nos dejan claro que van por más punk tenebroso, cargados siempre como una daga maligna rasgando esas vestiduras clásicas del imaginario gótico, una especie de Banshees devastados en el caos de Mars o DNA, estridentes, lunáticos y tan rotundos que no dejan bulto parado, la experimentación para ellos siempre ha estado atada a las sombras, a los bajos espectrales y al golpeteo metálico de los tambores ritualistas, voces que llegan desde la rabia criada en el desamparo, por algo se nos hacen tan especiales, un fetiche recurrente para 'los esquimales'.

THE VACCINES
The Vaccines
Columbia (US)

4 chiquillos de Londres con ganas de hacer buen indie-pop, naturalidad y canciones traviesas que invitan a seguir el sol sin prejuicios, alegría descontrolada que se entrelaza al recuerdo de los primeros REM y los siempre necesarios Pixies, les queda vuelta para rato y han dejado el camino regado de florecillas este 2011, claridad.

ANTONY AND THE JOHNSONS
Swanlights
Secretly Canadian (US)

La canción, una de las más desasosegantes de la carrera de Antony and The Johnsons, ha recibido además un vídeo a la altura, dirigido por su hermana, Sara Hegarty. Ambiente fantasmal, mal rollo por doquier y una buena forma de capturar una canción tétrica que hacia la mitad se vuelve ligeramente optimista para, después, caer de nuevo en lo lúgubre.

ALASKA IN WINTER
Suicide Prevention Hotline
AIWN (US)

Brandon Bethancourt es el artífice de esta banda de música electrónica invernal, refinada y melosa hasta cierto punto, el proyecto fue grabado en un ordenador portátil y se llamó ”Alaska en invierno “, muy premiado este trabajo que ha contado también con Zach Condon el mismo Beirut, todo un ejemplo… si lo que buscas es navegar, flotar.

LIGHT ASYLUM
In Tension
Mexican Summer (US)

Light Asylum es un dúo darkwave predador que después de mucho tiempo ven la salida de su Ep debut, In Tension, totalmente autoproducido. El genio detrás de este proyecto es la vocalista y compositora Shannon Funchess, ampliamente reconocida en la escena musical independiente y underground neoyorkina por su profunda voz andrógina, sin edad y de poderoso rango; ha proporcionado vocales a piezas de TV on The Radio y Telepathe y en conjunto con su compañero Bruno Coviello produce brillantes shows de amenazadora euforia.

Recuerda sintonizarnos esta noche a las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaìso, los mejores EPs' del 2011 ahora tambièn en descarga, escúchanos online por aquí.

El Sueño del Esquimal #342, jueves 15 de Diciembre.

2011-12-13T20:43:00.021-03:00

Último programa corriente de 2011 desde el refugio esquimal, los discos que dejó Noviembre coronan un año abundante entre heridas y ofrendas musicales llenas de luz, mientras ya pensamos hibernar, pronto vendrán las listas, el resumidero y la despedida...

MATT ELLIOTT
The Broken Man
ici d'ailleurs, 2011

El retorno de un grande, el inglés Matt Elliott AKA The Third Eye Foundation, hoy en su expresión más intimista, quinto disco bajo su nombre en solitario, cuando no se necesita nada más que una guitarra acústica y una voz, llegando al mismo pasadizo sensitivo y desgarrador de su artefacto electrónico malvado (que hizo despertar el año pasado con "The Dark").
Hace unos días con sorpresa recibimos la noticia que los adelantados del sello francés Ici D'Ailleurs habían colgado "The Broken Man" en formato mp3 a sólo 2€, la placa física se publicará en Enero de 2012, pero ya que tenemos el registro acá, los invitamos a hundirse en este riesgoso arrecife coralino.

Teniendo claro que en su carrera solista Matt Elliott se ha prodigado en desarrollar música más bien orgánica, sea esta balcánica, rusa, acústica, tabernera y siempre terminal, no deja de llamar firmemente la atención que desde la primera exhalación este "The Broken Man" logre tocar la fibra emotiva del auditor y dejarlo preso en este veneno acuoso, atmósferico y agreste, como si cada sonido fuese sacado desde una tarde en el dolor de alguien, besando la tristeza de un lugar deshabitado o los contornos fríos del alma angustiada. Eso trae "Oh How We Fall" corte de casi 12 minutos que abre este trabajo, entre campanadas de iglesia dominical y la guirarra aflamencada más desalentadora, la voz de Elliott aparece como si se tratáse de un Leonard Cohen inmerso en una visión apocalíptica y rupestre, sin embargo por estas letanías noctámbulas se mueve una belleza oscura que seduce y no permite esquivar el golpe, precisión afectiva que cubre la necesidad del adicto con refinamiento y dones poco usados por los trovadores del ocaso, quizás sólo Bill Callahan llegue bien parado a estas profundidades.
Con ese cuerpo pesado del comienzo atravesamos la cuesta para encontrar el aquelarre de "Please Please Please" sólo 2 minutos de arpegios alucinados y voces deformadas, una práctica funeraria disimulada cuando ya no deseamos mirar hacia atrás en el bosque fantasmal, mejor sentir el refugio infiel de "Dust Flesh And Bones" donde la música de Matt Elliott se alza sobre la humanidad con el desdén del muchacho tímido que prefiere quitar la vista y pasar frente a nosotros casi inadvertido, el artista en estado de gracia ya sea al amparo de las máquinas en The Third Eye Foundation o en este contraluz minimalista para su creación, la doble cara generosa y llena de talento aunque se concentre todo en afectar, que importa esto si nos hace parte de un mundo cadavérico que mora también en tí, en mí y en el otro, despiadado espejo que no siempre deseamos ver pero que aquí se esfuerza en atrapar con lucidez y serenidad (tensión).

Pero Matt Elliott siempre quiere ir más allá y nos deja como legado el piano distanciado en un tema de solemnidad abismante llamado "If Anyone Tells Me "It's Better To Have Loved And Lost Than To Never Have Loved At All" I Will Stab Them In The Face", cuando ya no hay muchas cosas por decir, solo queda oír el latido y los lamentos de esta construcción congelada perdida en algún lugar cercano a la videncia y la sensibilidad feroz, donde cualquier logro es una herida abierta. Magistral.

Raúl Cabrera H.

ONEOHTRIX POINT NEVER
Replica
software/mexican summer, 2011

Como hace no mucho ya avisábamos, la continuación de “Returnal” (Editions Mego, 2010) estaba a la vuelta de la esquina. Y su contestación intenta superar de algún modo la profundidad oscura de ese trabajo, uno de los más destacados de aquel año, el engendro fruto de un hombre encantado con los sonidos perturbados. Su nombre, Daniel Lopatin. Era tal la belleza de sus surcos aislados que tenía, debía tener una versión más benévola, la que llego de la mano de Antony a través del 7” “Antony | Fennesz : Returnal” (Editions Mego, 2010), más la remezcla de Christian Fennesz. Luces sobre las tinieblas del regreso.

No ha pasado más de un año y la respuesta del mismo interlocutor no llega a través del sello que ha formado junto a Joel Ford, Software Label, al amparo de Mexican Summer. Grabado en el número 87 de la calle Gruernsey en Brooklyn, y acompañado de un sampler, cacharrería electrónica y un puñado de DVD’s. La portada es un dibujo de Virgil Finlay que apareció en la revista de 1936 ‘Weird Tales’ y en él se muestra a un vampiro mirándose en el espejo, la carne de la manos versus los huesos del cristal. Algo así deja ver Lopatin, contrastando lo moderno con lo añejo, mostrando además la fascinación por lo desagradable. Una de ellas es la cultura de los comerciales: Lopatin encontró una compañía que se dedicaba a recopilar publicidad de los años ochenta, y él se hizo con varios de ellos, gastó más de 100 dólares en archivos que serían sobre los cuales construiría sus canciones, las que tenemos entre las manos. Ellos serían sus instrumentistas y además sus voces. Los comerciales son su banda y Daniel el artífice, junto con aportar sintetizadores y esta vez también su piano, muy simple por lo demás. ¿Y qué puede salir de todo esto? Un aleación extraña de ambient, drones, noise, pop, jazz, easy listening y más. Un constante juego de luces y efectos de los más simples pero bien dispuestos, a veces sobrecargando las imágenes que no se ven. La publicidad como método de generar necesidades se ve transformada en tracks inquietantes que resultan del todo digeribles, aunque dudo que ocupen alguna lista de éxitos. Piezas cortas que parten con la alucinógena “Andro” y culminan en la extraterrestre “Explain” –fallas de sonido incluido–. Repetición y música clásica (“Power Persuasion”), ritmos rotos y entrecortados, voces mal manipuladas (“Sleep Dealer”), ambient acuoso con final tenebroso (“Remember”), electrónica abstracta y un piano que conmociona con muy poco –“It’s just the most fucking beautiful sound in the world”–. Beats cortados, destrozados (“Up”, “Child Soldier”), texturas profundidas (“Submersible”), y archivos en mal estado (“Nassau”).

Daniel Lopatin ha elaborado un disco extraño, “Replica”, un disco que lo tenía muy difícil, suceder a “Returnal”. No estoy del todo seguro que lo haya superado, pero aún así ha creado un entorno que bien puede hipnotizar y crear el espejismo que lo ha superado. Diez canciones fantasmas cantadas por fantasmas, un hurto a la televisión y pantallazos de luz oscura. “Replica” son diez canciones robadas y contaminadas.

Hawái.

REGINA
Soita Mulle

pyramid, 2011

Regina es una brillante banda de tres componentes de Helsinki (Finlandia), la conforman Lisa Pajula voces, Mikko Pykäri composición, producción, teclados, bajo y guitarra y Mikko Rissanen batería, mucho me temo que el nombre de Regina se lo pusieron en homenaje a la canción de los islandeses The Sugarcubes, banda matriz de la lunática Björk.

“Soita Mulle” al contrario de lo que pensaba un servidor traducido al castellano no significa “solita mujer” si no “llámame” (bendito traductor de google qué incluye el finés, junto al telegu, al tagalo y al urdu, sí, lo sé, a mí también se me quedó cara de tonto). Gracietas aparte, “Soita Mulle” es un muy sugerente trabajo en el que los fineses exploran en un tipo de indie pop basado en sintetizadores, indie pop recubierto de ensoñadoras ambientaciones, dulces e introspectivas a través de unas sonoridades de ensueño. Es como si estos chicos hubieran metido en una cocktelera alguna que otra banda del mítico sello Sarah Records junto a esas otras bandas shoegazers y dream pop guitarreras de principio de los noventa.

Abre la placa “Unessa” una composición increíblemente bella, una pura erupción de dream pop, evocador, melódico y dulce a partes iguales, una composición que es guíada por esos arpegios celestiales y por la dulce y bella voz de Lisa, entra a escena “Haluan Sinut” ('te quiero') donde sacan a relucir esas guitarras noventeras, “Lapään Aalloilla” (demonios para escribir el palabro), donde ese fondo brumoso lo envuelve todo con el mismo sigilo que se apodera del corazón del oyente, con “Jos Et Sä Soita” dejan patente esas influencias shoegazers, “Mustavalkeaa” ('en blanco y negro') otra de esas bellas melodías a las que hacía referencia, con un estribillo parece decir insistentemente “ella me gusta”, “Ui Mun Luo” la más diferente al resto de todas, una pieza downtempo que nos recuerda el trip-hop viajero de The Thievery Corporation, cerrando “Valveilla” ('despierto') en búsqueda de una despedida y cierre de oro.

El disco dura 33 minutos y 33 segundos, donde todo lo innecesario se elimina para crear un álbum exacto, el disco no cansa ni notas esa desagradable sensación cuando un trabajo se te queda corto. La clave de su éxito está en la suma de pequeños momentos que nos brindan esas bellas perlas de pop perezoso y etéreo, composiciones cristalinas que pasan rozando la perfección y que te hacen brotar esa típica sonrisa tontorrona.

por Vicente P.
desde esdemasiadoparamicabeza

PRINCE RAMA
Trust Now
paw tracks, 2011

La más reciente adquisición de Paw Tracks es Prince Rama, un modesto dúo femenino que se ha dedicado a la manufactura de un sonido peculiar. Sus discos anteriores parecían lienzos libres con mucho espacio para la improvisación; siempre sonaron extrañamente satisfactorios, pero nunca tanto hasta "Trust Now" dentro de la casa formada por Animal Collective.

Y es que con el cobijo de Paw Tracks no es fácil tratar de definir lo que se encuentra ahí dentro. Sus ofertas van desde la complejidad de Eric Copeland hasta las extracciones terrenales de Kria Brekkan, es un lugar en donde las sorpresas abundan y pocas veces resultan decepcionantes (te hablo a ti Rings). Prince Rama no rompe con el estereotipo y maquina especímenes que sólo pueden ser salidos de lo más profundo de bollywood.
Como si estuvieramos en 'Darjeeling Limited' de Wes Anderson, "Trust Now" es el corazón hindú palpitante. Las chicas utilizan demasiados tambores, bases electrónicas y una voz que pocas veces canta, más cercano a algún idioma inventado como lo hiciera Jónsi en () de Sigur Ros. En primera instancia es inevitable pensar en Lizzi Bougatsos con el resto de la banda, pero Prince Rama pisan el suelo que a Gang Gang Dance le parecería incómodo recorrer. Aquí se tambalea en la línea delgada entre el pop y el purismo de cualquier ritual en oriente.

El escucha puede sentir la fogata y ver a la tribú alrededor de ella, escuchar los cánticos hacia algún dios terrenal en "Trust" o bailar la danza después del sacrificio en "Summer Of Love". Más que canciones se mueven como himnos desconocidos en algún punto perdido del planeta. Como "Rest In Peace" que, en palabras del dúo, está dedicada a la muerte de su abuela y se siente al puro estilo de una oración para el descanso eterno. Prince Rama no es normal y en ningún momento se desea que fuera así.

Allá afuera existe montones de artistas y una pila enorme de música que se deriva de otra e incluso llegan a parecer refritos. Lo que hace Prince Rama es inusual y único, es extraño y adictivo. "Trust Now" debería ser el disco que las catapulte a la gloria social y sin embargo no lo hará porque poca gente reconoce el valor de trabajos como este, lo cual no es una lástima sino un cumplido; un pequeño talisman que permanecerá como un secreto a voces, listo para sorprendernos con cada nuevo vistazo.

por Joan
desde tacondeoro.blogspot.com

KORALLREVEN
An Album By Korallreven
acéphale, 2011

El balearic debe su origen a esas evocaciones paradisíacas y hedonistas que contagiaban la primera música de baile en los años ochenta. Desde entonces y hasta ahora, la etiqueta ha evolucionado significativamente y, si bien pudo tener su origen en Inglaterra, es en Suecia donde se ha desarrollado más en las últimas décadas. Responsables de ello son los sellos Service, Sincerely Yours, Luxxury, Rico Rico o Information y proyectos musicales como The Embassy, The Tough Alliance, Air France, Boat Club, Studio o los más recientes JJ. Junto a estos últimos, el dúo formado por Daniel Tjäder (teclista de The Radio Dept.) y Marcus Joons, Korallreven, es uno de los que más expectación ha despertado. La culpa es de ese primer single que publicaron hace dos años, ‘Loved-Up’, que vendría seguido de un par más y un maxi para el mismo sello donde lanzan ahora su debut, el canadiense Acéphale (Porcelain Raft, Salem, Pure X).

Su título "An Album By Korallreven" es un canto al escapismo. Tjäder y Joons moldean el género hacia terrenos híbridos donde sus claves (sonidos atmosféricos, acordes simples de guitarras tornasoladas y detalles orgánicos pasados por filtros) se alternan con el pop electrónico, el shoegaze vaporoso o el dub. Es el resultado del viaje que llevó a Joons al Pacífico de Samoa, donde nutrió su inspiración en sus espléndidas playas o escuchando los coros de iglesia locales. Y la expresividad de Tjäder y su habilidad con los teclados y las cajas de ritmo. La combinación es un recorrido por fragmentos ambientales ("A Surf On Endorphins") que se desperezan con ritmos que se acercan al techno ("Comin’ Down" o "As Young As Yesterday", con la colaboración vocal de Victoria Bergsman, de The Concretes y Taken By Trees). Pero también hay partes más pop y con un toque tribal ("Sa Sa Samoa", donde colabora Julianna Barwick, o en "The Truest Faith"). Una constante sugestión de calma, felicidad, bienestar y recuerdos estivales a partir de sonidos sintéticos.

por David Cano
desde numerocero.es

FENNESZ + SAKAMOTO
Flumina
touch/commons, 2011

Inesperado lanzamiento con el que no contábamos a estas alturas de la temporada –de momento, tan solo disponible en Japón a la espera de que el sello Touch lo edite en el resto del globo–, “Flumina”, un doble CD formado por material íntegramente nuevo, recupera una de las colaboraciones artísticas más prometedoras y excitantes del panorama musical experimental del momento. Digo prometedora porque si bien Ryuichi Sakamoto y Christian Fennesz ya han compartido estudio en dos ocasiones previas, el álbum “Cendre” y el EP “Sala Santa Cecilia”, además de alguna coincidencia en directo, la sensación que han dejado ambas referencias es que de su unión todavía no ha surgido la grabación definitiva o, cuando menos, la que haga justicia al potencial de ambos. De la misma manera que de la dupla formada por el pianista japonés y Alva Noto sí tenemos la percepción de que la fórmula ha tocado techo y ha exprimido al máximo sus posibilidades, al dueto Sakamoto-Fennesz le queda recorrido y margen de mejora.

En ese sentido, “Flumina” ya sugiere muchas más cosas, interesantes la mayoría, que “Cendre”, por ejemplo. Su discurso conjunto todavía acusa la falta de confianza e interacción entre ambos, y eso se traduce en una fórmula muy respetuosa en la que parece que ninguno de los dos quiere asumir más protagonismo del debido para no pisar la aportación del otro. Y también sospecho que al lado de Alva Noto, por aquello de que la confianza da asco, Sakamoto se siente más liberado o habilitado para improvisar a su aire, mientras aquí su campo de batalla puede parecer más acotado y comedido. Pero incluso así el proyecto ha ganado calidez, intensidad y profundidad, como si poco a poco se fuera rompiendo esa timidez y se encontrara el cruce de caminos idóneo entre sendos discursos.

Fennesz está más presente que Noto, por ejemplo, y adopta un rol muy activo en todo el recorrido. Sus nebulosas de ruido disipado ejercen de telón de fondo, pero también de leitmotiv argumental, de las canciones, marcando su tono y tempo, envolviéndolas con delicadeza, es mucho más participativo. Y es en medio de sus chorros gaseosos donde aparece, con la sutileza y el candor nipón habitual, el piano de Sakamoto. Un Sakamoto quizás menos aventurero y explorador que el de “Vrioon” o “Summvs” pero más melancólico y sensible, como si sacrificara el espíritu de improvisación de estos proyectos para conseguir un efecto más emocional. Directa o indirectamente, haya ejercido de influencia o no, haya o no coincidencia temporal entre los hechos y la grabación del disco, la tragedia del 11 de marzo sobrevuela constantemente en unas partituras afligidas que revelan una atmósfera turbia, tensa, de absorbente tristeza. Y ahí es por donde “Flumina” acaba conquistando y seduciendo al oyente. A pesar de su excesiva duración y, quizás como consecuencia de esto primero, del aspecto lineal y monótono del contenido, que requiere escuchas dosificadas y a conciencia, su fuerza emotiva es tan poderosa y evocadora que acaba convirtiendo el álbum en el título más sólido y conseguido de cuantos han orquestado juntos hasta la fecha. Mar Calmo.

por David Broc
desde playgroundmag.net

PETE SWANSON
Man With Potential
type, 2011

Que si Pete Swanson necesitaba dejar los Yellow Swans? Por supuesto! Y es que su obra se ha incrementado de manera exponencial casi de manera infinita desde que inició su carrera como solista, era algo en verdad necesario ver al “cisne” volar por si mismo este inquieto escultor de sonido nos trae su segunda obra en el año, si, Swanson se da el lujo de crear dos obras este año, DOS (contado su "I Dont Rock At All"), y que manera de complementar su obra, ya que mientras su disco anterior era más estático, con Swanson expandiendo la paleta sónica de esas grabaciones de guitarra manipuladas hasta crear enormes pesadillas de sonido, "Man With Potential" rompe por completo con ese modus operandi y nos trae nuevas reglas para este juego.

"Misery Beat" es todo menos un ritmo miserable, es Swanson metiéndonos en un ritmo minimal, compacto y después Swanson aplicando su magia (que aprendió escuchando discos dub hasta el cansancio…) y haciendo del ritmo algo masivo, denso y sudoroso, el trabajo de todo un artesano del sonido que ahora encuentra algo verdaderamente valioso en una nueva vertiente de sonido, si bien Swanson no abandona y difícilmente lo hará en el futuro, el drone o el noise, esta vez se concentra más en el sonido básico del techno o en la cacofonía de los ritmos tribales del África negra.
"Remote View" es más vaporosa, menos agresiva, más etérea, y para mi gusto tal vez, lo que David Lynch debió hacer en "Good Day", o como debería sonar un rollo techno en sus películas, un ritmo bailable más surrealista, se pudiera decir, o que tal "A&Ox0", otra pieza de pura abstracción techno con Swanson creando líneas corrosivas de melodía que parecieran estar atravesando la densa maraña de sonido reverberante que se carga Pete.
"Far Out" es menos abstracta, es puro sonido cacofónico y en plan hipnótico, si bien esas repeticiones incansables nos remiten a un rollo bastante afro que la música techno, el house y el acid house siempre han tenido, Swanson lo acentúa con ritmos tribales y toms en plan monstruoso que nos llevan de las alucinantes pistas de baile al mismo África ritualista, en un viaje que es puro alucine y adrenalina pura.

"Man With Potential" (si está hablando Swanson en el título del disco de si mismo, yo le apoyo!) hace que me venga a la mente el "Merriweather Post Pavilion", pero mientras que los Animal Collective se acercaron tímidamente a las cacofonías electrónicas de influencia africana en ese disco, Swanson las aborda de lleno, se baña en ellas, y las lleva al extremo como pocas veces las hemos visto, si bien la música africana poco a poco se ha ido reivindicando y tomando el lugar que merece, discos como este o el de Cut Hands (Afro Noise) de William Bennett nos traen esa adrenalina y ese hipnotismo de la música africana en pleno matrimonio pagano con la electrónica extrema, que manera de evolucionar y fusionar géneros!

"Face The Music" es precisamente eso, ponerse de cara con la música y ver como esta poco a poco se va elevando cual inmensa ola, poniéndonos en una situación difícil y después desbordándose, con Swanson siempre al mando y sin soltar la rienda del sonido, algo en verdad sorprendente a estos niveles de distorsión, dejándonos una muy extraña escuela de como deben convivir el orden y el caos, Swanson sabe como construir sus piezas en un orden completo, en ningún momento nada es dejado a la deriva, pero cuando Pete lo considera correcto pareciera saber como dejar aflorar el caos total, ruido, distorsión, corrosión y sorprendentemente ritmo, y lo mejor de todo saben que es, la mano firme y experimentada con que el 'cisne perdido' dirige este caos y que lo hace capaz de volver a retomar el control en todo momento.

por Ghost
desde youareaghost.blogspot.com

SPOTLIGHT KID
Disaster Tourist
tri-tone, 2011

Dentro del revival shoegaze, los buenos discos nos están llegando en cuentagotas. Quizás haya llegado la hora de “saquear” otro estilo de música. Quizás se estén acabando las ideas. Como en todos los ámbitos, son todo modas y ésta quizás esté expirando… o no.
Pedazo de disco que se han marcado estos chicos de Nottingham. Este sexteto que saca su segundo disco tras "Departure" de 2006 y un Ep. el pasado año, acaban de sacarse un discazo de la capucha. En el reino de My Bloody Valentine estos serían muy bien recibidos. La etérea voz de Katty Heath se deja llevar por las capas de ruido y la psicodelia que impregna todo el disco. Un discazo en toda regla.

desde
kaleyjack.wordpress.com

Sintoniza El Sueño del Esquimal, jueves 15 de Diciembre a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso, online además por aquí...

Agradecimientos especiales para la plataforma bloggera a la cual siempre acudimos, a la Radio Placeres por el apoyo de siempre, y a los auditores por su paciencia y buena onda.

El Sueño del Esquimal #341, jueves 8 de Diciembre

2011-12-06T23:31:00.014-03:00

Now playing... Chicas de EEUU en KRAAK!

ATLAS SOUND
Parallax
4ad, 2011

La evolución del sonido de los proyectos de Bradford Cox, tanto con Deerhunter como en Atlas Sound su proyecto en solitario, ha sido bastante similar en el sentido de que la instrumentación se ha ido ablandando paulatinamente, caminando hacía una suavidad impensable cuando Deerhunter presentó "Turn It Up Faggot" (2005). Ese camino se completa en este "Parallax", sin duda el más dulce y amable trabajo de todos los publicados por Cox, donde al igual que comentábamos de "Halcyon Digest" (2010), se deja llevar por influencias de todas las épocas del pop y el rock, para conseguir de nuevo un gran álbum, aquí de tonalidad relajada guiado por su hipnotizante voz, con un conjunto de temas que, como ocurre en todos sus trabajos, crecen ilimitadamente con cada escucha y que crean un sonido cada vez más personal.
Dentro de esa sonoridad suave de la que hablamos y que recorre todo el disco, podemos distinguir entre un conjunto de temas algo más lentos y otra parte que, sin grandes estruendos, acelera el ritmo. Los primeros son medios tiempos donde Cox se pasea por influencias que van desde el pop más clásico hasta esa electrónica ligera que tan bien utiliza. Al igual que en el último trabajo de Deerhunter nombrábamos a Animal Collective (en sus canciones más lentas) aquí repetimos, y añadimos que la comparación se puede extender hasta algunos cortes del nuevo disco en solitario de Panda Bear en temas como "Amplifiers" y sobre todo la gran "Te Amo", con sus ritmos cálidos con delicada base electrónica. También "Modern Aquatic Nightsongs" encaja perfectamente en la comparación anterior aunque aquí con un punto más experimental, como el que tienen "Parallax", "Doldrums" o "Flagstaff", que se diferencian por su tono mucho más frío. El adelanto "Terra Incognita" es de este grupo de canciones pausadas la más diferente y una de las más destacadas, delicada desde una instrumentación preciosista con bonitas guitarras y un claro inicio folk que torna en un luminoso final pop. Repartidas sobre todo en la segunda parte del álbum se encuentran los cinco temas más rápidos del álbum, recorriendo el indie de todas las épocas en las magníficas "The Shakes", "Mona Lisa" o "Lightworks", acercándose a un pop más clásico en "Angel Is Broken" o incluso con el aire de blues-rock moderno de "Praying Men" todas ellas se muestran acertadísimas desde la primera escucha, ejerciendo de contrapunto perfecto a los temas más lentos, consiguiendo dar luminosidad por momentos a un trabajo en principio destinado a la tristeza, con letras que hablan sobre la soledad y dedicado a la fallecida hace un año, Trish Keenan, vocalista de Broadcast. El conjunto de canciones se muestra sólido y quizás los únicos peros son, que en la primera mitad suenan seguidos cuatro temas de los más reposados, provocando cierta monotonía en el ritmo de esa parte y que incluso en el devenir total del álbum, algún tema más contundente y explosivo podría haber dado una mayor variedad y acabar de redondear un disco sobresaliente.
Nos preguntábamos en la crítica de "Halcyon Digest" si Bradford Cox se podía convertir en el nuevo rey del indie y si la extraña enfermedad que padece le dejaría, lo cierto es que como comentábamos allí, sigue igual de prolífico y lo que es mejor, sigue dejando sin parar grandes discos a sus espaldas (siete si contamos "Microcastle/Weird Era Cont" (2008). como uno, más Ep´s y excelentes rarezas que nos regala de vez en cuando). Porque quizás este "Parallax" no alcance el nivel de los dos últimos de Deerhunter, pero se queda cerca y nos vuelve a mostrar a un compositor detallista, imaginativo y original, con gran bagaje musical e infinitos referentes, lo que hace que en sus críticas ya no nombremos artistas concretos sino estilos, y que ha sido capaz de construirse un estilo propio sumando todas esas virtudes. Quizás él mismo ya nos ha contestado.

desde
disconcierto.blogspot.com

FRANK ALPINE
Frank Alpine
wierd, 2011

Frank Alpine es el nombre de guerra del músico de Los Angeles, Rich T. Moreno. Debuta en disco largo aunque sus primeras grabaciones, todas en cassette, las reunió en una recopilación llamada "Keyboard Cassette" en el año 2000. También lanzó un single 7” en 2009 para Dais Records. Utilizando sólo sintetizadores analógicos Casio y su inquietante voz, Alpine/Moreno nos introduce en una espiral oscura, claustrofóbica. Los teclados minimalistas nos llenan de sonidos cold wave y post punk. ¿Sonaría así el primer disco de New Order si Ian Curtis siguiera vivo?

kaleyjack.wordpress.com

No sé si tanto, creo que si Ian Curtis hubiese participado en el primer disco de New Order estaríamos hablando de una música desfigurada, nubosa y lúgubre, en el paso de "Closer" (1980) y lo que mostraba el single "Ceremony/In A Lonely Place" (1981) se puede decir que el sonido de los 4 tipos de Manchester iba haciéndose cada vez más escalofriante, terrible y a la vez primitivo, como la música de un mal sueño que recuerdas o algo parecido, pero son sólo especulaciones, Curtis está bien muerto y ya no queda vuelta atrás.
Volvamos mejor a lo de Frank Alpine, el muchacho solitario que gusta de los teclados con ese registro 80s' robótico y de baile mala leche, los alaridos de "No Exit" en la partida nos remiten a Kraftwerk y Esplendor Geométrico, los primeros pasos de una ola fría bien mantenida por engendros escapistas como Martial Canterel o Stacatto Du Mal, dentro de esta escena sintética actual veo a Frank Alpine como un Gary Numan delirante y personalista, poniendo toda la carne en trazos intensamente arrebatadores como "Hearts Is Grey" y "Painted Eyes", no deja de ser pop, pero interceden ruidos y chirridos de aparatos que dan contundencia y frialdad a los ambientes marciales, mucho Factory pero más Benelux que Madchester, por momentos ralentiza el tempo para mostrar la cara más funeraria de las máquinas en "Paper Thin Walls", el contrapunto viene cuando se intromete en rudimentos más dignos de Suicide como "Night Sky" con espasmos vocales a lo Alan Vega que sabe bien aplicar, llevándose todo a un plano independiente de rareza más que atractiva, el teclado Casio de "Night Sky" suena igual a un tema de los chilenos Mostro, presente imperfecto de un futuro que nunca fue, siguiendo esa raiz suicida llega la intensidad de "Dark Places", electro-punk urbano y de atmósferas muertas como en "Through Your Window" sin voces donde solo una huella tecnológica antigua esculpe la palidez del campo santo, muerto puede bailar y es real, como Robin Crutchfield para sus Dark Day poniéndole una loza congelada a la No Wave neoyorkina, así sigue el orden y descontrol gris de Frank Alpine, luces tenues, cenizas y harto ritmo coqueteando con las sombras, existencias en un borde.

Raúl Cabrera H.

MARISSA NADLER
Marissa Nadler
box of cedar, 2011

Hay días en que siento que algo está realmente a mi lado en mis brazos. Y dentro de la habitación un viento frío se funde. Hay dos que estamos aquí, que yo sepa. Marissa Nadler, una de las voces más privilegiadas que la música, siempre generosa con nosotros los mortales, nos ha regalado, una de la más únicas de entre las más recientes generaciones, no solo en el apartado de sonidos tradicionales, quien forma junto a Josephine Foster y Meg Baird la santísima trinidad del folk. Al contrario de sus reversos masculinos, no ha gozado la notoriedad que si se merece, pero eso no es algo que realmente importe. Marissa, alguien quien tener entre los brazos.

Entre las “Ballads Of Living And Dying” (Eclipse, 2004) y este disco homónimo se han sucedido una serie de discos, varios, todos rozando un estado de gloria terrenal, que sin embargo casi se queda sin continuación. A falta de interés de un sello que lo publicara, la buena de Marissa hizo lo que buenamente pudo para poder hacerlo realidad por ella misma. Una campaña en Kickstarter para reunir fondos, la edición de “Various Covers Over The Years” (2010) con las mismas finalidades, todo para que hoy podamos disfrutar de esto. “Tengo un nuevo disco en el que trabajo y cada CD que compras ayuda a que eso sea posible. Muchas gracias por su apoyo. xo marissa”. Como en sus otras obras, como en “Songs III: Bird On The Water” (Kemado, 2007), el disco producido por Greg Weeks, las atmósferas no son las que solemos oír en un disco cualquiera, ni las de uno de hoy ni las del genero en el que se desenvuelve, sino que parecen sacadas de un lugar perdido entre el sueño, el campo y la vigilia, canciones que son árboles cubiertos de ceda que suenan como lobos en la inmensidad de la noche. “Oh, ¿de dónde vas?/ Cuando la nieve cayó ese año/ Te encontrabas dentro de estas paredes de madera/ Como un oso/ Niño ansioso por el final en su guarida/ Para el final del año/ Y el miedo viejo y conocido/ Se arrastra a tus pequeños brazos/ Y corre por tus venas/ Como la sangre a través de tus canciones”. Desde el primer verso hasta el final, esto es pura realidad envuelta de manera que no hiere, y que se deja caer hacia una color negro, un color triste. “Definitivamente soy una persona que es propensa la melancolía. Más que eso, sin embargo, sólo creo que tengo una tendencia hacia la empatía con el lado menos glamoroso de las cosas”. No obstante, como dije, nada de esto nos hace sentir mal por dentro sino todo lo contrario. Producido por Brian McTear y ayudada por unos cuantos músicos (Carter Tanton, Helena Espvall, Jim Callal, Orion Rigel Dommisse, Ben McConnell) Nadler arma un cuadro de folk sin pasado ni futuro, tan siquiera presente. “Marissa Nadler” es un disco no solo sin tiempo, sino fuera de él, en el que el revival del folk ya no interesa, solo interesa que estas once canciones están dentro de uno. Es un disco que se apega al género, pero eso no importa, solo vale por el simple hecho de poseer lo que posee, esa magia oscura que no invoca a ningún muerto, cuando más recuerdos apenas lejanos. Es también un disco personal, singular, en primera persona universal. Es sencillo, de sonidos puros, naturales, nada artificiosos, bien decorado, nada recargado. Tan pronto suena “In Your Lair, Bear” ya estamos embrujados, entre sus referencias climáticas y la sangre entre las canciones, entre la acústica tenue, aún cuando le dice alguien algo como esto: “So I took you home and I crashed you/ A hurricane in your veins”. La vigilia sigue por senderos más delicados, tales como “Alabaster Queen”. Luego de eso es cuando aparece el primer single, y aviso de que estas canciones podrían sonar en cualquier radio –soñar no cuesta nada–, como tantas canciones de amor, como esta que pide olvidar (“Es un hermoso día/ Y fuimos a dar un paseo/ Pero vi el viejo camino de tierra/ Donde solíamos hablar/ ¿Dónde está la lluvia?/ Porque algunos amantes de la primavera/ Me están trayendo de nuevo/ Los años han venido/ Y sus manos han pasado/ Pero tu tierra es algo/ Perdido en una canción/ ¿Por qué el sol siempre me recuerdan a ti/ Sí, lo hace/ Espero que un nuevo día vendrá/ Y ocultar lo que he hecho”). Una pieza de ritmo flojo, “Mr. John Lee Revisited”, da paso al otro single, nueva confirmación de que esto sería un lugar mejor de oír programada de sorpresa cosas como esta: “Baby I Hill Leave You In The Morning”, con las guitarras lánguidas como una mañana perezosa, con el precioso giro de una estrofa a otra, por decir California en ella, por la manera en que la región de las naranjas se menciona –“California drank till I could sleep right”–, por decir que se equivocó, por decir song dentro de ella dos veces, primero en esta parte, “Promise I will hold you in my palm/ Every night I dream you sleeping next to me/ Sing a song and keep you like a balm”, luego en esta otra, “I am getting higher by the moment/ Days too long and nights too cold in song”. Todas esos momentos la hacen merecedora de un lugar en el corazón de la canción. Pero aún hay más: referencias a sitios donde desearía estar (“Siempre fui una maleta en la oscuridad/ En mi mente una carretera al oeste de la chispa/ Sólo un paso a desnivel/ Sobre las colinas de hierba de polvo/ Podemos beber whisky o sentarnos en el coche/ Y escuchar el silencio de las estrellas/ Sólo un paso a desnivel/ Surgido desde las colinas de los cristales rotos”), esperas en aeropuertos, distancias y anillos de bodas (“Wedding”), “el tiempo que drenó el color de tu piel” (“In A Magazine”), frases que llevan abrazar, con las que partió esto, esas de “Daisy, Where Did You Go?”.

“Ya no me estoy escondiendo. El misterio aún existe en la música como una herramienta estética”. Ciertamente, the mistery still exists, y ese misterio en su voz tiene un poder embriagador, el que Marissa hábilmente despliega para que tu, para que yo nos sintamos atrapados sin querer partir, el que llama a dejarse caer a la deriva entre sus brumas de folk entre sus vestimentas rasgadas por sentimientos sinceros, directos, con un ojo en la melancolía y otro en la ilusión de sentirse fascinantemente atrapado en el corazón de la canción.

Hawái.

M83
Hurry Up, We're Dreaming
mute/naïve, 2011

Anthony Gonzalez ya anunció que su nuevo trabajo iba a ser “muy, muy épico” y casi un año después comprobamos, escuchando "Hurry Up, We’re Dreaming", que razón no le faltaba. Muchos pensamos que "Midnight City" tenía muy poco de épico y mucho de hit incontestable -quizás era lo que necesitaba el grupo para volver a primera línea y crear curiosidad por su nuevo trabajo- pero una vez escuchado el doble álbum que Gonzalez describe como “un reflejo de 30 años como ser humano”, se hace difícil escribir algo sobre él sin recurrir a ese adjetivo.

Épico, cinemático, y bastante ochentero. Si en su anterior entrega bordeaba peligrosamente lo obvio y llegaba a recordar a los peores momentos de Moby y Mike Oldfield, en "Hurry Up, We’re Dreaming" los resultados son mucho más satisfactorios. Se podría afirmar, sin ningún genero de dudas, que Anthony ha conseguido no sólo el mejor disco de su carrera sino uno de los mejores del año.
Precedidas por esa oda a Toto que es "Midnight City" y que debería haber sonado en todas las radios y haberse convertido en un éxito a todos los niveles, estas veintiuna canciones conforman un LP que, lejos de aburrir por su duración, te llevan de un lado a otro sin que apenas te des cuenta. "Reunion", una canción muy Simple Minds que no desentonaría nada en una película de John Hughes; la colaboración de Zola Jesus; "Where The Boats Go", que será usada en una película de Michael Mann sí o sí; "The Bright Flash", que podía haber ido en "Before The Dawn Heals Us" (2005); y "Wait" son algunas de las perlas que podemos encontrar en la primera parte del disco.

En la segunda, del hit "Ok Pal" Gonzalez nos lleva hasta la otra punta con "Another Wave From You", en un cambio que quizás sea el que más recuerde al mejor Moby, para pararnos en seco después con "Splendor", cinco minutos de balada que empieza con un piano y termina con un sinte, unos coros y unas palmas capaces de distraerte de cualquier problema que puedas tener en ese momento. "Echoes of Mine", mi canción favorita del disco, es un tema perfecto para ponértelo a tope en el iPod e invadir Polonia.

A pesar de que las frases que usa el autor para describir el disco puedan inducir a error por su pedantería, hay que reconocer que la apuesta de Gonzalez, arriesgada en estos tiempos que corren, ha sido todo un éxito.

por Nicolás del Moral
desde jenesaispop.com

U.S. GIRLS
U.S. Girls on KRAAK
(K-RAA-K), 2011

Meghan Remy AKA U.S. Girls vuelve a persuadir con sus melodías infantiles sobre espacios de lo-fi desarmante, no escatima ningún esfuerzo en estos intuitivos ejercicios sonoros, mezcla de primitivismo, fantasía y manipulación del ruido, alunizaje deslumbrante y a la vez abismo terminal en el que muy pocos podrían sollozar, U.S. Girls hace música para despertar, safándose de esa cómoda rutina para entrar en una comunidad libertaria que nace desde el mismo centro creativo, el impulso principal de este gran laberinto de formas y retazos de sueños perdídos, visiones pretéritas guardadas en la caja de resonancias personal, algo que aventuramos en definir como desafio o simplemente buen gusto para armar y aniquilar.

Luego de 2 discos largos para Siltbreeze, Remy arriba en el sello belga K-RAA-K (donde también han publicado Rothko, Main, Ignatz, The Azusa Plane y Dolphins Into The Future) buscando un sonido más claro y universal, y hasta cierto punto puede que lo haya conseguido, tras la cacofonía inicial "Test Test", aparece el disturbio aparatista de "Friendles+Pamela+GG" donde su voz gritona explota en una orgía de ecos sombríos y subterráneos, recuerda un poco el "Confusion Is Sex" de Sonic Youth con el chillido de Kim Gordon en primer plano, las grabaciones incidentales siguen siendo pieza importante en el tejido de esta viuda negra, y un extraño gusto por sonoridades R&B o americana country de ultratumba en "Peotone", pero lejos lo más llamativo de "U.S. Girls On KRAAK" es cuando la muchacha logra desarrollar canciones más o menos normales como "Island Song" y "The Boy Is Mine", bellísimas por lo demás que la ubican muy cerca de Zola Jesus, Chelsea Wolfe y aTelecine, 12 canciones en 26 minutos totales con muchas texturas, capas de saturación exquisitas y experimentación sin amarras de estilo ni nada, quizás hasta donde llegue la imaginación hiperactiva de Meghan Remy y su proyecto, por lo pronto hemos sabido que ha fichado para FatCat lo que le deparará seguramente un horizonte más extenso y lleno de claridad, habrá que esperar.
Recomendado.

Raúl Cabrera H.

TAYLOR DEUPREE + MARCUS FISCHER
In A Place Of Such Graceful Shapes
12k, 2011

La historia es más o menos así. Taylor Deupree, uno de los mejores exponentes de la canción ambiental microscópica descubre a Marcus Fischer, un músico de Portland que se había dedicado desde no hace muchoa los sonidos más delicados y las postales en polaroid, responsable de dust breeding y quien como map~map y unrecognizable now, acá junto a Matthew Jones, y con su nombre a secas, iba desperdigando temas en su sitio. Maravillado con los resultados a los que había llegado, los mismos que el anhela, le edita “Monocoastal” (12k, 2010), un precioso trabajo de electrónica pastoral, a medio camino entre lo acústico y lo digital, el camino mismo por el que ha transitado en más de una década 12k en su búsqueda incansable de atrapar esa canción imperfecta que parece que no lo es, el tránsito del folk al ambient y de ahí al pop.

Habiéndose conocido solo a principios del 2010 deciden embarcarse en un trabajo colaborativo, teniendo por un lado a Deupree, uno que ya lleva unos varios años en esto de la elaboración de melodías pequeñas y por el otro a Fischer, un alumno aventajado del norteamericano. En febrero de 2011 Marcus emprende viaje desde Portland hasta Pound Ridge, para grabar estas aproximaciones al invierno. Desde casi un comienzo decidieron que no era suficiente enviarse archivos por la red, sino que era necesario verse de frente. Y para ello fue que se reunieron en el estudio de Deupree, al norte del estado de Nueva York. Tan solo cuatro días fueron los compartidos, y en ellos, acompañados de sus herramientas y unos cuantos bosquejos trazados fueron la base sobre la que derramar estos sonidos nacidos de este enfrentamiento amistoso. “In A Place Of Such Graceful Shapes” es el título de este objeto de variadas formas: incluye una caja con un CD en su interior, un 7” y un libreto con fotos tomadas por ellos mismos en los bosques del condado de Westchester, un placer para las manos y oídos. Partiendo por el formato pequeño, las dos caras de este single representan una especie de resumen de la obra completa, pero son en sí obras separadas y perfectamente distinguibles. De hecho, fueron ambas hechas con grabaciones que no quedaron finalmente en la pieza central, un lado por cada uno en sus respectivos hogares. “Blanketing” cristalina como la lluvia, blanca como la nieve, se adentra en paisajes borrosos y nebulosos, con tonos grisáceos. “Cloudline” insiste sobre aquello, pero de manera más subliminal, esbozando más que diciendo, ocultando y dejando la superficie vacía. Es este uno de los singles del año, muestra más de lo bien que también se maneja Deupree en las distancias cortas –pruebas de ello son “Weather & Worn” (12k, 2009), “Shoals (Edition)” (12k, 2010) y “Snow (Dusk, Dawn)” (12k, 2010)–. Desde ya hemos sido testigos de una perfecta simbiosis, acoplando los mundos de “Monocoastal” con los de “Shoals” (12k, 2010) uno en que las grandes composiciones, unas de líneas prolongadas y rasgos largos se ven incrustadas por diminutos fragmentos que ensucian a la vez que embellecen, y que al llenarla de errores no hacen más que inducir a descubrir en una escucha atenta cada uno de esos detalles. En el caso del CD esto se acrecienta aún más: cincuenta minutos de puro calor invernal. Lienzos interminables, notas sonando en el aire frío y una nube brumosa de ruidos maravillosos. Texturas rugosas, capas de destellos fragmentados, guitarras en desfase con la realidad, postales desde el brillo del día sin sol. Un sistema ambiental que se sustenta en lo microscópico, energía y materia en un hábitat común donde florece la canción que no se detiene.

La delgada línea de hielo que cubre un lago en temporadas heladas es el escenario en el que germina unas piezas que son un ecosistema privado. Sus lados atraviesan la frontera del ambient y se cruzan con las de la música quebradiza. A veces simula ser un extrañamente disco de field recordings, pero no lo es. Oculta, descubre, cubre y muestra. Sonidos de exterior que son el eco de la nostalgia interior. Las tres canciones, entre las dos breves, y su versión expandida muestran el espectro oculto de las mañanas y las tardes de un panorama bucólico y de temperaturas bajas, de estaciones para estar hacia dentro y mirar hacia fuera, donde se sienten los paisajes emocionales en medio de las melodías que Marcus y Taylor recuestan sobre la escarcha que reposa en la hierba junto a la orilla del lago. El clima cubierto, las líneas de nubes, en un lugar de tan armoniosas formas.

Hawái.

Escucha esta noche de jueves 8 de Diciembre, El Sueño del Esquimal + Hawái en una de las últimas entregas del año en curso, recuerda sintonizar desde las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 FM para Valparaíso y los alrededores, para el resto del orbe online desde aquí...

M83- Midnight City from Frank X. Bernal on Vimeo.

El Sueño del Esquimal #340, jueves 1 de Diciembre.

2011-11-28T11:12:00.023-03:00

Universal, sencillamente Björk...

BJÖRK
Biophilia
one little indian, 2011

Björk Guðmundsdóttir, esa tímida muchacha islandesa otrora vocalista de los insignes The Sugarcubes en los 80s', se ha convertido en una verdadera estrella dentro del universo rockero mundial, de esto no hay duda alguna, su octava placa (contando el soundtrack "Selmasongs" de 2000) "Biophilia" debe ser el disco más esperado del año que ya finaliza, y por lejos.
Desde el momento en que aparecieron las primeras noticias de este álbum y además plataforma multimedia de aplicaciones varias, las antenas de miles de seguidores se encendieron alrededor del planeta, y no era para menos, Björk es mucho más que una simple luminaria pop, su voz y su música siempre están sujetas a la intervención experimentalista, a esa personalidad inquieta que busca constantemente romper o ensanchar los contornos de lo que comúnmente escuchamos, asunto que quedó en entredicho hace 4 años con el poco inspirado "Volta" (2007), pero la de Reykjavik nuevamente sacude su manto mágico para entregarnos un disco conceptual sobre la vida, la fenómenos naturales y el movimiento vital de la tierra, obviamente con todos nosotros adentro, "Biophilia" es un trabajo bellísimo, alto y de una intensidad intimista que se expande e indaga entre sonidos, atmósferas y sensaciones para llevarnos hasta un paisaje nuevo, puede que sea el entusiamo de los primeros encuentros pero me parece incluso más ambicioso que los tratados vocales de "Medúlla" (2004), casi tocando el crital congelado de esa leyenda sonora llamada "Vespertine" (2001). Valía la pena la espera y también la esperanza.

"Un órgano tubular chapado a la antigua que se hace controlar digitalmente, un arpa en forma de péndulo gigante, una bobina de Tesla conectada a un sintetizador y algún que otro artilugio semi-analógico más, construido por encargo, que aprovecha las fuerzas de la naturaleza para crear música. Una serie de aplicaciones multimedia que la combina con efectos visuales y una interfaz interactiva.", como bien dice Joaquín Saavedra desde Cucharasónica sobre algunos de los elementos y aparatos que Björk utiliza en este estupendo trabajo, además de los colaboradores participantes que van desde El Guincho hasta Zeena Parkins, pasando por Leila Arab, Damian Taylor, Mark Bell, Matthew Herbert y por supuesto que no podía fallar un magnífico 'coro islandés' con esas múltiples voces que le otorgan la esencia primaria a esta producción soportada en la tecnología visceral y el susurro humano, ahora sí en alianza perfecta, muestra de este entendimiento es la preciosa "Cosmogony" con esa voz de Björk tan especial que nos eleva en su esfera celeste, dan ganas de llorar, dan ganas de quedarse en este refugio por mucho tiempo.
Es extraño luego de tanta expectación y revuelo, pero al entrar en las 10 canciones que forman "Biophilia" no vemos rutas convencionales, ninguno de estos trazos podrían convertirse en un 'hit radial' o algo parecido, más bien se trata de un álbum examinador sobre los estados del hombre y la tierra, es aquí donde funciona como un real tesoro para los oídos y para el ánimo general, refrescando desde el interior con la cercanía de "Moon" o desde lo externo como en "Crystalline" con una ritmica fragmentada que sacudirá cualquier señal de indiferencia, diseños electrónicos que llevan a la conexión con la audiencia, podemos entender y sentir cada zumbido, cada alarido de la islandesa, cada fotografía de la galaxia atrapada por este telescopio que gira en la atracción constante, no sabemos si Björk quizo explicar el ritmo de la existencia y su movimiento contradictorio en este trabajo, pero nos queda claro que ha logrado plasmar ese cordón fractal entre el universo, el planeta y lo que somos todos a fin de cuentas, vida, espamos, creación, intuición, en temas como "Virus", "Sacrifice" y sobre todo "Mutual Core" se mueve ese registro atemporal, tecnológico, magistral. Huellas que finalizan con la fragilidad de "Solstice", el péndulo y la oscilación, una voz que prevalece en la orilla, Björk otra vez sujeta el reloj para que podamos contemplar el paisaje, biología y unión. Genialidad.

A esperar su presentación en Chile para Lollapalooza 2012 (31 de marzo y 1 de abril) de seguro será un jardín, anótense sin pensarlo demasiado.

Nebula.

Raúl Cabrera H.

MEG BAIRD
Seasons On Earth
drag city, 2011

Parece que fuera una eternidad, parece que fue ayer. “Dear Companion” (Drag City, 2007) a veces está muy lejos, son cuatro años largos, pero su recuerdo está tan presente que las distancias se hacen relativamente cortas. Fue ese un disco que parecía una aventura pasajera al margen de los intensos y oscuros Espers, un trayecto en solitario que recogía versiones ajenas y del cancionero tradicional, apenas tan solo dos composiciones. Ahora revierte eso y la tenemos con un álbum que es muy suyo, en su casi totalidad obra de la buena de Meg. Su primer disco nos dejo a muchos encantados con esa sencillez y esa naturalidad nada impostada, un muestrario de canciones frágiles, cálidas, mucho más volátil de lo que la banda madre es, folk de ensueño y magia blanca. Y la esperanza de una continuidad al fin deja de serlo para convertirse en alegre realidad.
“Las palabras que salen primero son los mejores para ofrecer”. Un total de diez canciones son las que encierra “Seasons On Earth”, otra vez con el folk natural como guía por donde fluir las palabras, textos que en la boca de Meg saben muy dulce, cualquier cosa que ella te diga. Grabado por Brian McTear, también involucrado en el muy reciente “Marissa Nadler” (Box Of Cedar, 2011), estas temporadas en la tierra recogen sonidos muy terrenales y arraigadas: folk, como dije, pero también country con nada de percusión, solo guitarras, acústicas y pedal steel. Un disco de género que no es una repetición sino una continuación de una tradición muy firme en la América Primitiva. “Sé que hay artistas que suenan como si vinieran de otro planeta, pero no creo ser capaz de encajar en esa tradición”. Sabiendo cuales son sus límites, y de adonde viene, Meg pretende reavivar la llama de la canción hecha a partir de unos esquemas fijados hace mucho tiempo, sin por ello dejar de sonar moderna, gracias a una sonoridad que busca generar diferencias que no son fáciles de percibir, y que ayudan a generar cierta intriga. “Con este disco hice un trato de preocuparme de ser borrosa y más suave. Si te tomas el tiempo de hacer ese ablandamiento, mi esperanza es que el material pesado pueda parecer aún con más peso. Tal vez sólo sientes el impacto dos segundos más tarde, pero más difícil. Y entonces puedes comenzar a pensar hacia adelante y hacia atrás a través de la narrativa. Una especie de versión emocional del delay”. “Babyon, vuelve a casa conmigo / No caigas en torno al dolor que bien conoces”, esas son las frases con las que comienza “Seasons On Earth”, las de “Babyon”, dulce melodía agreste por la que se da inicio a este puñado de temas curtidos entre cuerdas de nylon e historias rurales al borde de la ciudad. Más tierna si se puede es “Stars Climb Up The Vine”: un tejido de guitarras, una de ellas incluso algo disonante en la frontera de la luz de un amor de viñedos tan borrosa como pretendía (“Podríamos ir de la mano/ Y encontrar el oscuro techo/ sala/ Y encontrar la oscuridad/ Y también la luz/ Observar las estrellas a medida que sube la vid/ Ellos suben la vid/ Yo sé que soy raro/ Pero podríamos ir de la mano/ Lejos de esta tierra que suena/ Observar las estrellas a medida que sube la vid/ Suben la vid”). “Share” es otra maravilla con esa voz que se multiplica, con esos ecos mecidos por el viento, con “tu blues futuro, ah tus floraciones del futuro”, certeza e incertidumbres de lugares profanados (“Tu luz, no pudimos hacer las cosas bien/ Acabamos de escuchar el mundo/ Si todos los tontos con hambre crecieron sabios en las Tierras Ásperas/ Entonces, ¿dónde habría que ir?/ Para encontrar una forma totalmente nueva de nuevo/ Para navegar por encima de los grises y su influencia inmutable de todos sus hermanos sucios/ ¿Y tus lágrimas te hacen santo?”). “Even Rain”, “golpeada por la lluvia y el sol”, da paso a una versión de Mark-Almond, y de ahí a una de The House Of Love. De vuelta a la autoría, “The Land Turned Over”, la más solitaria de todas, musical como líricamente, aunque se muestre amable al final (“Hacia la gran división que dormía dentro/ La casa de tus padres, ‘fantasmas azules a su alrededor’/ ¿Pero estabas solo?/ Así que aprendiste ese secreto también/ Lo has aprendido mucho antes que yo/ La tierra volvió y dio sus joyas para que/ Robaras esta noche de mi sueño/ Y voy a estar en este arroyo que fluye/ Durante diez gotas más de la quietud te diría nada”). “Stream” es lo más próximo a Espers, las más libre de todas y la más áspera, como en esa renovación que hace unos años solo paso por la superficie pero que siempre ha estado, anticipo de la bella en forma y fondo “Song For Next Summer”, canción que cualquiera quisiera que anticipara su verano.

“Seasons On Earth”, las segundas nuevas piezas de Meg Baird. Su cantar dulce y la fuerza curativa de voz. Sus quejidos borrosos y su sonido tenue. Sus memorias de amores mansos que son una entrega infinita a la conquista de lo cercano y lo humano. “Los días se pierden, pero el sonido se queda atascado aquí. Las notas que dejamos, eran lo suficientemente brillante. Las palabras que salen primero son los mejores para ofrecer”.

Hawái.

ALVA NOTO
Univrs

raster-noton, 2011

Carsten Nicolai, sigue progresando en su discografía con un nuevo album conceptual que sirve de continuación a "Unitxt". Aquí viene la explicación:

"Whereas the focus of unitxt was on the processing of rhythmic patterns ('unit' = unit of measurement, element) and information ('txt' = data, language), with univrs the focus is on the conceptual differentiation of a universal language ('universum/universal' = unity, entirety").

Una vez aclarado el asunto que tenemos entre manos, si que se puede apreciar este disco como un conjunto mucho más homogéneo y donde la música está mejor representada por un espíritu compositivo más cercano a lo tradicional, que no al incesante y azaroso procesamiento de "Unitxt". Nicolai en este disco, se acerca al ritmo y al techno de una manera más relajada y cercana al trabajo de su compañero espiritual Byetone, jugando menos con experimentación abstracta y trasladándolo a un estado mucho más sensorial que conceptual. Hay pequeños experimentos donde da rienda suelta a su vena más cercana al ruido, pero el techno asfixiado de "Uni Dia", la psicodelia paisajista en "Uni Rec", el trance por el que se pasa en "Uni Iso" o el ácido envuelto en lava de "Uni Syc", dejan clara muestra de una mayor conciliación con lo tradicional en los últimos tiempos dentro del catálogo Raster-Noton. Discos que acercan su universo a un espectro de público más amplio y que tal vez no satisface del mismo modo a los seguidores de la experimentación petrificada de la primera etapa. Pero en el fondo, estamos pasando por alto que disco tras disco y proyecto tras proyecto, Raster-Noton y Carsten Nicolai forman parte de la cultura popular underground y son estos discos los que precisamente ayudan a captar nuevos adeptos a la causa y abrir la mano en determinados momentos es necesario. Hay que saber cuando cambiar el ritmo, y ahora vamos a ritmo. Placer siempre.

desde
Coreagrafo del Cerro.

XENO & OAKLANDER
Set & Lights
wierd, 2011

Estar expuestos al magnético pulso de Xeno And Oaklander es entrar en un universo complejo donde la incertidumbre existencial y el romance abundan, frenéticos corren a través de electrónica atemporal y electricidad que con vigor estalla en una cromática programación de beats que se saborean tanto minimal en su producción, como barrocos en su efecto.

El dúo de Brooklyn realiza música desde el 2004, Sean McBride (Xeno) y la soprano franco-noruega Liz Wendelbo (Oaklander) fundan su experiencia synth pop como un organismo de belleza insuperable que deja de lado el concepto estándar de como se percibe la música electrónica (gélida, estructurada, calculadora) para abrazar de inmediato la ruptura, la asímetría y dualidades como lo expansivo y la restricción en un mismo track. Finamente construyen lo que para los sentidos serían elegantes siluetas efímeras que armónicamente pueden convivir en un croon desolado o en texturas en layers interminables.

Xeno And Oaklander están a unas semanas de ver el nacimiento del sucesor de "Sentinelle" (salió el 11 de Octubre); el nuevo LP publicado en Wierd Records lleva por nombre "Sets & Lights", que descrito por los músicos, encuentra su fuente de poder en su instrumentación electrónica, en la exuberancia de sus sintetizadores, su contínua evocación a lugares sombríos y a su latido robótico que bien va de la mano con una orquestación bailable que a momentos fantasea con el industrial pop.

Hace poco nos entregaron el primer corte, "The Staircase" que fué acompañado por un video dirigido por Taryn Waldman (Boxmotion) en el que se mostraba al dúo en una claustrofóbica reimaginación del filme de 1965 de Roman Polanski, Repulsión, mismo en el que una Catherine Deneuve deliraba en su papel de Carol Ledoux frente a fantasmas del pasado, fijaciónes, obsesiones y un terrible instinto asesino. "The Staircase" se aproxima a esta estética noir y la explora desde su sonido análogo enriquecido por el amplio movimiento minimal underground en Brooklyn.

Ahora nos presentan "Sets & Lights", la pista que abre el full-length homónimo y que se instala como un burner cold wave de alta manufactura que trae a la mente indudablemente la escuela de finales de los setenta, las óperas rock vertidas en los grandes discos siniestros de culto y un mundo descrito así como un sitio donde la vida y el performances han perdido su línea divisoria y todo es indestinguible.

por Miguel Angel Correa
desde felinno.blogspot.com

BVDUB & IAN HAGWOOD
The Truth Hurts
nomadic kids republic, 2011

Alguien decía que la vida es un gas. También decían que es dulce traspasarla. Viendo este trabajo, parece que lo primero fuera cierto, pus nos topamos con sonidos que son nebulosas, zonas de luz en la oscuridad con ruidos que son puro helio. Sobre lo segundo, parece que no tanto, eso al menos de parte de uno de los involucrados. A Bvdub o conocimos este año gracias a “Tribes At The Temple Of Silence” (Home Normal, 2011), un disco gélido y melancólico, disco que guarda mucha relación con este. Nomadic Kids Republic es una pequeña plataforma al amparo de Home Normal, precisamente quien editó ese álbum, cuya sede se encuentra en Japón, y esta es la referencia número 1, la elegida para estrenar su catálogo. Y el director de ambos sellos es Ian Hagwood, la otra mitad de este enorme trabajo, tanto en resultados como en distancias.

Los títulos que Brock Van Wey escoge normalmente miran el lado triste de la vida (El arte de morir solo, Canciones para un amigo que dejé atrás), casi resignado, y está no es la excepción, lo que no quita que lo que diga no sea la mayor de las veces cierto. De un tono apesadumbrado, “The Truth Hurts”, sin embargo, desprende un halo lumínico, a pesar de que Brock parece que no lo pase muy bien. Grabado entre el Reino Unido y Japón, lugares entre los que reside Ian Hagwood, y China, el gigante país donde vive Bvdub, y contiene grabaciones desde 1999 hasta hoy, un largo trayecto de sonidos que dan vida a un inmenso soundscaping: un vasto paisaje sonoro para escapar y encontrar la soledad de la vida, refugiarse y renunciar. Mike (Smallfish) los presentó, pensando que eran almas gemelas, y luego de esa presentación surge una amistad que da frutos ahora. Field recordings, live recordings, drones, un bocado de ruidos helados en cuatro porciones de prolongada duración. Entre cantos de sirenas perturbadas, “Nothing You Want Will Ever Come True” detiene el tiempo, baja la temperatura y da inicio a una fase climática polar a la vez que soleada. Nada de lo que quieres se hará realidad, pero por lo menos se puede uno conformar con que el futuro puede ser un poco más agradable. Es poco, pero basta. Las voces femeninas que suenan como si hubiesen sido grabadas a metros de distancia hacen que el mar sonoro sea de todo confortable, lo que es aún más claro, diría que de una luz casi prístina en “Beauty Is In The Eye Of The Pretender”, el track dos y en el que las capas extraídas de una cámara submarina se ahogan al salir a la superficie, por entre ecos de esa preciosas voces ininteligibles, por entre esas arpegios de guitarra acústica que tibiamente aparecen. “Lie In Lone” arranca como una pieza de folk la mar se sencillo, ahora con voces masculinas, que paso a paso, en sus veinticuatro minutos da paso a una masa de ambient incorpóreo, áspero, rugosa como el polvo que se encuentra en la nebulosa, alcanzando niveles ensordecedores, insondablemente hermosos. “Your Grand Finale (A Theater Of One)”, de una duración similar a la anterior retoma esa hondura y es en esa inmensidad en la que se perciben rastros de pop de ensueño, coros celestiales filtrados por la mano del hombre, cantos entrecortados, brumas aclimatadas al frío.

La verdad duele, pero el dolor puede ser algo muy adictivo. “The Truth Hurts” lo es. Normalmente a los discos demasiado largos no le solemos dar demasiadas escuchas, caso muy contrario a este. Sus más de setenta minutos no parecen nada ¿Y qué es una hora en nuestras vidas? Pues nada. Perdemos mucho tiempo sin que nos lleve a nada, y si podemos hacerlo de esta manera, y varias veces, podemos llegar a un lugar muy cercano. Podemos dejarnos abatir en él, en su enorme nebulosa brillante.

Hawái.

DEATH IN VEGAS
Trans-Love Energies
portobello, 2011

En una época en la que los sonidos germanófilos no estaban a la orden del día, Richard Fearless y Tim Holmes lanzaron "Satan’s Circus" (2004), un álbum en el que homenajeaban los ritmos metronómicos y las melodías kraut, justo cuando Kraftwerk volvían a la actividad. Y todo esto sucedió hace ya siete años, un considerable periodo de tiempo en el que ha habido que esperar para que el dúo diera señales de vida. Curiosamente, aquellos sonidos están actualmente más en el punto de mira, pero cualquiera que conozca bien la trayectoria de Death In Vegas, sabrá de sobra que siempre hay algo nuevo que esperar con cada LP. No encontraremos entonces en ‘Trans-Love Energies’, el nuevo largo del proyecto de Fearless (ya sin Holmes), intención alguna de oportunismo. Tras tantos años de carrera, lo que se lleve o no se lleve seguramente les traiga sin cuidado, y estas diez nuevas canciones son una clara muestra de ello.

En anteriores entregas se rodearon de grandes voces como las de Hope Sandoval, Paul Weller o Liam Gallagher, pero para acometer esta nueva tarea, ha bastado la de Fearless y la colaboración de la canadiense Katie Stelmanis, del grupo Austra y también colaboradora de Owen Pallett. El resultado es un viaje en el que mezclan elementos de su anterior grabación y de "Scorpio Rising" (2002), además de alguna novedad. El recorrido de ‘Trans-Love Energies’ comienza con "Silver Time Machine", una intro calmada, ambiental, con una voz casi musitada, que hacia su fin se crece y se funde con "Black Hole", una de las mejores pistas del disco, un monolito rítmico de guitarras shoegaze que fluye y fluye hasta elevarte. Otro gran tema llega a continuación: "Your Loft My Acid", siete minutazos y medio de tecno pop espacial, donde la voz de Stelmanis lleva la canción directamente a la pista de baile, con un señor estribillo que seguramente rondará por la cabeza de muchos de ahora en adelante.

El viaje toma un ligero giro hacia una electrónica más oscura y contenida en "Medication" y "Coum". Con "Witch Dance", en la que vuelve la voz de Katie, permanece la oscuridad, recordando bastante la composición a lo que puede hacer Karin Dreijer con Fever Ray, algo que también sucede en ‘Scissors’, el siguiente corte, cargado de misterio y sensualidad. La última parte del disco, formada por "Drone Reich", "Lightning Bolt" y "Savage Love", podría ser catalogada de trilogía, pues pasa del ambient al shoegaze pasito a pasito, con destellos de fuerza que dan paso a la calma para acabar de nuevo enérgicamente. Sin descubrir demasiado territorio desconocido, Death In Vegas ofrece algo que por un lado está a la altura de anteriores producciones, y por otro insufla vida a un proyecto cuya presencia se echaba de menos. Ahora a por la gira.

por quietmansmiling
desde jenesaispop.com

Sintoniza El Sueño del Esquimal, jueves 1 de Diciembre a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso, online además por aquí...

El Sueño del Esquimal #339, jueves 24 de Noviembre

2011-11-14T19:57:00.021-03:00

Vientos que sacuden los sueños polares, el verdor resplandece en la visión matutina, transportando al viajero de la nave ruidista hacia nuevos puertos, tiene que haber otros mundos, otras islas...

HIGH PLACES
Original Colours
thrill jockey, 2011

Hace varias semanas que vengo dando vueltas a "Original Colours", la nueva placa de High Places, entro en ella, salgo, me olvido o desaparezco, lo único claro es que cada vez que la tomo me lleva hasta un espacio distinto, como una vedadera rueda caleidoscópica o caja de pandora arcana y encantadora que no logro descifrar de manera práctica, pero que reconozco ha absorbido mi atención en un vuelo sugestivo del que no me apetece salir, al menos por ahora.

Los High Places son de esas bandas difíciles de olvidar, una pareja hiperactiva y amante de la vida en el más amplio sentido de la frase, no por eso diremos que Rob Barber y Mary Pearson no se cuestionan el asunto, yo creo que al contrario, en ese ir y venir desde Nueva York a Los Angeles han tomado una gran cantidad de influencias, ya no puramente musicales, en su sonido actual se cuelan imagenes, destellos, naturaleza y urbanidad. Todo soportado en esta esfera clarividente y maquinal, puede que "Original Colours" sea su disco más rítmico, pero a la vez es el más intuitivo, abstracto, rico en texturas y melodías celestes. La voz de Mary es sencillamente mágica, como en "The Pull" donde domina un ambiente nuboso muy bien creado por Rob Barber y su aparataje minimalista, sensibilidad refinada que envuelve hasta hacernos flotar en "Morning Ritual", zumbidos y ritmos quebradizos de "Banksia", puede que lleven algo del vuelo estelar de Laika, Pram o los Stereolab de 1997 paseando por Düsseldorf para "Dots & Loops", pero en su totalidad High Places va mucho más allá de cualquier referencia, cuentan con un carácter especial que descanza en la fragilidad, en esos espacios dulcemente viciosos, susurros que transportan hacia un paraje ancestral, translúcido y original como pocos.

Hasta cierto punto podemos considerar a "Original Colours" como una bitácora de sonidos y fotografías imaginarias, tomadas durante la gira mundial que hicieron tras la publicación de "High Places vs Mankind" (thrill jockey, 2010), que incluso los trajo a Chile en una presentación que según cuentan los asistentes fue una real experiencia para los sentidos, sin esperar mucho se han lanzado nuevamente al viaje, aunque creemos que ellos siempre están suspendidos en un vuelo que abarca toda su discografía, como lo confirma la etérea "Twenty-Seven" una gema que activa ese culto casi perdido de los primeros His Name Is Alive de 4AD, para el final nos dejan una canción que simplifica de manera magistral lo que es este álbum, "Altos Lugares" y claro que los hemos sentido, será un jardín.
Agradezcamos!

Raúl Cabrera H.

PRURIENT
Bermuda Drain
hydra head, 2011

Guantazo sin miedo al sector más intransigente y cerrado de la escena noise, “Bermuda Drain” es un apabullante ejemplo de atrevimiento y personalidad en el contexto de un microclima lastrado históricamente por su inmovilismo y su malentendida radicalidad. Dominick Fernow apenas necesita demostrar a estas alturas del partido su capacidad para intimidar al público con arrebatos de ruido furioso y feedback maléfico, quedó claro en algunos de sus artefactos pretéritos, como aquella lobotomía sonora llamada “Black Vase” (load, 2005). No le debe explicaciones a nadie, y es por ello que su nuevo álbum rápidamente, a los dos minutos de andadura, ya se presenta como un fascinante cambio de tercio y registro dentro de su propia trayectoria, una excelsa vía de redefinición estilística y expresiva que, a su vez, no traiciona ni contradice el espíritu fundacional del proyecto Prurient, ese cabreo contra el mundo que siempre ha caracterizado sus grabaciones.

Cansado quizás de organizar orgías sangrientas de noise ultraviolento en sus lanzamientos y repetir hasta la saciedad el mismo patrón creativo, o quién sabe si extra influido y extra motivado por su actividad junto a Cold Cave a lo largo de estos últimos años, Fernow ha decidido apostarlo todo a su faceta más electrónica para perfilar su esperado regreso. Eso se traduce en un impactante e imponente ejercicio de reformulación musical en que los chorros de feedback cortante y estridente y los berreos histéricos, santo y seña de su propuesta, dejan paso a contundentes beats, melodías oscuras y tristes, estructuras de canción más ortodoxas, detalles de producción limpia y madura, mayor dosificación de la herramienta vocal e incluso paisajes ambient inauditos hasta la fecha en la discografía de su proyecto madre. “Bermuda Drain” es algo parecido a una versión fúnebre, anticlimática, deprimente, rabiosa y devastada de los mejores Cold Cave, una pesadilla urbana sin estribillos ni crescendos, melódica pero dolorosa, mezcla impensada e inimaginable de EBM, ambient, pop, noise y poso industrial.

Le lloverán menosprecios y varapalos de sus fans más ortodoxos, algunos le acusarán de haberse vendido y probablemente muchos compañeros de escena se miren este disco como una maniobra para abrir su música a un nuevo público fuera de los márgenes de la esfera noise, pero mientras todos ellos pierden tiempo y esfuerzos meditando alrededor de aspectos tangenciales, lo importante es que “Bermuda Drain” cobra vida –y no deja de crecer escucha tras escucha– como uno de los discos más rotundos y valientes de la temporada, extraordinario paso adelante en la trayectoria creativa de Fernow y ambicioso punto y aparte en la vida de Prurient.

por David Broc
desde playgroundmag

WHITE LIES
Ritual
fiction, 2011

Resulta difícil determinar, dada la juventud de los White Lies, la procedencia de los ecos que reciclan y prolongan, saber si es una actualización de la primera generación del post-punk y la Nueva Ola o de alguna de sus posteriores réplicas. El trío británico ha emulado a Joy Division al posar para la cámara en un túnel del Metro, pero su raíz podría estar, por no ir tan lejos y evitar trasbordos, en los Editors, que les pilla ahí al lado. Mientras los Wire programan en su nuevo y flamante disco una asombrosa y veraz recreación de una era que protagonizaron y definieron, los White Lies trazan la enésima ruta a un pasado ya virtual, fantaseado y contrahecho por quienes contraponen simples y discutibles recuerdos, quizá de segunda o tercera mano, a documentos tan solventes y contrastados como los que todavía maneja la banda de Colin Newman.

El uso y abuso de los materiales que manejan los White Lies deriva, a la larga -como sucede con su "Ritual"- en un proceso de fotocopiado que de forma paulatina deteriora y desdibuja las señales originales, leídas a distancia y a partir de facsímiles muy desvirtuados. La revisión de la época de los Wire a partir de elementos degenerados e impuros, sintonizados con interferencias que los malogran y a la vez enriquecen, permite a los White Lies estrenar en 2011 canciones que ya existían en la memoria del público. Lo de los Wire, en cambio, y de forma paradójica, resulta cada vez más sorprendente. Cosas de la edad.

por Jesús Lillo
desde abc.es

NEPTUNE
Silent Partner
northern spy, 2011

Es muy fácil admirar a los forajidos, solo piensen en esos carismáticos delincuentes y rebeldes que tanto los hacen sonreir. En la música del siglo XX, los marginados musicales eran tan vitoreados como Billy The Kid o Bonnie y Clyde, mientras producían a su placer sonidos que pocos entendieron en su época pero que hicieron que tu rockero favorito se aproximara lo suyo de manera que probablemente no pensó podía ser posible. Piensen en Harry Partch y sus instrumentos reparados del basurero, Captain Beefheart y su negación a caminar en tiempos cuadrados, Smegma y su celebración lubricada de todos los errores técnicos de las grandes bandas del rock. Todos merecedores de monumentos y días en los que dejen salir a los niños temprano de sus clases.

En otras épocas, Neptune probablemente hubiera sido una gran banda de culto.

Debo aclarar que lo son, son una banda de culto, pero no como pudieron haber sido en otra época: considerados vanguardistas, adelantados a su época y poco apreciados por lo difícil que es conectar a sus sonidos. Estamos en el 2011 y Neptune son simplemente unos artistas que suenan amenazadores y recuerdas de su existencia cada vez que sacan un disco; eso es lo que son para los pocos que, aparentemente somos fans. Su nivel de popularidad no tiene que ver con su sonido; son innovadores, tomando el ejemplo de Partch para construir instrumentos y hacer sonidos delirantes pero, a diferencia de la mayoría de la gente que construye sus armas de ruidero, Neptune no se la pasan conjurando paisajes sonoros de una mañana dominguera en el séptimo círculo de infierno adventista. Su manera de aproximar las cosas es más parecido a This Heat o a Einstürzende Neubauten, si Blixa y la banda se dedicaran más al rock que a huir de él.

A diferencia de álbumes anteriores como "Gong Lake", "Silent Partner" es más texturoso, extendiendo sus capas por ocho minutos en promedio, construidas de repeticiones, haciendo paredes donde pasar los dedos varias veces logra que sangren y se hagan cicatrices mientras un baile aletargado se hace en tus pies. El álbum tiene varios sellos de este tipo de música, como se escucha en la voz medio recitando/medio cantando y la percusión que no quiere soltar el poder del rock. No digo que sea el disco del año y dudo que sea el mejor de Neptune, pero "Silent Partner" cristaliza momentos inspirados donde la improvisación y la cacofonía se combinan dentro de tapices sonoros con timbres poco esperados aunque orgánicos. Es decir, la fórmula perfecta de un gran disco de una banda de culto, de las que siempre se aprecia saber que mierda con sus vidas hoy en día. Engendro Prehistórico.

por Marcos Hassan
desde afterpop

HAROLD BUDD
In The Mist
darla, 2011

Desde el desierto de Mojave vino un músico capaz de atrapar los sonidos del silencio, Harold Budd o 'el pianista que toca bajo el agua' es leyenda viva y que no teme a desaparecer según el mismo lo ha dicho, pero que mientras tanto nos mantiene hipnotizados con sus trabajos ambientales de profunda solemnidad y encantamiento.
Esa misma manera tan especial de entender la creación de sonidos y ambientes lo han llevado a colaborar con músicos destacados como Brian Eno, Cocteau Twins o David Sylvian (sólo por nombrar algunos, quizás los más 'esquimales'), dentro de una trayectoria extensa y brillante, recordemos que en la actualidad Harold Budd cuenta con 75 años, los que no han mermado su búsqueda constante en los anchos caminos de la experimentación sonora.
Se trata de un artista abundante, que sin embargo a cada trabajo le entrega un concepto único, una inspiración intacta que hoy nos presenta "In The Mist" ('En La Niebla'), siempre con esa interpretación tan distintiva que nos cubre en ese halo fascinante, el álbum está conformado por tres fases: 'The Whispers', 'Gunfighters' y 'Shadows' en las que cada pieza se transforma en un viaje hacia esa necesaria calma que ya casi olvidamos, un deslumbrante prado de ecos y timbres salidos desde su piano como una concentración de estrellas que lentamente van extendiendo su movimiento hasta hacernos parte de esta noche paralela, resonancias transparentes, ruidillos casi imperceptibles que se acercan por orden natural, sin casi notarlo ya estamos en medio de la floresta, sumergidos otra vez en esa esencia, la música de Harold Budd se puede ver, oler, sintiendo los latidos en la distancia, figuras que aparecen en la niebla, los sueños.
"In The Mist" es una proeza de arte sonoro, un mensaje de humanidad suspendido fuera de este mundo. Celestial.

Raúl Cabrera H.

GUSGUS
Arabian Horse
kompakt, 2011

En calidad y cantidad de propuestas por número de habitantes, como en otros muchos aspectos socio-políticos, Islandia es un caso aparte en el panorama musical internacional. Allí se toman muy en serio incluso el resultar divertidos. En este deslumbrante listado de artistas, GusGus parecieron siempre los más frívolos y superficiales. La madurez les ha llegado tras una carrera de locuras y, aunque nunca dejaron de ser jovialmente inteligentes, parece que al fin han sentado la cabeza.
Más que una banda, GusGus es un autobús urbano por el que ha pasado medio Reykjavik. Una especie de “servicio militar obligatorio” para todo islandés con inquietudes musicales en electrónica. Pasaron de ser una docena en los años noventa (entre ellos Emiliana Torrini) a quedarse con sólo dos miembros en 2000. La formación ha aglutinado a actores, cineastas y músicos, entendiendo sus directos como una fiesta-espectáculo total.

Productores de hits enérgicos y vigorizantes, siempre han optado por una visión vitalista de ritmos sintéticos destinados a arrasar las pistas de baile. En esta ocasión aparecen más reflexivos y menos optimistas. Tal vez sea aventurado decir que el pesimismo les ha cogido desprevenidos, pero es evidente que no están las cosas en el mundo, y menos en su país en concreto, para pegar botes como si nada grave estuviera pasando. De todas las formas de arrimar el hombro y contribuir a mejorar las cosas, esta es una de las más plausibles: hacer bien lo que sabes hacer bien y no decepcionar en el intento.
"Arabian Horse" es la octava entrega de la banda. Aquí colaboran Högni Egilsson (vocalista en Hjaltalin), con su timbre melodramático a lo Guy Garvey (Elbow). Todo el disco está impregnado de una solemnidad preciosista, densa y oscura, poco frecuente en la volatilidad efervescente de sus anteriores trabajos (menos "Polydistortion" de 1996), sin oposición a que por momentos se te vayan los pies al compás. Con menos electrónica refrescante y más techno geológico, puedes considerar que la ceniza volcánica se les ha colado en los ordenadores.

desde
transistora.com.es

RADIO PEOPLE
Hazel
mexican summer, 2011

El espacio interestelar tiene una nueva banda sonora que lo pule, le da brillo y embellece y con la que uno puede gustosamente atravesarlo en una odisea espacial vintage con destino V509 Cassiopeiae. Sólo hay que subir en una astronave prototípica para incurrir en una experiencia sideral surcando el celeste retrofuturo en su más radiante noche. Allí donde la chatarra espacial que se asola en la inmensidad del vacío deja paso a nómadas volantes entre gammas, nebulosas, supernovas en repliegue implosivo y otros astros depresivos, agotados, en abandono y apagón. Cerca de Alfa Centauri, allí donde todo es luz, se ha visto maniobrar en fosforescencia a un navegante de Ohio. Su nombre, de lumbre descendiente, se ha quedado grabado en la gran bóveda negra del firmamento. Un hito para la edad moderna. Y ha sido éste que pasa un año productivo para Sam Goldberg que, además de salir por la tangente y en órbita alienado con la constelación del Centauro, ha entregado recientemente trabajos para la infinidad de Arbor (Having Had Forgot) bajo su nombre de pila, Centre (Avalon), con este mismo seudónimo, y trabajos paralelos con otros miembros de Emeralds con los que, más allá de los rugidos drónicos de esta banda, colabora. Tal es el caso de Houses, el último trabajo junto a John Elliot en su proyecto binario de nombre Mist. El de Cleveland, además de otros alias como Docile Dawn y su trabajo en Pizza Night, su propio sello, acaba de entregar una obra espléndida en el no menos hiperbólico sello Mexican Summer, que siempre se preocupa en ofrecernos algunas de las mejores apuestas con las que la musicalidad, hoy, nova. Se llama Hazel y sugiere una travesía cósmica arpegiada en goces súbitos y alternos de placer analógico-sintético.

Intermitencias en luminarias señalan las escalas que recorre Goldberg en las nueve canciones que integra éste, su nuevo disco. Indican despegues sin aterrizaje hacia lo alto según un ambiental kosmiche que resplandece entre drones a sintetizador, acordes de guitarras que gravitan perdidos en la inmensidad y que felizmente captura para sus composiciones Sam. Como esos versos que ocasionalmente despide, encontrados más allá de Becrux y Mimosa y a 88º de Juxta Crucem, lejos de otras gigantes naranjas. Los reúne sobre cajas de ritmo de cadencias y efectos calmos que cruzan fugaces lluvias de asteroides en sintonía láser y en una sucesión encadenada de arpegios que esculpen paz e intensa belleza sollozada. Enarbola levadizos, centrifugaciones, inmersiones y pulsos en pirueteadas peripecias epopéyicas que tienen a un proto-kraut como resonancia fondo y que invaden con beldad y hermosura una constante sensación de tibieza, dulce nostalgia y absoluto bienestar. Lo que escuchando procura. De sus episodios a la Namlook en cíclicas gravitaciones y algunas vecindades con Oneohtrix Point Never o los más melancólicos Isan, destacan pasajes de planeación lenta que interludian esas graduaciones de armonías notadas en plácidos impulsos de sonido alboreado. Allí es donde más lucen los mejores momentos de este drama espacial de primigenia electrónica glaciar. Sobre todo en "Playground", "Anthem", "Walls in Motion" o "Patience", pero también en "A Vague Year", "Blind Faith" o "Hazel"; con breves pasarelas galácticas que, junto a ellas, definen las claves de una advenediza épica asteroidal.

por David Cano
desde notodo.com

Sintoniza El Sueño del Esquimal, este jueves 17 a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso, online además por aquí...

El Sueño del Esquimal #338, jueves 10 de Noviembre.

2011-11-09T22:22:00.012-03:00

Regresa Mazzy Star luego de 10 años de distanciamiento, buscando las últimas canciones que se quedaron tiradas en la intimidad del atardecer, la dulzura y la calma atrapadas en una singular instantánea.

BRAIDS
Native Speaker
flemish eye/kanine, 2011

Recordemos todos con singular alegría y nostalgia aquel "Feels" , el disco de Animal Collective al que más aprecio le tengo. Recordemos que se trataba de un disco en donde el amor pasaba por un filtro de psicodelia y nos enseñaba que no sólo se demostraba con armonías pegajosas y coros al viento.
Teniendo eso en la cabeza, escuchar el debut de Braids es una experiencia casi tan exquisita como revisitar al anterior citado. Se cruzan en muchos momentos y varios pasajes son influencia pura del 'colectivo animal', pero las fibras que "Native Speaker" acaricia son el lado oscuro de "Feels".
Y es que cuando uno termina de recorrer las siete pistas que conforman lo que quizás sea el debut más lindo del año, se siente en el interior esa contracara que a nadie le gusta del amor, la impotencia que deja la resaca de el y lo inocente que nos reflejamos cuando las cosas no marcharon bien. Si en "Feels" todo era una foto de felicidad pura, "Native Speaker" es el rompimiento de su antecesor dentro de un sueño, de esos en donde por más que se quiera, no se puede despertar.
Aquí se refleja un alto grado de inocencia que convierte este experimento en algo más dulce de lo que podría parecer. La voz de Raphaelle Standell-Preston es tierna, pero lleva consigo una cierta cantidad de dolor; a veces explota en un grito y otras tantas se desinfla poco a poco como recitando un poema. En "Glass Deers" se derrama todo lo que funge de base y nos muestra ambas caras, "Lemonade", por otro lado, sirve de prólogo para toda la historia. En momentos como "Native Speaker" o "Lammicken" todo se torna confuso y extrañamente encantador todo para que "Little Hand" sea ese preciso instante en el que despertamos del sueño y nos damos cuenta de que en realidad nunca estuvimos durmiendo.

Al hablar de temas complejos, todo argumento resulta ambigüo e incompetente, sin embargo, todas las replicas que "Native Speaker" guarda en su interior no están tan alejadas de lo que podría considerarse realidad. Un estreno que dice lo que muchos, pero de una manera tan bella como pocos.

por Joan
desde tacondeoro.blogspot.com

GILES COREY
Giles Corey
enemies list home, 2011

En 2008 un dúo llamado Have A Nice Life hicieron temblar los cimientos del mundo de la música con un disco llamado "Deathconsciousness", el cual tardaron cinco años en dar forma y en el que se mezclaban el shoegaze con el drone y el post-punk, todo ello bañado en un sonido lo-fi. Se dijo que publicarían dos discos más durante 2009, pero lo único que llegó fue un recopilatorio llamado "Void". Desde ese momento poco más se volvió a saber de Dan Barrett y Tim Macuga, los dos miembros que daban vida a ese proyecto. Pero amigos, si les dijera que su vocalista publicó hace varios meses su debut en solitario y que ha pasado totalmente inadvertido por todos. ¿Cómo quedarías?
Pues sí, aunque parezca mentira Dan Barrett publicó hace algo más de dos meses un trabajo bajo el seudónimo de Giles Corey, nombre de un granjero que fue torturado hasta la muerte durante dos días en los juicios de brujería de Salem y del que se dice que su fantasma aún aparece en el pueblo cada vez que un desastre ocurre. Así es como el músico estadounidense se presenta, como un ente fantasmagórico que va pidiendo clemencia haya donde va.

Únicamente viendo la impresión visual que dejan los restos destrozados de ese paisaje rústico y rural con los que presenta su portada, podemos imaginar que el debut homónimo de Giles Corey es un viaje por el desfiladero, una guia de supervivencia para encajar mejor los golpes, puesto que explora una visión de la vida contada desde el filo de la navaja de un hombre perdido, de la lucha personal contra la depresión y el suicidio relatado desde un punto de vista inquietantemente misterioso y difícil de igualar.
Como si hubiésemos retrocedido varios siglos en el tiempo hasta el momento en el que Giles Corey era asesinado y la gente moría a causa de enfermedades como la fiebre amarilla y se juntaban alrededor del fuego para entonar una letanía funebre por sus almas perdidas y recordar viejas historias de un tiempo pasado en el que la gente era quemada en hogueras por teorías de religiosos que en lugar de cuidar las almas de sus feligreses, las condenaban a las llamas del infierno. Vamos encontrando historias contadas a cámara lenta y en el que el slowcore y el folk se acercan a las influencias shoegaze de Barrett consiguiendo un sonido lleno de ricos matices y en el que su voz y el rasgueo de su guitarra consiguen crear los climas perfectos para adentrar en sus historias.

Pese a que es un álbum emocionalmente muy intenso y oscuro (más de uno no creo que pueda asimilarlo), también existen puntos de claridad y esperanzadores como podría ser el cambio de registro musical que se vive a la mitad de ”Spectral Bride”, una de las piezas más interesantes de esta ópera prima junto a ”The Haunting Presence”, ”Empty Churces” y ”No One Is Ever Going To Want Me”.
Sin duda, el proyecto de Giles Corey es uno de las experiencias más enriquecedoras e inquietantes de la campaña debido a su gran calado emocional y a la facilidad con la que consigue introducirte en sus historias.

desde
myfeetinflames.com

TAYLOR DEUPREE
Journal
MACHINEFABRIEK
Bad Fortune
champion Version, 2011

Para los que no se habían enterado, me incluyo, Champion Version es un sello inglés que tiene por objeto servir a las ‘expresiones intransigentes’ de electrónica, krautrock, minimalismo, drone, post-rock, etc. Los discos son todos vinilos de diversos tamaños, envueltos en material 100% reciclado, muy contadas copias, solo una por persona. Un sello que es como una casa para los sonidos que habitan en las esquinas de la industria, como tantos otros, donde verdaderamente se mueve y se crea la música más interesante, la que esta bajo las capas superficiales. Fighting the powers since 1999.

Dos de los más recientes lanzamientos son estos, y el primero que será objeto de revisión corre a cargo del holandés Rutger Zuydervelt. Hace dos meses hacía su estreno en estas páginas con su disco “Grower” (Sonic Pieces, 2011) en compañía de Gareth Davis [133], luego de un largo recorrido editorial. “Bad Fortune” tuvo que pasar por un periplo para poder llegar, por fortuna, a nuestros oídos. Eso al menos con una de sus caras. Editado en un 10” cubre una de sus caras, la primera, con “Ringoya, Tokyo”. Se suponía que sería el registro de una presentación de Rutger en Tokio. Un problema técnico (rotura de equipo, corte de luz) hizo que se perdiera parte de eso, casi todo. Sin embargo, gracias destino, una de las cintas pudo recuperarse, y esa es la que lleva el lado A. Una masa subliminal de armónicos tonos sutiles, repetición, timbres aéreos, resonancias dispuestas con diplomacia, ecos, crujidos que llevan a pensar, con pesar, en todo lo que se perdió. Dan ganas de ver vivo manipular los sonidos y dejarse arrullar por los minimalistas paisajes que dibuja en vivo. Al otro lado se ubica “Aether, Rotterdam”, otra pieza en vivo, en esta ocasión en su tierra de origen, y que es otra muestra del (buen) hacer de Machinefabriek en directo, ocasión en que desarrolla, tal como la anterior, los planos prolongados, las distancias largas y los pequeños estruendos incrustados en las melodías.

Si el disco del que hablábamos recién es un agrado de poder escuchar y palpar, el que sigue lo es aún más, que además viene con una sorpresa. Yo nos de extrañar el talento de Deupree, cada vez más acostumbrado a los registros breves. Esta es otra oportunidad más para descubrirlo, quienes no lo conocen, para convencerse, los que pudieran tener alguna duda, y para simplemente disfrutar, a quienes ya nos es familiar. Obra breve como dije: 7” que no alcanzan en total a los diez minutos. Pocos objetos a los que atenerse: un sintetizador y dos field recordings. Dos impulsos creadores: “Everyting I’ve never done and everyone I’ve never met”. Recursos limitados que por el contrario ayudan a crear dos inspiradísimas piezas que abundan en el catálogo del de Pound Ridge. “Attic”, tema de cierre es un oda a los remanentes, como entrar precisamente en un ático y descubrir en los desechos (sonoros) la historia olvidada, recordar los sencillos momentos de la niñez y transformarlo en una canción de electrónica análoga, armonía prístina y chasquidos en baja fidelidad. Una maravilla que sirve de compañera a “Journal”, la cara principal de este single, con los mismos elementos y, aquí viene la sorpresa, por vez primera, la voz de Taylor. Tres, solo tres acordes, una muralla de ruido y de distorsión, un manto abrasivo y contenedor, y cuando ya han transcurrido tres minutos la sorpresa se hace una realidad en forma de una voz susurrada, acolchada. Desde un lugar recóndito aparece cuando la canción ya llega a su ocaso, especial para oír en el ocaso del día, en el límite entre luz y oscuridad. Un aspecto siempre ligado a él es la fotografía, y una de ellas es la hermosa portada, una instantánea en tonos verdes, reflejando el esplendor en la hierba. Además el disco me recuerda a otras fotografías de él, en especial las que llevan por título ‘Snow Study’, y más particularmente ‘Snow Study, Feb 22, 2008’, por la forma en que el paisaje boscoso y borroso se difumina entre las manchas de nieve, tal como ocurre musicalmente: las notas difusas de fondo y los detalles sonoros nublando más el paisaje, y a pesar de eso, por como arrulla, llega a ser cálido.

La escucha de ambos discos tienen solo resultados positivos: un sello por descubrir, un músico al que seguir prestándole atención, y otro en el que seguir confiando. Champion Versión, Machinefabriek y Taylor Deupree se han llevado la medalla a lo más destacado del mes. “Bad Fortune” y sus planos largos y “Journal” y los destellos en la nieve.

Hawái.

BEING
Quiet Rain
cotton goods, 2011

Cotton Goods es un exquisito sello inglés, dirigido por el inquieto Craig Tattersall (The Archivist, The Humble Bee, también parte de The Remote Viewer y The Boats, antes en Hood), codirector de Moteer y Mobeer. Sus ediciones son todas en CDR, limitadas y hechas a mano. Cotton Goods es un sello bajo la superficie que entrega trabajos de alta calidad, objetos para coleccionar a base de ambient, cajas de música abandonadas y partículas de loops oxidados. Por su lado, Being es el nombre escogido por Russel Burden, un artista radicado en Inglaterra, que trabaja con ‘imágenes quietas y en movimiento, sonido, la impresión y la transferencia, cartografía gráfica, metodología científica y pensamiento poético’. Un artista que abarca muchas facetas, entre ellas el sonido, que es lo que acá más nos interesa.

“Quiet Rain” es, como el resto del catálogo, una pieza para tratar con cuidado. Una caja que contiene un CDR con tres tracks, un DVDR con dos films, un póster de la sección coral y un juego de cuatro impresiones digitales de fotografías bajo el agua. Un must que en lo musical no se queda atrás. El disco es parte de un proyecto mayor, ‘Detritus’: “En los márgenes poco profundos yacen las bases de parto/ En los primeros metros de agua una trampa de nutrientes amnióticos naturales/ Alrededor de las raíces recubiertas de vida de un solo árbol de mangle, un vivero para la biodiversidad de los océanos/ Uno de los más productivos ecosistemas del mundo/ Lleno de formas extrañas y maravillosas/ Vivo con micro-belleza/ Su destino…/ Macro-belleza”. La primera parte es “Quiet Rain”, un track de doce minutos, grabación de campo hidrofónica, piano y procesamiento por el mismo Russell y Terry Davey, sonidos diminutos registrados al interior de los Cayos de Florida, alrededor de las raíces de los árboles. Setecientos veinticuatro segundos de belleza pura entre las hojas submarinas, música que desnuda la naturaleza en su mayor y más glorioso esplendor, ese mismo que se encuentra en cualquier lado en que uno lo busque. La simpleza de lo cotidiano en los orígenes de la vida, en el mar. Una tonalidad azul, un mismo sonido armónico con muy pocas alteraciones en el que interactúan fluidos, ecos con el piano espectral prolongarse en las mareas, los murmullos de la fauna, los crujidos naturales y artificiales con una capa de susurros de esencia ambiental. “Quiet Rain” demuestra, y cuestiona, que en muchas ocasiones la electrónica más inspirada no se encuentra en los componentes de un laptop, sino al lado nuestro, en un lago, en el viento, en la lluvia, etc. Pero ese cuestionamiento tiene su respuesta en las otras pistas que acompañan al CDR. Dos remezclas la escoltan, la primera de ellas por THE GREEN KINGDOM (Mike Cottone), respetuosa con la matriz, más leve incluso, que añade por el final unos pequeños beats para hacer fluir la magia de ambient pop. La segunda corresponde a la nueva versión fabricada por THE BOATS (el mismo Craig Tattersall más Andrew Hargreaves y Danny Norbury), quienes la trastocan un poco más. Introducen más sonidos (arpa, melódica) y la estructuran de nuevo para dar con sí con otra pieza de otros caracteres, distintos, que empiezan en una electrónica melódica y paisajística y terminan en las atmósferas gaseosas made in Köln. El DVD es una cosa distinta en cuanto formato, similar en planteamiento. “Particle Stream” es una película filmada en un árbol de mangle bajo el mar, de seis minutos de duración en los que ahora no solo se oye, sino que vemos como es que las ramas interpretan esta música para peces. Cantos náuticos, partículas de ruidos, un todo armonioso que agradablemente me recordó lo mejor de Taylor Deupree –y no es coincidencia: el norteamericano fue quien masterizó las cintas–, como lo son “1am” (12k, 2006) o más recientemente “Shoals” (12k, 2010) –otra coincidencia: esa portada proviene de los mismos lugares en donde esto se grabó–, y que indaga, por vez segunda, en las profundidades y en el estruendo interior. El lento devenir de los objetos allá debajo, la figuras borrosas del agua, las ondas que se mueven de un lado al otro tienen su respuesta en las resonancias aletargadas, en los zumbidos contenidos. Para terminar con tan noble artefacto, “Particle Stream” es ahora remezclada por THE HUMBLE BEE, es decir, el mismísimo Craig Tattersall –imprescindibles son los 4 CDR de “Morning Music” (Cotton Goods, 2010), un disco que pasó tristemente desapercibido–, quien altera tanto las imágenes como el audio. Al igual que lo hizo con The Boats, aloja sus propios elementos en los prestados, y sin apartarse en demasía de ellos la lleva a un nivel distinto, fantasmal. “Particle Stream” es ahora volátil, imposible de palpar, sobre todo vaporoso e indistinguible, como esas fotografías deterioradas por la humedad y el paso del tiempo.

Tan solo una pieza de audio, otra de vídeo, más sus reconstrucciones bastan para erigir a este disco como una pieza mayor, una en la que en su aparente insignificancia exhibe la hermosura de la naturaleza eterna pero fragilizada a causa del avance irrefrenable del hombre. A junio de 2010, la playa de Anne, locación del disco, se está ahogando por una gran mancha de petróleo. “Quiet Rain” es una muestra de la belleza de es lugar, como los hay en muchas partes, un consuelo y un recuerdo de lo bello que alguna vez fue, un llanto en la distancia.

Hawái.

BEIRUT
The Rip Tide
pompeii, 2011

Pensar que Zach Condon tenía tan solo 19 años cuando editó su primer disco, “Gulag Orkestar” allá en 2006. Hoy, cinco años después vuelve a sorprender con su magia y amor por la música barroca en lo que constituye su tercer disco hasta la fecha, "The Rip Tide".

No es un dato menor que sea el tercer disco en su carrera. Muchas veces se tiene miedo al segundo lanzamiento, pero el tercero suele ser incluso más crucial. Y más aun tratándose de un artista tan jóven y que viene de dos discos excepcionales sumamente respetados por la crítica y el público a nivel global. La expectativa ya estaba generada.
Fue grabado en el invierno de 2010 con una banda de 11 miembros y es el disco más corto de su carrera (9 canciones en unos rápidos 33 minutos) pero que sigue manteniendo esa orquestación totalmente disfrutable para llegar a canciones pop de 3 minutos que conmueven y suben los ánimos. No es este el caso de que en el tercer disco cambian sustancialmente de estilo, sino que es un Beirut muy Beirut, y hasta algunos quizás lo critiquen por la poca reinvención que hizo entre disco y disco.
Lo cierto es que la fórmula le funciona: muchos instrumentos (Zach tiene como meta aprender a tocar un nuevo instrumento cada mes, y se nota), melodías soleadas y una voz cada vez más afianzada hacen de "The Rip Tide" quizás el disco más accesible de los tres (teniendo en cuenta que los otros tampoco eran muy difíciles de digerir, asi es que imaginen). Pop en un estado más que puro. Y para los que le gusta el costado más baladístico, tienen para deleitarse: la bella “Goshen” y “The Peacock” son las encargadas de este segmento siendo los lentazos del álbum.

Optimista, mudándose del otoño a la primavera está Zach y sus secuaces bajo el nombre de Beirut. Un tercer disco que para sus más fieles seguidores puede ser una decepción, pero que de a poco va “creciendo” en uno, un disco que no baja su nivel (pero que a veces se torna difícil de comparar con sus lanzamientos previos) y se nota la evolución del joven inquieto Zach Condon como vocalista y escritor.

por Rodrigo Piedra
desde Indie Hoy.

Sintoniza El Sueño del Esquimal, hoy jueves a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso, online además por aquí...

Braids - WIRED: Episode 91 (NXNE 2011) from THE iNDiE MACHiNE on Vimeo.

El Sueño del Esquimal #337, jueves 3 de noviembre

2011-11-01T18:18:00.019-03:00

Tormentas de primavera, parejas frente al calor del amor en un bar, diseños coloridos y las voces del interior, florecer entre sonoridades misteriosas, ahora juntos vamos a cristalizar.

LA MONINE
Sangremía

autoedición, 2011

“Monine es un nombre, un recuerdo de infancia. Un dibujo de un monito que algunos de mis amigos bautizó así. Yo guardé esa palabra y la adopté para siempre en mi diario vivir.

Hoy, La Monine es un personaje de una mujer femenina, atemporal, un tanto misteriosa que cuenta historias vividas. Experiencias, a veces, un poco tristes. Ella habla mucho del amor como sentimiento universal. A veces soy yo, a veces es un disfraz. Para mí es muy importante la imagen de mi personaje, por lo que además para la puesta en escena incorporo la proyección de dibujos personales, nada profesional. Dibujos que he ido creando y que sin mucha intención terminaron pareciéndose a mí. Con Monine yo hablo de mí, de como veo el mundo, claro que de una forma exacerbada, porque en el fondo lo que yo hago es arte, me nutro de mi misma, pero no hago exactamente una biografía musical.

Como cantante, mi principal instrumento es la voz, con todas sus variantes experimentales como lo son el susurro y el grito. Y mis melodías consisten en arreglos electrónicos que programo y creo a través de un laptop. Sin embargo, uno de los toques más distintivos de mi trabajo musical, es la incorporación del Theremín, un instrumento electrónico un tanto desconocido que se toca en el aire -algo que lo hace ser muy mágico-. Ahí yo intervengo con las manos y logro crear melodías un tanto lúgubres.

Agarré la idea de canción popular melodramática por una pequeña definición que ya estaba en el Myspace, que creo, era una mala traducción. Pero me llamó la atención y resultó para poder clasificar mi trabajo, porque lo que yo hago es pop, es canción, y ese es mi género. Lo melodramático viene de una definición súper técnica. No tiene ninguna connotación más allá de la que suena. El melodrama viene de melólogo, una forma teatral representada en un monólogo con música de fondo”.

Estas son las palabras de la chilena Karenn González alias La Monine describiendo de una forma personal su trabajo sonoro, visual, perfomático, concentrado en su debut "Sangremía", un álbum intimista, cálido, bello y algo oscuro, que nos ofrece una manera distinta de imaginar el pop (mágico, quizás más maquinal, efectista, experimentalista más allá de una simple etiqueta), muestra de 'fragilidad', 'alma' y estética conceptual de la cantante y compositora nacional, muy recomendable y con descarga.

entrevista
desde belelu.com

CONQUERING ANIMAL SOUND
Kammerspiel
gizeh/mini50, 2011

Tras dos EPs publicados a finales de 2010, el 7 de febrero salió a la venta el disco debut de los escoceses Conquering Animal Sound. "Kammerspiel" es fundamentalmente un disco de pop experimental, luminoso y emotivo, cristalino incluso, en el que la electrónica y la música orgánica -percusiones, elementos de la naturaleza, xilófonos- cohabitan de la manera más sencilla y bella posible, sin que el conjunto sature o puedan encontrarse momento altisonantes.

No sorprende que un primer disco suene tan maduro y tan compacto. No es su primera vez. La experiencia de Jamie Scott tocando el bajo en Boyfriend/Girlfriend y en Ocassional Flickers, así como su proyecto en solitario The Japanese War Effort, se aunan a la deliciosa voz de Anneke Kampman (Fieldhead), que a veces suena como la islandesa Björk -clara referencia a lo largo de todo el disco- y otras como Cloetta Paris, Tenniscoats o la solista de Sally Shapiro, para crear un disco repleto de ambientes imaginarios, frágiles y oníricos, que a su vez es un compendio de las músicas de Mogway, Sigur Ros, The Deer Tracks o The Magnetic Fields. Transparencias y una lluvia fina besando tu rostro, contemplación.

por Diego Rguez
desde mandarinamagazine.es

D_RRADIO
Forecast
heat death, 2011

Mi primera introducción a d_rradio fue con "Seasons" su excelente EP para Rural Colours del año pasado. Sus cuatro pistas con el nombre de cada una de las estaciones a partir de otoño, tiene una rica textura de las melodías de cuerda que se superponen, equilibrado por corrientes cálidas y un sentido de movimiento perpetuo. El noreste de Inglaterra destaca por sus artistas que son enigmáticos por decir lo menos, optando por salir de la distracción de la 'celebrity' para permitir que la música se quede en el centro del escenario, mientras ellos disimulan en la sombra. Mientras que "Seasons" podría ser descrito predominantemente como tratados ambientales-neoclásicos, "Forecast" ("Pronóstico") abraza el sonido en vivo de cuerdas y piano en contrapunto perfecto con esos velos de drone cortesía d_rradio.

Evaporación de las tensiones como romper la luz a través de densas nubes, el álbum también inspira pensamientos de la mar con su sinfonía de agitación entre ondas y cadenas, interrumpido sólo por las melodías de piano amable, similar en su forma y estructura tocando la atmósfera dispersa de Antonymes por ejemplo. Este menos es más enfoque reductivo que con éxito produce el efecto deseado, emitiendo emociones cercadas por la soledad, la melancolía, pero también cubiertas de tranquilidad y esperanza. "Quiet One" es la pista más corta con crescendos grises y sombras pintadas en el horizonte, antes de dar paso a la agitación de "Cinema of Stills" mar crispado y notas de última hora en el drone que se expande como el coral submarino. "Step Into The Sun" entrega una selección ondulante de armonías para el oyente, acompañada de un aumento y caída del sonido orquestal, casi se puede sentir el calor del sol en tu cara, es sin duda una de las piezas importantes del álbum.
Momentos como estos son abundantes, la melodía simple escalada de la primera pista se juega con aplomo la atención al espacio entre las notas que pronto sumergen al oyente. d_rradio demuestra su sensibilidad a la naturaleza cíclica de la vida en trabajos anteriores y siguen incorporando esto en "Forecast" - "After The Rapture" por ejemplo, vuelve a interpretar el enunciado del título de pistas en la lista del reproductor, presumiblemente para completar el círculo y permitir el viaje de repetir hasta el infinito.

Este es un disco fuerte y consistente cuyos motivos son explorados con una gracia y solemnidad que conmueven, el marcado carácter ambiental de la música con una madurez que sólo puede florecer bajo la intensa empatía de los artistas, la calidad del sonido y su experiencia de trabajo juntos. Climático.

desde
futuresequence.com

BYETONE
Symeta

raster-noton, 2011

La trayectoria de Olaf Bender, centrándonos en lo musical exclusivamente, sigue tomando peso gracias a "Symeta". Tres discos de Byetone donde la evolución sigue presente y ligada al mismo tiempo, de manera inevitable, a la de su sello Raster-Noton (junto a Nicolai y Bretschneider) . Su trabajo anterior, "Death of a Typographer", marcaba un cambio de rumbo marcado respecto a su debut "Feld". También hay que tener en cuenta que estamos hablando de un disco de 2003, en el que primaba un amor por Kraftwerk y el techno acuático de Basic Channel como influencias básicas. Sin embargo, "Death of a Typographer" vino a ser como una celebración de espíritu rock, con el sonido endurecido y potente casi a piñón fijo que tomaban parte de las enseñanzas de los laberintos rítmicos de Pan Sonic unidos al chispazo electrónico de Raster-Noton en un año, 2008, donde el sello volvió a editar discos tan notables como "Unitxt" o "Dataplex".

"Symeta" sin embargo, no se siente como un cambio radical respecto a su antecesor, al menos en la superficie. Está claro el camino que ha decidido tomar Bender y el sello estos últimos años, la de integrar el ruido y la experimentación a rítmicas más hipnóticas y reconocibles ampliando su espectro más allá del grupo de la electrónica más sesuda. "Symeta", en mi opinión, es otro paso adelante más allá de la superficie y quizás, consigue tener presente de nuevo el espíritu de "Feld", aunque el sonido nos recuerde más al anterior. Hay una cohesión mucho más marcada, detalles que se incorporan sutilmente como en "Topas" y te dirigen en un suspiro a "Telegramm" jugando con Kraftwerk y Carl Craig, aunque parezca que el ruido sea lo predominante (en esta ocasión, mucho más rebajada esta carga) y llegando a recordar por momentos en "Neuschnee" a ecos de Warp (Autechre, Boards of Canada, Aphex Twin ensimismado,...), al trance de "Opal", así hasta un final con rumores de aceleración speed metal e industrial drone con "Black Peace" y "Golden Elegy".

"Symeta", al igual que "Univrs" de Noto, han sido recibidos por la crítica en general con aplausos, pero sin vítores. Casi hay una especie de aceptación de calidad garantizada en su trabajo, pero es como si ya lo dieramos por descontado. Seguramente, algún momento de su discografía puede ser acusada de un exceso de énfasis (tampoco lo digo como reproche, son cosas que pasan siempre) pero con estos dos discos hay mucha más sustancia de la que se dice. Simplemente, animarse a descubrirlos y no caer en la vista monótona de algo como: "bueno si, otro dico de Raster-Noton". No hay que perderse esta fiesta. Se publicó recién el 31 de Octubre.

desde
Coreografo del Cerro.

PINK PLAYGROUND
Destination Ecstasy
mexican summer, 2011

Desde Houston, TX viene Pink Playground dúo formado por Tara Tyson y James Wing, una nueva banda que hace de los videos (los espléndidos "Come Find Me" y "Ten") su carta de presentación en lugar de tocar en vivo, y se ubican en la tradición de los sonidos shoegaze y etéreo como una vuelta a los primeros demos de The Jesus and Mary Chain. Guitarras, sintetizadores, voces de otro mundo y cajas de ritmos colisionan con el momento noise-pop de mediados de los 80, acercándose con dulzura a la estela de My Bloody Valentine, Curve, Lush y Swallow como si los miembros de la banda nacieron para jugar en ese sentido. Volumen ensordecedor y melodías de azúcar que llenan el espacio de color rosa con la dinámica del polen primaveral, tan densa y brumosa que pueda necesitar una máscara contra el polvo al cruzar a través de ellas, canciones tan dulces que pican, los modales más refinados convertidos en una nueva forma de agresión.

desde
mexicansummer.com

SLUG GUTS
Howlin' Gang
sacred bones, 2011

Slug Guts son 4 caballeros de Brisbane (Australia) que aman el garage rock a todo volumen y pantanoso, su ropa negra y su gusto por la bohemia más embriagadora. Entusiastas del sonido oscurantista y desencajado, evocando la experiencia de sus coterráneos The Birthday Party, además la influencia de Christian Death, The Scientists, los primeros Captain Beefheart y The Cramps con orgullo, y les importa un carajo que cualquiera los tome como meros imitadores - ya que también te pueden colocar una buena sacudida en sus descargas de odio y descontrol, que esta placa tan hábilmente muestra en el borde cortante del ruido tenebroso.
Grabado en un vagón de tren fuera de Ipswich, "Howlin' Gang" deja marcas de crecimiento estilístico para la banda y en gran medida arroja de vuelta esa cruz invertida que cristalizaran en 2009 con el debut "Down On The Meat". De hecho, las guitarras fuertemente repercuten un sonido mucho más puro aquí - un logro notable, dado el ambiente de estudio claustrofóbico - mientras que la entrega del bajista James "JD" Dalgleish es contundente y maléfica, dejando el tunel turbador esencial para que Jimi Kritzler arremeta desafiante con sus chillidos y blasfemias.
Incluso hay un acercamiento a las baladas caudalosas en el tema que cierra el disco, "Angie". Eso no quiere decir que los Slug Guts se han ablandado lírica o musicalmente, por supuesto que todavía están en la magnitud maldita, como lo demuestra el impulso amenazante siempre presente, dando latigazos en riffs de guitarra y títulos de canciones como "Cold Bones", "Hangin' In The Pisser", "Spring Hill Lair" y "Down In The Hole".
Rock putrefacto desde 'La Isla de los Malditos', con invitadas de honor como Angela Bermuda de los Circle Pit y Sarah Spencer de Blank Realm que dan a algunas canciones ese toque sexy adicional. En todos los casos, no será una revolución de género ni nada parecido, pero se trata de un muy buen trabajo. Corrosión.

por Denis Semchenko
desde ravemagazine.com.au

Sintoniza El Sueño del Esquimal mañana jueves 3 de Noviembre a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm, desde y para Valparaíso y los alrededores, también en línea directa desde aquí.

NEW WAVE, SARAH & C86, jueves 27 de octubre

2011-10-26T20:00:00.023-03:00

NEW WAVE, SARAH & C86

esta noche es especial...

SHADOW FACTORY: THE SARAH RECORDS COMPILATION
Various Artists

sarah, 1988

El nacimiento de Sarah Records es lo de más corriente, como decenas de sellos surgió del amor de ciertas personas por la música, sentimiento que vio la luz por primera vez en forma de fanzine. Matt Haynes escribía en “Are you scared to get happy?” en el cual criticaba la política de los sellos independientes de la época que, según argumentaba, parecían demasiado centrados en crecer a toda costa y aplicaban políticas comerciales propias de las multinacionales, comentarios y opiniones que entraban perfectamente dentro de su modo de ver las cosas y que, salvo pequeñas matizaciones, siempre mantuvo a lo largo de los años siguientes ya en Sarah Records y antes en Sha-la-la, primer sello del que Matt forma parte junto con unos amigos y en el que empieza su defensa del formato 7″ como medio ideal para dar salida a montones de pequeñas bandas POP, en este caso se decantan por el flexi disco, de este modo Sha-la-la publica a lo largo de año y medio (entre 1986 y1987) flexis de grupos tan estupendos como Razorcuts, Talulah Gosh (pre-heavenly), Poppyheads o Remember Fun. En esas fechas Matt conoce a Clare Wad, una chica que también escribe un fanzine y está interesada en Sha-la-la, pronto se dan cuenta de sus intereses comunes y su amor por los mismos grupos, de este modo Sarah Records va a comenzar como sello, la primera referencia corresponderá a The Sea Urchins, grupo con el que ambos fundadores del sello habían tenido relación con anterioridad.

THE SMITHS
Hatful Of Hollows

rough trade, 1984

Grabado en vivo en la BBC Radio1, prácticamente en una sola toma y con muy poca mezcla, reúne características que hacen a la placa tan atractiva. Contiene versiones diferentes de tracks incluídos en el debut homónimo, como en "These Things Take Time" o la polémica y explícita "Reel Around The Fountain". Se notan todavía algunos destellos del reciente punk en "What difference does it make?", o en la perversa "Handsome Devil", en donde la base rítmica es una verdadera locomotora que desanda el camino sobre la ambigua letra de Moz. La guitarra del mágico Johnny Marr alcanza grandes alturas con punteos inéditos, como en "Girl afraid" o en la versión alternativa de "This Charming Man", bien diferente a la original. En "Back To The Old House", Morrissey y Marr pulen una joya que mixa una guitarra increíble, con una letra profunda y una voz casi a capella, conmovedora. La placa contiene himnos como "Heaven Knows I’m Miserable Now" - toda una declaración de principios – y la impresionante "How Soon Is Now?". Cierra "Please, Please, Please, Let Me Get What I Want", voz, guitarra y mandolina para la posteridad.
Todo el trabajo está signado por una urgencia avasallante, una muestra de lo prolíficos que eran y cuán corta se les adivinaba la carrera. Los fans de la banda se sintieron reivindicados con este disco. Muy poco tiempo después, vendría el golpe rítmico y de efecto panfleto de "Meat is Murder", y la ansiada masividad. "Hatful of Hollow" es un trabajo para escuchar al más alto volumen, y entender porqué hoy, pasados ventisiete años, la leyenda de The Smiths sigue de pie, agigantando su figura. Sencillamente la vida sin The Smiths sería un error.

NME C86
Various Artists
new musical express/rough trade, 1986

El semanario británico New Musical Express quizo sacar a la luz, tal como lo hizo en 1981 a todas estas bandas de pop sensible y letras políticas que pertenecían a la misma escena de los Smiths. Una escena conocida como “Jangle”, debido al frenético “jangling” (rasgueo) que hacían a las guitarras y la fuerte influencia del The Byrds, The Who, Kinks, Velvet Underground y el “A Hard Day´s Night” de los Beatles. El cassette, distribuído por correo, se conoció como C-86 (recordemos que los viejos cassettes de grabación se llamaban c-30, c-60 o c-90).
Escucharlo ahora aun sorprende. Todas las cualidades de los Smiths emergen también en bandas que jamás sonaron en las radios: The Bodines, Mighty Mighty, The Weeding Present, McCarthy. En el cassette también estaba el debut de Primal Scream y algunas bandas de punk “cubista” y caótico. Lo notable era que capturaba una escena “indie” –potenciada por sellos como Rough Trade y otros mas pequeños aun como Sarah Records- que a diferencia del modelo estadounidense no esperaba que viniera un gran sello a darle distribución mundial. Acá -y esto es lo importante de la compilación- se recoge una escena que autogestionaba sus recitales, sacaban singles, editaban fanzines y los músicos armaban otros sellos y teminaban la carrera en la universidad, al mismo tiempo.

THE AUTEURS
New Wave
hut, 1993

Luke Haines había formado un nuevo grupo con su novia de por aquel entonces (ambos coincidieron en la segunda etapa de The Servants, grupete cuyo máximo logro fue figurar en la famosa cassette recopilatoria del NME y Rough Trade C86), con un nombre que dejaba a las claras que no era un gañán más que agarraba una guitarra o un working-class cualquiera: The Auteurs. Porque Luke, quiero imaginar que de un modo inconsciente, siempre ha tendido a desentenderse de la masa; no por hacerle de menos a la gente normal, sino porque él es así y punto. Si digo que en 1996 se sacó dos discos conceptuales (uno como The Auteurs, el otro en un proyecto paralelo que tomó el nombre de Baader Meinhof, en homenaje al grupo terrorista alemán) con la idea principal del asesinato ("After Murder Park") y el terrorismo ("Baader Meinhof"), respectivamente, lo normal es que el lector piense que Luke está tarado o quiere llamar la atención a toda costa. Quizá ambas cosas. Creanmé que no. Luke sabe de música, a nivel fan (David Bowie y Marc Bolan seguro que tienen correspondencia suya) y a nivel ¨ahora lo llevo a la práctica¨; no en vano coprodujo este debut. Y con un gusto exquisito, que aquí hay cello, percusiones y un buen número de instrumentos sin acreditar, siendo lo normal en estos casos acabar sonando como la orquesta de aficionados de nuestra pedanía, cosa que Luke consigue evitar permitiendo que se perciban los detalles al escuchar con atención, al buscar los añadidos.

NEW ORDER
Low-Life
factory, 1985

Que la segunda parte de la década de los ochentas nada tuvo que envidiarle a la primera no es un secreto para nadie. El tercer álbum de New Order es uno de esos discos imposibles de olvidar, y que supo escarificar a fuego un punto de inflexión con todo un pasado. En 1985 ellos todavía cargaban con el estigma de ser los sobrevivientes de Joy Division, sin embargo los discos anteriores de la banda fueron creando los cimientos necesarios para que "Low-Life" haya representado lo que fue y lo que todavía hoy significa. ¿Acá se escuchan otros ochentas? Sí, porque las guitarras, de un pop tan existencialista como delicado, no se interponen a la primera persona que marcaban los sintetizadores en varios tracks, mientras que las inflexiones vocales de Bernie Sumners se aunaban con los sintetizadores exponiendo una melancolía profunda, pero también aptísima para la pista de baile.
A kilómetros de la frivolidad sin sentido de muchos de sus contemporáneos, éste álbum condensa la otra cara del pop de máquinas inglés con hits sinceros e inolvidables: ahí están “Sooner Than you Think”, “The Perfect Kiss” o “Love Vigilantes” como pilares de una obra que, con mucha justicia, supo ser declarada como uno de los 100 mejores discos de la historia del Reino Unido.

HAPPY MONDAYS
Bummed
factory, 1988

Para su segundo trabajo "Bummed" publicado a fines de 1988 los Happy Mondays evidenciaron un progreso notorio tanto en la calidad de sus composiciones como en la solidez y consistencia con que sonaban. Sin una canción verdaderamente floja el disco comenzaría a mostrar la importancia que luego adquiriría la banda en el rock del Reino Unido y en la movida conocida como 'Madchester' más precisamente, abuso de drogas incluido.
Martin Hammet, famoso productor de Manchester y especialmente reconocido por estar junto a Joy Division y New Order en su mejor momento, trabajo en "Bummed" poniendo su marca y cristalizando el sonido de la banda con guitarras ácidas sobre bases bailables.

GIRLS AT OUR BEST!
Pleasure
happy birthday, 1981

Nacieron en Leeds, cuna del post-punk más combativo. Allí, o peleabas dentro del Frente Nacional o te montabas una célula insurgente escuchando a Gang Of Four, Mekons o Delta 5. Al lado de las barricadas, Girls At Our Best pintaban bien poco. En Leeds les consideraban demasiado blandos. Sería por la voz de opereta forzada que ponía su cantante, Judy, o por lo mucho que se anticiparon a las formas de la new wave, aparentemente más frívolas y coloristas. Lo cierto es que el grupo no le dio la espalda a la realidad que vivía, llegando a escribir una canción (“Politics”) que merece ser citada en la historia del post-punk. Por su voluntad ultrapop en época de conflictos. Fue su segundo single. El primero (“Nowhere Fast”, versioneado años después por Wedding Present) tiraba más de post-punk a lo Raincoats. Su elepé, “Pleasure”, ya anticipa las bondades de la New Wave.

THE PRIMITIVES
Lazy 86 - 88
lazy, 1989

Para muchos The Primitives no serán más que "Crash", pero otros recordamos perfectamente todos y cada uno de esos primeros singles publicados en Lazy Records, la posterior ascensión del grupo, la lucha de adolescentes decantándose por Tracy Tracy de los Primitives o Andrea de Darling Buds (Andrea siempre fue más guapa, pero Tracy Tracy nos parecía que cantaba mejor). En fin, que en esos finales ochenta las rubias oxigenadas nos traían de cabeza….

BEAT HAPPENING
You Turn Me On
sub pop, 1992

Podrían sonar a la Velvet Underground, pero no. Podían ser un simple remedo de los Young Marble Giants, pero tampoco. "You Turn Me On" añade a su belleza formal la consideración de disco más perfecto de un grupo que no se preocupa demasiado por el acabado. Algunos pueden pensar que ésa precisamente era la base de su candor y su atracción. Efectivamente, pero Beat Happening también tenían canciones, además de que el grupo, y en general, todo lo que toca Calvin Johnson era el reflejo de su desbordante personalidad y sus particulares mundos interiores. Tan pronto puede parecer un vampiro acechando a su presa como unos Cramps con un Lux Interior con colmillos (Pinebox Derby), como a continuación nos hace viajar en su cochecito de juguete con un repetitivo We cry alone de los coros de la fabulosa "Teenage Caveman", al modo de los Yo la Tengo de "Fakebook".

LE MANS
Le Mans
elefant, 1993

Muy digno sucesor del álbum que sacaran bajo su anterior nombre, Aventuras de Kirlian, sigue básicamente las mismas pautas, con Beat Happening, Orange Juice, Young Marble Giants (dulcificados) y el twee pop británico como referentes. En sus discos posteriores harían algo más compleja (aunque no necesariamente mejor) su propuesta, perdiendo algo de esta frescura e ingenuidad que los hacía tan especiales, si bien ganando en melancolía.

FAMILY
Un Soplo En El Corazón
elefant, 1994

Que se puede decir de este disco... una de las obras imprescindibles del pop español, una obra perfecta de la primera a la última canción.
"largo es el camino, oscuro el mapa del viajero que otea el horizonte, parece tan cansado, tantos cambios en el mapa que había dibujado"

THE PASTELS
Up For A Bit The Pastels
glass, 1987

The Pastels son también uno de los grandes para los seguidores del indie-pop canónico, aunque no hace falta ser un acérrimo defensor de un sonido determinado para que a uno le gusten los Pastels. Eso sí, la banda escocesa tuvo una importancia capital en la cada vez mayor presencia de un determinado rock de guitarras en el Reino Unido en los ochenta, después del baile rítmico del post-punk, que culminaría en el mainstream con The Smiths y en el underground con The Jesus and Mary Chain (más o menos, bueno). Con respecto a lo que nos encontramos en los singles anteriores a su debut en formato LP, en "Up for a Bit With the Pastels" todavía hay algo de ruido, pero en gran medida este ha visto reducida su presencia a favor de unas guitarras ligeramente más cristalinas.

THE HOUSE OF LOVE
1986-88: The Creation Recordings
strange fruit, 2001

The House of Love se formaron en 1986 en Camberwell, Londres por el cantante /guitarrista Guy Chadwick, inspirado por un concierto de The Jesus & Mary Chain en el electric Ballroom en Londres y de haber escrito una nueva canción llama "Christine". Chadwick optó por el nombre The House of Love para su nueva banda después de leer el libro de 'Anais Nin A Spy in the House of Love'. Los comienzos fueron algo accidentados, ya que inicialmente escogieron a un dudoso guitarrista que posteriormente resulto ser un traficante de speed; "... un "chiflado completo" Chadwick se asoció con un viejo amigo - el baterista Pete Evans - y reclutó el resto de la primera House of Love a través de un anuncio en el Melody Maker.

THE CLIENTELE
Suburban Light
pointy, 2000

Grupo que decide unirse en 1997 y establecerse en la ciudad de Londres para trabajar. El resultado de este cuarteto es "Suburban Light", un disco increíblemente melódico y fino que nos remite de inmediato a las bases y fragmentos de cualquier grupo de calidad de los 60, con los que The Clientele juega y transforma en algo nuevo y mágico. La mayoría de las canciones suenan bajo una misma línea y con una voz sobresaliente (Alasdair MacLean), tan peculiar que parece de un sueño viejo, de una época dorada en donde todavía la música era pura y sincera, con pocas máquinas y más orgánica. Dejan ver, asimismo, sus más claras influencias en cada corte; de una u otra forma ahí están Velvet Underground, Television y Joy Division, y de lo nuevo se acercan más al estilo de Alfie y Belle & Sebastian.

SAINT ETIENNE
Foxbase Alpha
heavenly, 1991

Una radio francesa nos da la bienvenida al delicado mundo de Saint Etienne lleno de samples de peliculas, preciosas voces femeninas y ritmos cautivadores. Un debut cargado de pop poco convencional inspirado en los 60, por momentos orientado al House y otros al Indie pero con un nexo en comun, el apasionante y optimista viaje hacia nuestra juventud.

(((descarga)))

"New Wave, Sarah & C86" es un programa especial de El Sueño del Esquimal, en transmisión esta noche de jueves a partir de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso.
On line desde aquí...

El Sueño del Esquimal #336, jueves 20 de Octubre

2011-10-17T20:24:00.025-03:00

Valparaíso imperdible!, la escena independiente porteña sale a la luz.

Tronadas Leves Con Posibles Precipicios
(Varios Artistas)
edicionesnimia/ediciones alcohuaz, 2011

Siempre situado en un segundo plano, silencioso, disperso y muchas veces desdeñado el panorama sonoro regional (Valparaíso) se abre paso lentamente en medio de la neblina costera, con empuje y nuevas ganas un puñado de jóvenes músicos va alterando las direcciones de un ambiente subterráneo por mucho tiempo complaciente y tibio, el compilado "Tronadas Leves con Posibles Precipicios" ideado por Felipe Ugalde (Flores de Bach) y Julio Lamilla nos muestra ese cambio de parecer, agrupaciones y solistas que no temen entrar en territorios experimentales o de búsqueda personal, abordando la electrónica, el ruido, la estancia lo-fi, el paisajismo extendido y el folk apocalíptico, un ancho mapa con raíz convergente entre mar y cerro.
La mayoría de ejecutantes que aquí se presentan son del Puerto y Viña del Mar + algunos invitados exteriores, entramos en vereda con el rock nuboso de Ciego y Sordo y el primer corte "Ellos", atmosférico y cadencioso donde la guitarra acústica se muestra con calidez seguida de una percusión programada, el arrebato de una voz intuitiva que sabe bien decorar el ramaje lo-fi, ya más folk y terminal en "Maleza", trazo leve y distanciado donde Ciego y Sordo parece perderse en el susurro de la memoria y la vivencia, con sencillez nos abraza la llovizna.
Fotogramas es otro proyecto que llama gratamente la atención con su (post) rock instrumental a lo Dif Juz o Belver Yin, "Emociones y Ecuaciones" es un temazo que -como su nombre lo dice- transita entre la lucidez y el desgarro, sonido claro y directo que invita al vuelo planeador, acelerando el tempo en "Proyecciones" crea un ambiente ultra-sugestivo tomando grabaciones de niños que corren en la plaza dominical, minimalismo matemático que expresa imágenes en un espiral constante de guitarras afiladas, les seguiremos la pista. Pero ahora pasaremos a la estación maquinal de Lluvia Morada (proyecto del porteño Felipe Klaue), que entrega el horizonte siniestro de "Lluvia Azul", artefacto ruidista transmutado hasta los precipicios más insanos de la conciencia explorativa, un verdadero agujero negro que absorve en sus primitivas fauces, para esto el retorno perfecto vendría siendo "Lluvia Dorada", logramos ponernos de pie.
Y si "Tronadas Leves..." entra en la frecuencia subterránea de una ciudad como Valparaíso era casi imposible que no aparaciera en este muestrario la figura delgada de un viejo estandarte de estas lides, Mosé Noé (ex-Frio Intenso, Nube Sur, Mono de Indias, etc) con su noise-pop cargado a los pedales y esa visión contemplativa de sus canciones tímidas y quebradizas, le da honor a su admiración por The Jesus And Mary Chain en "Estruendo", nueva toma agudizada para un antiguo tema que Frio Intenso nunca llegó a grabar, esa voz indolente que regresa en "Una Niña" y que pareciera traernos las repuestas que tanto necesitamos, la calma.
Así también la solemnidad de Gonzalo Saez nos sorprende en "Oh, Ser!", su voz grave se apodera del paisaje intimista hasta hacerlo palidecer, una canción profunda que nos traspasa toda la carga emotiva de la existencia y su extraño ciclo impertubable, la intuición. Nos vamos hacia el synth-pop expansivo de Oseas Martinez en "Todos Somos Esclavos", contorneándose entre los destellos y la oscuridad más fascinante, se dejan llevar en un interesante juego vocal que sutilmente alcanza la seducción, mantenida además por "Tú Lo Dijiste, Somos Solo Arena", otra vez besando aquellos 'posibles precipicios'.
De pronto ya nos encontramos en el bosque cósmico de Flores De Bach tratando de ver más allá junto a "Arbusto Negro" y "Sur", música tenue y sedante tomada desde las profundidades del espacio interior, destacada agrupación que ya hemos tenido antes en el espacio esquimal y de la cual recomendamos sus presentaciones en directo siempre planeadoras. Diente Diamanto mientras tanto nos propone volver al refugio de la inocencia en "Ni Una Sola Letra", canciones en duermevela como un cuento que revolotea en la imaginación del niño-hombre, "Un Río Un Sueño" y las voces que se quedaron ligadas en la caja de resonancias, contigo el tiempo.
"Tronadas Leves con Posibles Precipicios" no podía tener un nombre más exacto, como el primer vistazo ante un jardín que florece en secreto, en ella además encontrarás la fragilidad de República Independiente, el sonido marciano de Niña Ciboulette, las secuencias minimales de ni y la alborada sicodélica de Samuel Maquieira.

Descárgalo y sentirás el mar.

Raúl Cabrera H.

STEPHAN MATHIEU
A Static Place
12k, 2011
Remain
Line, 2011

Hay tres hechos que hacen que debamos considerar a estos dos discos como discos hermanos. Lo primero que motiva ello es su fecha de salida al mercado, ambos el 1 de febrero. Lo segundo es que aparecen en sellos muy ligados entre sí, uno en 12k y el otro en Line, antes subsello del primero. Por último, los dos fueron grabados y procesados prácticamente en la misma semana en 2008 y casi idénticos equipos. Todo eso descontando el hecho obvio que pertenecen al mismo artista. Queda por ver cual es el hermano mayor y cual el menor. Nacido en 1967 en Saarbrücken, Stephan Mathieu es otro más de los artistas sonoros que con cierta facilidad salen de Alemania. Antes miembro de Stol –previo hay una etapa como baterista tirando a la improvisación–, ya desde el 2000 ha editado una treintena de discos, explorando los campos tanto de la electrónica analógica como digital, lo tangible como lo volátil. Su nombre ya ha figurado en catálogos tan importantes como los de Ritornell, Fällt, Häpna y Orthlorng Musork. ¿Un lugar en su vasto espectro? “The Sad Mac” (Vectors–Headz, 2004).

“A Static Place es sobre el viaje del sonido”. Grabaciones de las primeras interpretaciones del gótico, el renacentismo y el barroco en discos de 78 rpm. puestas en un gramófono. Las ondas viajan un largo trayecto hasta ser recogidas por micrófonos, luego transformadas y finalmente llegar hasta lo que tenemos, un CD de sesenta minutos. Esto es música que se niega a morir, pero si esperan oír clavicordios, violas, pues se sorprenderán al escuchar como esos sonidos, como esos timbres se convierten en algo muy diferente. La transformación sufrida por el ‘análisis espectral’ y el ‘proceso de convolución’ hacen creer que hace dos siglos ya se hacía ambient. Más allá de entender o no el proceso más detallado, “A Static Place” es un disco que se sostiene por sí solo, aún desconociendo ciertos conceptos. Pero el hecho de saberlo, aunque sea de manera somera, le dan más valor del que ya tiene, el de ser un disco de esos en que el tiempo no cuenta –“No hay un ahora aquí”, decían por ahí–. Grandes líneas en música para nada lineal, movimientos extensos, donde los ecos del pasado se escuchan muy remotamente, grandes paisajes monotonales con misterios ocultos en los surcos que han sobrevivido a casi todo. Pero si de grandes paisajes hablamos, tenemos “Remain”, cuyo origen esta también en material de terceros. Hace tres años se publicó “Extended Play [Triptych For The Child Survivors Of War And Conflict]” del músico Janek Schaefer (Line, 2008), e igual que el anterior recurría a un sistema complejo recurriendo a composiciones antiguas. La fascinación de Mathieu por ese disco lo llevo a crear el suyo, en base a ese. Micrófonos colocados en diferentes lugares de una casa de tres pisos mientras suena el CD de Schaefer en diversas fuentes distribuidas en el piso, de una manera similar a la fuente reflejada. Y eso, otra vez un proceso complejo, da lugar a una sola pieza de sesenta minutos. Así vemos como los tres datos previos nos hagan ya afirmar que estos son dos discos hermanos. Esta versión es una extensión del anterior, aunque sea de duración similar, lleva sus materias primas hasta la extenuación, la melodía invariable hasta que se consuma y se vuelva de un rojo abrasivo, tal y como se ve en la portada. Un monumento al rescate y a la celebración de la obra hecha ajena, modifica por completo y hace que revisemos el concepto que teníamos del remix.

La duda acerca de cual es el hermano mayor aún no la tengo resuelta, y si tuviera que elegir entre quedarme con uno o quedarme con otro, solo podría decir que los escojo a los dos. Ambos tienen un poder y un atractivo que otorgan algunos trabajos, mayormente ignorados, a un costado de casi todas las listas, pero que reconfortan tanto como una canción de tres minutos. Stephan Mathieu no tiene que probar nada, solo confirmar, y lo hace por partida doble. Él y el remanente de un lugar estático.

Hawái.

FOURCOLOR

As Pleat

12k, 2011

Es momento de escuchar música agradable. De un tiempo a esta parte he oído obras con demasiado peso, demasiado cargadas, quizás no tantas, pero bastan pocas para sentirse apesadumbrado. Y para alivianar el oído, un poco de música más liviana –no se si este comentario sea tomado por alguien como un halago, pero sí que lo es–. Fourcolor, proyecto ya conocido y consolidado, y este nuevo álbum corresponde ya al quinto trabajo, el tercero para 12k, y el artista y compositor que crea estos paisajes cristalinos es el japonés Keichi Sugimoto, un personaje inquieto que a su vez mantiene otras interesantes entidades musicales, tales como Minamo, Fonica y FilFla, además de dirigir el sello y productora CubicMusic, y en todas y cada una de ellas hay un hilo conductor que se refleja en cada aspecto, desde el sonido hasta la imagen. En el caso de Fourcolor el es el único a bordo, quien se encarga que cada detalle este en el lugar correcto.

Aparcado este proyecto desde “Letter Of Sounds” (12k, 2006), “As Pleat” es un claro reflejo y un fiel representante del sonido de 12k, quizás no tanto del actual, pero sí del de unos años atrás, el mismo que él, entre otros, ha ayudado a forjar. Es electrónica pero a veces no, es ambient pero también folk, es música microscópica pero también llanuras atmosféricas. Cada elemento esta dispuesto de manera que a los oídos llegan como masajes relajantes, como si durante una hora no hubiese problema alguno ni preocupaciones, más que las de saber que esto se acabará más temprano que tarde, y otra vez volver a la realidad. Pero es suficiente con tener estos cincuenta minutos de tranquilidad y sosiego. El disco comienza con “Quiet Gray 1”, y desde ya avisamos que Keichi no está tan solo como pensábamos. Una voz de otro planeta, uno de fantasía, interviene con delicadeza. Ella es Sanae Yamasaki, la chica que editó hace un rato “Drape” (12k, 2007) bajo el nombre de Moskitoo, y quien juega con sus cuerdas vocales mientras Fourcolor hace lo mismo con la guitarra, una manipulada con efectos y ecos. “Skating Azure” se tambalea entre la electrónica repetitiva, bajos fuertes y una rítmica muy marcada. “Ecru Driver” parece una balada de folk digital casi irreconocible. “Snow Petal” se ahoga en una piscina de ruidos bajo el agua, pura belleza sintetizada. Y si hablamos de eso, de la belleza, esta está por todos lados: la hay en “Canary Breath”, o los Tape con su cara más sintética. Está “Bleach Black”, que parece ser como un guitarrista tirado a la improvisación, pero sin perder nunca de vista la canción. También se halla en “Frosted Mint”, otro ejercicio de folk inmiscuyéndose entre capas de ambient espacioso. La encontramos en “Carmine Fall”, o una actualización del universo de Oval, aún más pop que el mismo Popp. Y por supuesto que se cuela por “Iris (Familiar)”, el segundo track donde hace su aportación Sanae –suya es también la pintura de la portada–, más suelta aún, más cándida aún: una canción en pleno florecimiento.

“As Pleat” tiene diez canciones, diez soles que no tienen nada de desperdicio. Música delicada, frágil, ligera en el buen sentido, el único sentido posible. Entre alientos de canarios, helados de menta, pétalos de nieve y caídas de carmín, esto es un primor de canciones transparentes. A pesar que estamos recién en junio, y que ni acá ni en Japón nos encontramos viviendo esa estación, para mí y para nosotros ya ha comenzado la primavera. Los jardines empiezan a brotar. Las flores comienzan a sacar sus pliegues, y las canciones, como las de “As Pleat”, muestran su esplendor, el esplendor de un pop de ensueño, un pop para soñar.

Hawái.

ELEANOR FRIEDBERGER
Last Summer
merge, 2011

"Last Summer" es el album debut de Eleanor Friedberger, que con el nombre podrá no decirnos nada, pero si lo juntas con el de su hermano Matthew, tendrás al 100% de The Fiery Furnaces. Ahí la cosa cambia, no obstante, ese grupo es el responsable de alguno de los mejores discos (y siempre según mi opinión) de la década que acabamos de dejar atrás, véase el magnífico "Blueberry Boat" de 2004 que aún no paramos de escuchar.

No tenía ni idea de la salida de un trabajo en solitario, ni tampoco de que pasa o que pasará con su hermano y el proyecto de The Fiery Furnaces como banda. El caso es que "Last Summer" es un disco que entra a la primera escucha con asombrosa facilidad (otra diferencia con The Fiery Furnaces) y está repleto de buenas canciones. Curiosamente "My Mistakes", la canción que abre el disco es el tema elegido como single siendo la que menos me gusta. Otras, como "Inn of the Seventh Ray", "Glitter Gold Year" o "Heaven" son auténticos temazos.

Muy lejos del estilo de Lykke Li y sin la voz de Leslie Feist, tal vez lo que más me venga a la cabeza sea la Charlotte Gainsbourg de IRM pero sin máquinas. En definitiva 10 canciones muy apañadas, sin excesos, perfectas para escuchar en estas tardes de verano tan aburridas.

¨I thought I’d learned from my mistakes¨

desde
indiecaciones.wordpress.com

Sueño Esquimal en transmisiòn esta noche de jueves, a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87-7 fm desde Valparaíso y en línea desde aquí...

El Sueño del Esquimal #335, jueves 13 de octubre

2011-10-11T20:12:00.017-03:00

Proto-electrónica sobre campos de hielo & Ruido líbido entre corrientes submarinas.

DUM DUM GIRLS
Only In Dreams
sub pop, 2011

Confieso que no hice demasiado caso a "I Will Be" (2010), el debut discográfico de la banda liderada por Dee Dee Penny. No me pareció mal disco en absoluto, pero no fue hasta el concierto del pasado 'Día De La Música Heineken' cuando comencé a prestarles más atención. Aún recuerdo el calorazo que hacía a esas primeras horas de la tarde, pero tampoco puedo olvidar el estupendo recital que ofrecieron, gracias al cual estuve escuchándolas sin parar en los días posteriores al festival. Además de las canciones de su debut y de "He Gets Me High", el EP que sacaron a principios de año, adelantaron algún que otro tema de su nuevo largo, que lleva el título de "Only In Dreams", editado de nuevo por Sub Pop.

Musicalmente, lo propuesto en estas diez canciones no dista mucho de lo que conocíamos del cuarteto: temas directos, garajeros y melódicos de entre tres y cuatro minutos. Eso sí, este segundo round las encuentra más cómodas (aún si cabe) con su entorno y con una mayor seguridad tanto vocal como instrumental, además de con una producción ligeramente más limpia, que define mejor cada parte. El álbum tiene miga desde principio a fin, y aunque cada canción tiene su magia particular, hay dos que destacan: "Bedroom Eyes" y "Coming Down". La primera supone el single perfecto, puesto que define el estilo de Dum Dum Girls a las mil maravillas, es pegadiza, y tiene un puente (cuando Dee Dee canta “I fear I’ll never sleep again”) que cada vez que suena, los pelos se ponen automáticamente de punta. La segunda, que con sus casi seis minutos y medio se pasa de largo de la media de duración, es la parte más reflexiva del disco. Como siempre, la deliciosa voz de Dee Dee está al centro, acompañada de unas guitarras sencillas, pero muy efectivas.

Que estos dos temas sean algo así como el ariete de "Only In Dreams" no quiere decir, como decía, que lo demás sea paja. Otros cortes como "Heartbeat", "Caught In One", "Always Looking" o "Wasted Away" andan sobrados de buenos estribillos y ritmos que deberían hacer bailar hasta al más sieso de la fiesta. Es cierto que los parámetros de este revival garajero son algo limitados, pero sorprende la vuelta de tuerca que se le puede dar a una fórmula bastante machacada. Es evidente que siempre que haya una buena melodía, todo lo demás está justificado e incluso se pueden alcanzar cotas bien altas.

por Quietmansmiling
desde jenesaispop.com

COM TRUISE
Galactic Melt
ghostly international, 2011

Hace algunos meses se publicó la versión digital del álbum "Galactic Melt", del productor de New Jersey, Seth Haley. Después del imprescindible "Cyanide Sisters EP", remixes para Twin Shadow, Daft Punk, Neon Indian, Ana Lola Roman entre otros, además de bonus tracks y su reciente single "Fairlight".

Com Truise, el maestro de la nostalgia robótica, propone un universo re-imaginado en donde la psicodelia es un medio para obtener una experiencia extracorpórea. Sonidos sci-fi de programaciones cinemáticas y secuencias Synthwave con circuitos paralizantes. Once pistas sónicas que intranquilas arden dentro de ensoñaciones retrofuturistas y relatos de máquinas, naves intergalácticas, astronautas, sintetizadores y sexo VHS.
"Galactic Melt" de Com Truise puede ser ordenada en formato CD o vinilo a través de Ghostly International.

por Miguel Anguel Correa
desde felinno.blogspot.com

KRENG
Grimoire
miasmah, 2011

"L’autopsie phénoménale de Dieu" (2009), ya fue un disco que te transportaba por senderos de maleza y misterio, para convertirse en una especie de banda sonora imaginaria realizada por el belga Pepijn Caudron, pivotando por restos de jazz y tinieblas ambient pensadas para el teatro. "Grimoire" vuelve a repetir en intenciones y al mismo tiempo entrega nuevos matices que consiguen crear atmósferas de tensión por ejemplo en "Le Bateleur", que con su pulsación firme y contundente te recuerda que siempre hay que mirar atrás por si hay alguien, "Opkropper" te sigue turbando con las voces operísticas que Caudron encuentra y que te hace caer en la intención del título: 'Grimorio'. Libro de las brujas, hechizos, encanterios y 'Valerie a týden divu', 'Das Cabinet Des Dr. Caligari' o una representación de la locura de Dorian Gray, etc. Imágenes que cristalizan mientras te ha movido durante los primeros cuatro temas, con el piano de Nils Frahm hasta el climax agorero de "Wrak", donde las brujas están empezando a desarrollar sus maquiavélicos planes en la media noche. El final del mismo tema hace también sacar a relucir el nombre de James Kirby, gracias a cortes como "Girl in Fishtank", pero "Ballet Van De Bloedhoeren" es un ejemplo más clarificador de la tensión que maneja Caudron, sometiendo al oyente a un universo mucho más asfixiante en su clasicismo. Esta segunda parte del disco, te conduce por senderos donde más que tensión y suspense, se manejan atmósferas enrarecidas e irreales, intentando retar a la cordura hasta llegar al desenlace de "Satyriasis", donde te envuelve entre la seducción inicial de un jazz sonámbulo para luego dejar que vaya creciendo la niebla y despertar en pastos donde poco a poco te vas dando cuenta que tan solo te rodean tumbas y aunque aparentemente todo se mueve en calma, tienes la sensación que nada va bien y te atemorizan el no saber que haces allí, para ir dejando paso a quién o qué te echará la mano o el aliento sobre el cogote. "Konker" cierra, y te deja a solas con el asesino en serie, pero mejor no desvelar el final de la película que ha imaginado Kreng y recomendarles llegar hasta el final de "Grimoire". Nuevo Fantasma Miasmah.

por Poleonmars
desde es.paperblog.com

MATANA ROBERTS
Coin Coin Chapter One: Gens De Couleur Libres
constellation, 2011

Primer capítulo de una serie de discos que inicia Matana Roberts en el sello Constellation (Godspeed You! Black Emperor, Esmerine, Evangelista, etc). Un interesante y profundo trabajo de jazz de vanguardia que avanza desde el free jazz de "Rise", el corte que abre el álbum, hasta la dulce "How Much Would You Cost?". También hay sitio para los momentos en los que la propia Matana Roberts toma la voz e introduce flashes de spoken word. Como homenaje al sello que lo publica, "Gens De Couleur Libres" también tiene momentos de quietud y calma en la órbita post-rock, es ante todo, un disco sumamente variado.

El saxo de Matana Roberts es el absoluto protagonista de un disco complicado y árido, que exige al oyente, pero también aporta momentos de increíble belleza. Estructuras muy cambiantes y esquivas. La voz toma presencia en "Libation for Mr. Brown: Bid Em In…" un impactante tema construido en su primera mitad solo a partir de la voz. Lo mucho que puede transmitir tan solo con su voz, tal vez se echa en falta su presencia de esta forma más en el disco, pues es realmente sólida e impresionante

El título del disco tiene una clara connotación social, haciendo un repaso a la historia de la población negra americana. El disco te obliga a escuchar, para ver qué es lo que tiene que decir. Estamos ante un álbum que puede llegar a ser muy grande, tiene un concepto y recupera el riesgo.

por Alberto
desde musicwebzine.wordpress.com

JOHN FOXX AND THE MATHS
Interplay
matematic, 2011

Nadie podía esperar que tras su desaparición del espectro musical a mediados de los años ochenta John Foxx experimentara desde 1997 un regreso tan prolífico. Y tan valiente, ya que mientras otros cerebros exprimidos de la proto-electrónica británica como Richard H. Kirk se han limitado hace años a la edición digital, Foxx no para de publicar CDs, DVDs y vinilos aparentemente ajeno a la creciente fantasmagoria. The Maths es en principio un proyecto ideado por Ben Edwards, alias Benge, para dar salida a la colección de sonidos que atesora en su estudio de Londres. En él se han facturado excelencias como "Broken Wave " de Hannah Peel. Como era de esperar, John Foxx no ha podido resistirse al ofrecimiento.
El resultado es un disco de diez. Un serio competidor del mítico "Matematic" (1980). Vivimos tiempos de resurrección y desde Scorsese ya sabemos todos que Lázaro no regresó igual de guapo. Pero el milagro de Foxx sí es estéticamente impecable. En "Interplay" ha sabido conjugar al fin todas sus ventajas comparativas con milagrosa sincronía. ¿Será que me tira demasiado el synth pop? ¿Será tan irresistible el magnetismo analógico?. El sopapo a la avaricia bancaria que es "Shatterproof" recuerda a lo mejor de Cabaret Voltaire ("The Crackdown", 1983).
"Interplay" es Satie cibernético y una oda al error. "Evergreen" y "Summerland" son sencillamente dos de las mejores composiciones de Foxx. Adictivas, europeas, optimistas, melancólicas. "Watching A Building On Fire" (Foxx, Benge, Mira Aroyo) transmite la recurrente desazón de J. G. Ballard, pero "A Falling Star" nos recuerda que más allá del ruidoso tráfico existe la belleza. Foxx se ha reinventado de nuevo, y con él, el pasado. Aleluya.

por José Manuel Caturla
desde rockdelux.com

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 13 de Octubre a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso y en línea sintonizanos aquí...

El Sueño del Esquimal #334, jueves 6 de octubre.

2011-10-03T21:55:00.030-03:00

Canciones celestes girando en la frecuencia polar, ambientes díscolos y un vuelo nocturno sin regreso hasta el tríangulo esquimal.

ZOLA JESUS
Conatus
sacred bones, 2011

En 2009 cuando le conocimos por discos como "New Amsterdam" y "The Spoils" nadie se esperó que la carrera de Roza Danilova aka Zola Jesus creciera tan rápido y tan alto, a la manera que hoy la tenemos convertida en la sacerdotisa mayor de una escena plagada de brujas y sombras que profanan y seducen desde las nuevas esquinas del Noise, Synth, Garage y WavePop, es extraño pero el horizonte por ahora es oscuro y con 22 años Zola Jesus quiere reinar en ese altar de hielo, para esto le sobra actitud y nos regala con calidez esta ofrenda de Dark Pop llamada "Conatus" un álbum tan bello como excitante, música refinada y mágica para un mundo sin futuro.

Se abre el telón de este teatro pagano con la intro "Swords", entre zumbidos electrónicos y golpes de batería programada aparece esa voz inconfundible, puede encontrarse lejos pero llena la habitación y tu cabeza además, poderosa fuente de perdición y lucimiento, Zola Jesus no es una banda, es un proyecto en solitario, pero ha sabido armar su circo negro junto a músicos que la acompañan comúnmente en sus provocadoras presentaciones en directo como el baterista Nick Johnson que echa una mano en varias pistas aquí o su amigo Brian Foote que co-produce el disco junto a Roza, también colaboran con arreglos de cuerda Sean McCann y Ryan York.
La atmósfera opresiva de "Avalanche" parece venir desde "Pornography" con esos teclados mortuorios que enrollan y el canto médium que domina a través de la profundidad brumosa, "Vessel" es el primer sencillo del álbum, una canción de aspecto sintético que guarda todo el poder de una artista en estado de gracia, se contornea y se adelanta en la densidad con una firmeza innata, cada pieza ha sido tratada con refinamiento y siempre con ese halo experimental que las eleva entre ruidos, glitches y quiebres imprevistos, el trayecto es intenso y seductor, cuesta muy poco entrar en este bosque nocturno con esta hada que llama desde el centro del rito. La fineza 4AD se cruza por "Hikikomori", Zola Jesus invoca el manto de Liz Fraser, Siouxsie, Lydia Lunch y Diamanda Galas, pero ella es actualidad y convicción estética para una nueva danza sombría como en la enigmática "Seekir" que serpentea con distinción por ecos y pulsos electrónicos, "Conatus" es un disco de consolidación sin dudas para Zola Jesus, la pequeña muchacha autodidacta que ha logrado remecer la escena, recorriendo la planicie lo-fi hasta el sonido expansivo y fascinante. Hermoso diseño de portada además creado por la propia Danilova. Un tesoro.

Raúl Cabrera H.

VERONICA FALLS
Veronica Falls
slumberland, 2011

Desde Glasgow a Londres, a estos les hemos seguido la pista desde que publicaron su single debut "Found Love In A Graveyard" a comienzos de 2010. Veronica Falls son un cuarteto en paridad de géneros, 2 y 2, Roxanne Clifford (guitarra y voz) y Patrick Doyle (batería), con Marion Herbain (bajo) y James Hoare (guitarra y voz), lo de ellos son las canciones, canciones embellecidas que toman tanto del Pop fisurado de The Velvet Underground y Galaxie 500, como del C-86, lo-fi, sonido retro y una sugerente dosis de oscuridad que se cuela a momentos, el resultado de la combinación es apasionante y este primer Lp homónimo llega como refugio salvador para el alicaído Rock Británico actual, por algo será.
Dentro de los 12 tracks que componen "Veronica Falls" vienen 5 que ya fueron parte de los singles que han editado + 7 temas nuevos, comienzan con la inspirada "Found Love In A Graveyard" un exquisito cruce de armonías vocales y arreglos bien cuidados, la producción quedó en las manos del experimentado Guy Fixen (ex-Laika y que alguna vez trabajó para My Bloody Valentine en el disco "Loveless") y Ash Workman (Metronomy, Summer Camp), el sonido se ha fortalecido y le han aplicado una energía liberadora a temas como "Right Side Of My Brain" o "The Fountain" que te suben en una ola de sacudidas y encantamiento, los duetos vocales de Roxanne y James suenan perfectos y "Misery" es una de esas canciones que acarician con ciertos aires a The Mamas & The Papas, para después sacar un manjar tipo 4AD en "Bad Feeling" entre Pixies y The Throwing Muses, bien cuenta la historia que los 4 jóvenes se conocieron en una tocata de los magníficos Comet Gain, ingenio y buenas influencias puestos en un manantial cristalino de melodías y también de ruido como en el trazo After-Punk de "Beachy Head", temazo. Y por supuesto la dulce "Stephen" que parece sacada del "Come On Pilgrim" de la nave de Boston piloteada por Black Francis y Keam Deal.
Veronica Falls son brillantes y se han tomado su tiempo para publicar este disco por Slumberland Records, originalidad e inocencia british sin nada que envidiar a The Pains Of Being Pure At Heart y a la nueva corte Noise Pop, se encuentran más cercanos y más arriba flotando en algún lugar del espacio.
Corazón Sarah Records para solitarios.

Raúl Cabrera H.

WASHED OUT
Within And Without

sup pop, 2011

Si la portada de una pareja desnuda a medio de coito es una indicación de un LP exitoso, entonces no hay imagen más romántica de la música indie actual que el álbum debut "Within and Without" de Washed Out. La tecnología ha permitido un cierto grado de autonomía artística que ha revolucionado la forma de hacer música, Ernest Greene ha hecho un álbum de canciones SynthPop, con un mensaje de escapismo, funciona porque la gente puede escuchar su música y perder el control de la realidad.

A lo largo de nueve canciones y un apretado 40 minutos, no hay un solo falso en este álbum, en cambio, hay toda una serie de progresiones de acordes y melodías que encajan a la formula ya probada por Ernest Greene, que parece haber pasado su tiempo perfeccionando el sonido de cada canción. Esta es la música sutil y por lo tanto se espera que pueda evitar la sobreexposición. A pesar de la la creciente popularidad, todavía se siente como un álbum secreto, a prueba de hipsters.

"Within and Without", es un equilibrio inteligente de la melodía y el estado de ánimo, consolidando aún más a Greene como el líder indiscutible en la actual creación de música de dormitorio. MySpace está lleno de gente que hace algo similar, pero no tienen las mismas habilidades para escribir canciones con tanta visión. Ben Allen es productor del disco y el hombre detrás de muchos otros álbumes que eran igualmente capaces de innovar ("Merriweather Post Pavilion", "Halcyon Digest"), casi necesario darle al menos una escuchada a este álbum.

desde
www.indielogia.com

ATELECINE
The Falcon And The Pod
pendu sound, 2011

Seguir la ruta de ATelecine es un deleite, son un grupo experimentalista por excelencia, desde la plataforma Pendu Sound de Nueva York van desprendiendo Drone, Noise y ambientes marcianos sin ningún límite más que la búsqueda constante del espacio redentor, bien lo decía el filósofo sonoro John Cage_'Todo sonido puede transformarse en música', y ellos saben encontrar la atmósfera necesaria para mostrar cada una de sus orfanfades transatlánticas.
Formados a fines de la década pasada por la investigadora (en el más ancho sentido de la palabra) Sasha Grey y Pablo St. Francis con el tiempo se convirtieron en cuarteto junto a Anthony D'juan y Ian Cinnamon, luego de la edición de varios cassettes y Lp's, hoy lo que nos mueve a citarlos es la publicación de su flamante nuevo álbum "The Falcon And The Pod", un trabajo extraño y vanguardista en el que se revuelcan por subterráneos industriales, sitios nubosos y ruinas enterradas.
Puede que con el tiempo han mutado a tal punto que ahora parecieran entrar de lleno en el territorio dejado huerfáno por Throbbing Gristle y Coil, Industrial Records simbolista y vicioso, un lugar vaporoso con muchas frecuencias en caída donde las vocalizaciones aparecen como susurros dentro de la ventisca más tupida, los ritmos son siempre primitivos y la circuitería es sofocante, como un ciego encerrado en una habitación sin luz, transmiten muy bien la desesparación de estos tiempos, la expanden como gas venenoso en "4am", la confusión y la locura te toman en la desfigurada máscara de "Lost" un mensaje musical apocalíptico casi perdido en el silencio fúnebre, nada es regular todo es manipulación, las voces y la máquina tuercen el entendimiento, droga barata que te lleva por estados colapsados, enfermos, muertos.
Alucinaciones de baja fidelidad como pseudo-tributos a Death In June y Nurse With Wound, 'otredad' somnolienta de una figura cayendo en el acantilado más apartado y negro, así como una fuerza natural desconocida es la música de ATelecine, el sinte fantasma, el más apreciado demonio de guardia.

Raúl Cabrera H.

TAMMAR
Visits
suicide squeeze, 2o11

Tammar es un quinteto de Bloomington, Indiana, integrado por David Walter en voces, Evan Whikeheart en guitarras, Ben Swanson en los teclados y dos chicas a las percusiones Sarah Wyatt Swanson y Josephine McRobbie, "Visits" es su tercer álbum y primero bajo etiqueta Suicide Squeeze luego de 2 LP's por 'St. Ives Records' y su música se mueve entre el Shoegazing épico y una fase Space Rock marcada por la ritmica metronómica del Krautrock, una medicina encajada entre Catherine Wheel, Sun Dial, The Black Angels y los primeros Suede (sobretodo por las voces), aquelarre secreto y envolvente con el que desarrollan estados sonoros contundentes y a la vez sedantes, capas de guitarras en constante repetición, cabalgatas alienantes como en "The Last Line" con el soporte de unos sintes psicotrópicos y la voz mántrica de Walter que invitan a un tránsito placentero por las orillas salvajes de la inconciencia, las percusiones son machacantes por momentos a la manera de Moe Tucker en los Velvet Underground por lo que a ratos paracemos estar inmersos en un trance shamanístico de alguna secta perdida en los bosques norteños, en "Deep Witness" hay ecos de Spectrum y Darkside, la estela excursionista dejada por Spacemen 3 que no desaparece, una vertiente sónica e inquietante en que Tammar vuelca toda la acción, puede que esten algo frescos aún, pero la experiencia de todas maneras es reconfortante, para volar en la inmensidad de tu habitación.
Visitantes desde la otra orilla.

Raúl Cabrera H.

Sintoniza El Sueño del Esquimal todos los jueves a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm, desde Valparaíso, además escúchanos online por acá.

El Sueño del Esquimal #333, jueves 29 de septiembre.

2011-09-26T20:34:00.018-03:00

Buscando discos, emociones y conjunciones estelares, El Sueño del Esquimal transmitiendo desde tierras lejanas... además esta noche tendremos al proyecto noise El Pueblo De China con una sesión en directo desde el mismo antro de hielo, no te lo pierdas.

THE FIELD
Looping State Of Mind
kompakt, 2011

Recuerdo la primera vez que escuché el álbum "Quique" (too pure, 1993) de Seefeel y como lentamente la texturas y loops me fueron abduciendo en esa magistral obra de sonido electrónico ambientalista y abstracto, esa misma sensación de entusiasmo extremo la he sentido ahora con "Is This Power", generoso primer corte que trae el nuevo disco del sueco Alan Willner alias The Field, "Looping State Of Mind" es su tercera producción siempre desde la plataforma tenológica alemana del sello Kompakt y tal como en su ilustre debut "From Here We Go Sublime" (2007) The Field exhibe esa electrónica minimalista altamente adictiva encajada entre atmósferas lumínicas y confortables, con un arranque como "Is This Power" ya se tiene bien ganado un pedazo de cielo, campo abierto donde se cruzan la IDM noventera, Trance, Dubstep, Deep House y toques de Krautrock cósmico, ya más directo y bailable en "It's Up Here" con sencillez y amparado en la repetición que en sus manos es hipnosis prolongada y encantadora por lo demás, llama la atención su amor por la estética minimalista como en el diseño de las portadas de sus discos (los tres como una simple hoja escrita a mano) y que sabe bien transportar hacia los sonidos que salen desde estos ejercicios de Dance explorativo, todo el conjunto podemos entenderlo como una construcción compacta y bien inspirada.
Aún suspendidos degustamos la tercera pieza "Burned Out" un tanto más nubosa que las anteriores donde se superponen loops y arpegios de manera notable, ha incorporado en esta algunas voces tratadas que se pierden entre el pulso magnético y la elevación constante, pero el cuerpo celeste continúa su tránsito placentero con "Arpeggiated Love" éterea pero contundente, maquinaria sofisticada puesta en el punto central de la danza futurista, otra vez observamos el polvo estelar de Seefeel que se queda flotando en el aire a cada caricia y sacudida sónica, el éxtasis ya es completo, también regresan los ecos de Ultramarine, Polygon Window, Gas y Orbital en la música orgíastica de The Field, no a la manera de una simple copia si no que como un audaz receptor de esas bellas expediciones auditivas rebotándolas hasta nosotros como una antena lejana.

"Looping State Of Mind" es quizás el corte más orgánico del trazado, con esa bajo Dub que se va abriendo paso por el ramaje de aparatos y samples, entramos en el 'Loop' como por fuerza natural, imposible sería abstraerse a los estados agradables que nos entrega este aventajado creador del ambiente, casi podemos tocar las ondulaciones y sentir la luminosidad, vocalizaciones que caen como cascadas en "Then It's White", donde el latido se ralentiza para dejar ver un jardín de pianos expansivos y nostálgicos que emocionan bastante, no ha dejado nada al azar y este su tercer trabajo está muy por encima de su no tan agraciado predecesor "Yesterday And Today" (2009) en el que Willner parecía haber perdido un poco la brújula.

Finaliza la marcha con el arrebato maquinal de "Sweet Snow Baby", industrioso y golpeador retazo de sonido deslavado, como si el fractal se hubiese invertido nos enfrentamos al retorno del ruido luminoso antes mostrado, el lado oscuro que pasa en foma de viento helado y densidad flagelante, buen final que deja el camino abierto hasta la fuente donde nacen estas estructuras experimentalistas, un disco brillante, vital y necesario, adelante pasajeros vayamos todos a cristalizar.

Raúl Cabrera H.

ART BRUT
Brilliant! Tragic!
cooking vinyl, 2011

Los ingleses Art Brut vuelven a escena, tras la publicación de "Art Brut Vs. Satan" (2009), con su cuarto álbum de estudio "Brilliant! Tragic!", grabado como el anterior en Salem (Oregon) con el mítico Frank Black (Pixies), hemos de decir que nos encontramos ante un álbum correcto, con buenas composiciones pero que no va a pasar a la historia de la música contemporánea. Con el clásico estilo Art Brut, de guitarras poderosas y melodías Arty, la voz de Eddie Argos no ha cambiado un ápice desde aquel 2003 en que se formara la banda.
Si, porque desde aquellos mediados de la pasada década en que explotara el movimiento 'Art Wave' con grupos como Franz Ferdinand, We are Scientists, Bloc Party, The Futureheads y los propios Art Brut, parece que han pasado siglos y de aquel movimiento fresco y a tener en cuenta artísticamente, no ha quedado casi nada. Al menos, y como siempre decimos desde aquí, siempre les quedará el apoyo de una industria y públicos británicos y estadounidenses mucho más dispuestos que en lugares como España (o Chile), a apoyar a las bandas en las que han confiado desde un primer momento.

Pero ese no es el problema. El que una banda no evolucione y mantenga su sonido disco tras disco no sólo no es sinónimo de aburrido y estereotipado, sino que es una de las cosas más difíciles de conseguir. Eso si, haciendo buenas melodías y canciones que te remueva algo en el interior. En mi opinión este no es el caso. Con excepción de canciones como "Lost Weekend", que será el primer single extraído del disco, "Sexy" y "Martin Kemp", nos encontramos con un trabajo que sólo va a interesar a los incondicionales de la banda. Canciones como "Is Dog Eared", "Bad Comedian", "Ice Hockey" o "I Am The Phychic", parecen sacadas de un molde en el que el grupo decidió hacer canciones una tras otra sin pensar en su sonido y en si les gustaban o no. Como si estuviesen pensando en otra cosa. Y lo curioso es que tampoco se puede decir que sea malo el disco sino que le falta algo, fuerza o confianza. Eso si, todo con un punto Pixies clarísimo; tanto en el sonido como en la voz de Argos que ha declarado que por fin, y gracias a Black, ha aprendido a cantar en su cuarto disco. Al menos la labor del productor ha dejado huella. Que lo haga "Brilliant! Tragic!" tenemos muchas más dudas.

por Daniel González
desde CrazyMinds

BIOSPHERE
N-Plants
touch, 2011

El día 11 de marzo de este año, mientras el mundo casi su totalidad seguía girando de manera casi intrascendente, en una parte del mundo algo grande y trágico estaba por ocurrir. Eran las 14 horas y 46 minutos y un terremoto de 9 grados golpeaba Japón. Seis minutos de movimientos interminables que provocarían algo aún peor, un maremoto con olas de hasta diez metros. Las costas del norte del país asiático convertidas en la nada. Resultado de todo ello, diez mil muertos, dieciséis mil desaparecidos. Lamentablemente, la desgracia no quedaba ahí. Debido a todo lo anterior, fallas en el sistema de refrigeración provocan liberación de radiación en la Central Nuclear de Fukushima, una de las muchas que existen. Otras más vivieron situaciones similares. De un desastre natural pasamos a uno nuclear, todo en un país que constantemente se ve afecto a situaciones difíciles. Y ese difícil momento alguien lo vió venir un tiempo atrás, como prediciendo el apocalíptico futuro.

El anterior trabajo en estudio de Biosphere, “Dropsonde” (Touch, 2006) data de hace cinco años –el más reciente, “Wireless – Live At The Arnolfini, Bristol” (Touch, 2009), es un disco en vivo–, misma época en que publica “Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet” (Ash Internacional, 2006), el primero con su nombre de nacimiento, Geir Jenssen. A diferencia de esas grabaciones desde el Tibet, un paréntesis e su discografía, este retoma su faceta de melodías ambientales para la eternidad, pero con la diferencia que este no es tan espaciado como otros discos del noruego. Y como muchos de ellos, existe un motivo unificador, una idea que cruza todo el disco, que lo inspira y de donde nacen estas nueve canciones. “Decidí hacer un álbum inspirado por el milagro económico de la posguerra en Japón. Mientras buscaba más información encontré una vieja foto de la Planta Nuclear de Mihama. El hecho de que esta planta de aspecto futurista se encontrará en un lugar tan hermoso, tan cerca del mar, me causó curiosidad. ¿Están a salvo cuando se trata de terremotos y tsunamis? Una lectura más detallada reveló que muchas de estas plantas se encuentran en áreas propensas a terremotos, algunos de ellos incluso están situados junto a las costas que habían sido golpeadas en el pasado por los tsunamis”. Parece que la pregunta era del todo razonable. El disco fue terminado el 13 de febrero de 2011, y un mes después, esa pregunta se hacía drama. El disco pretendía, entre otras cosas, “cuestionar el peligro potencial de radiación”. Aún cuando fue tarde, las predicciones de Jenssen de todas maneras sirven para llamar la atención y que demuestra la fragilidad de casi todo. Sus canciones, las de “N–Plants”, también lo son. Imbuido de la rica tradición de la música japonesa, pero sumado a la ricos sonidos que Jenssen ha creado, tenemos un puñado de temas delicados, que viene del ambient puro y delicado, de un house exquisito y agradable, que se decora de tonalidades minimalistas y de un cierto pop floral, de una electrónica perezosa, trazos de música flotante. Ese carácter educado y humilde, de contención que tienen los japoneses se refleja en todo el álbum. Aunque el panorama sea el más desolador, no demuestran tristeza. Y este es un disco que va sobre aquello, no lo pretendía, y es por ello que no hay lágrimas. Quería ser una banda sonora sobre las plantas nucleares, su entorno, el contraste entre progreso y tradición. Este es un trabajo hermoso a rabiar, que en pequeñas miniaturas sintéticas entrega burbujas de sonidos luminosos.

Dejando de lado los paisajes desolados y fríos de otros discos, este álbum profético golpea y avisa sobre los peligros del avance energético no de manera violenta, sino que todo lo contrario, muy sutilmente, casi entre líneas, que tiene otra percepción por todo lo que sucedió después, pero que no quita que sea una obra bella –hermosa portada de Yusuke Murakami–, un respiro en medio de la niebla.

Hawái.

MIKA VAINIO
Life (... It Eats You Up)
editions mego, 2011

Es un disco más de Mika Vainio, el finlandés de aspecto rudo además conocido como Ø, la mitad más prolífica de Pan Sonic, también en IBM, Vladislav Delay Quartet, Vainio / Väisänen / Vega, etc. Es otro más de Vainio, pero también no lo es. En muchos aspectos se aparta al resto de sus discos. No es ambient glaciar, no es dub acuático, no es electrónica retorcida (sin embargo, algo de esto queda). Lo conocíamos por “Onko” (Touch, 1997), por “In The Land Of The Blind One-Eyed Is King” (Touch, 2003), también por “Revitty [Torn]” (Wavetrap, 2006), y por supuesto que por la obra de su dúo con Ilpo Väisänen, pero con este trabajo ya no lo conocemos tanto.

Este álbum, el primero en solitario para Editions Mego, el label de Peter Rehberg, a diferencia de otros, no utiliza los sintetizadores y demás artefactos electrónicos. Lo que tenemos en nuestros oídos es un disco de guitarras, un disco de rock para cuando este ya ha muerto. Al parecer hace un tiempo rondaba por su cabeza la idea de hacer temas de sonidos extraídos de ese instrumento, y finalmente con “Life (… It Eats You Up)” da salida a ese proyecto, uno que es una descendencia directa de Earth, y que tiene parentescos con Sunn O))) y sobre todo con Kevin Drumm –dos referencias obligadas: “Comedy” (Moikai, 2000) y “Sheer Hellish Miasma” (Mego, 2002)–. Con esos referentes uno se puede hacer una idea más o menos clara de sobre que va esto: la guitarra procesada, tratada, pasada por software. Pero como Vainio no es un recién llegado, no estamos ante un disco de género más, una copia de las muchas que hay en el nuevo noise experimental. Sus acercamientos con Pan Sonic a una electrónica primaria, a un techno básico y puro y al industrial oscuro, hacen que, sumado a estas nuevas sonoridades, tengamos un trabajo que supera a cualquier imitador, y que se distancie del resto de músicos son tendencia al ruido. En unos casos roza con el silencio (“Cage”), en otros parece claramente un músico de black metal, sin el resto de la banda (“Throat”, “Napoleon”). Esos son instantes breves que sirven de puente entre las piezas más prolongadas. Una de ellas es nada menos la que abre “Life (… It Eats You Up)”, como para dejar claro desde un comienzo que esto no es fácil de escuchar. “In Silence A Scream Takes A Heart”, trece minutos de discreción, de lento avance hasta explotar de un segundo a otro. Le sigue “Throat” y luego “Mining”, metal industrial, electrónica con tintes sombríos. “Open Up And Bleed”, original de The Stooges va por la misma línea. “Crashed” es más sigilosa, con las cuerdas tensadas hasta el hastío. “And Give Us Our Daily Humiliation”, rock desfigurado y sin ritmo, es suciedad en estado puro. “Cage” da paso a los dos tracks finales: “Conquering The Solitude”, con las raíces puestas de nuevo en el metal con la carne aún con vida, con las cuerdas sangrando, y “A Ravenous Edge”, la cumbre. El drone, el riff de corte minimalista, el noise enfermo, los sonidos sacados del purgatorio terrenal, todo ello mezclado de manera perfecta con ritmos cimentados en el techno frío, con unas bases anémicas y una métrica perfecta para ruidos nada perfectos.

Portada color negro que deja ver muy poco de un rostro desconocido, un ‘No thank you’ en la contraportada, títulos algunos de ellos perturbadores, y particularmente un sonido pesado, difícil dan cuenta de un disco opaco, del mismo color del artwork. “Life (… It Eats You Up)” es un disco impenetrable e insobornable en su tarea de provocar reacciones dañinas, un disco en el que Mika Vainio da con la pureza infernal.

Hawái.

SPC ECO
Big Fat World EP
eco lab, 2007

El legendario guitarrista y programador británico Dean Garcia ex-Curve entre otras hazañas, nos presenta su nuevo engendro, los galácticos SPC ECO, proyecto donde vuelve a transitar por el Shoegazing más epidérmico y afilado, esta vez junto a la vocalista Rose Berlin y el guitarrista Joey Levenson, desarrrollan ambientes sofocantes trenzados al canto de sirena seductor de Rose como en la inductiva "Gone" que abre este nuevo EP "Big Fat World", donde lo etéreo pasa a un plano más difuso y cortante, la gran maquinaria dibujada por múltiples capas de pedales y percusiones robustas se extiende para absorvernos en un centro de melodías ácidas, una sugestiva dualidad de ruido-fineza que los hace especiales dentro de la actual escena Noise-Pop, no han pulido los bordes y se entregan con firmeza al ramaje espeso, "Big Fat World" es otro signo liberador con esos bajos contundentes flotando en la maraña eléctrica que se desborda y cae como lluvia sorpresiva, en "Forever Now" traen a la memoria el legado poco valorado de los Curve en estado de gracia, a mediados de los 90s' cuando fueron inspiración para que otras bandas como Garbage se llevaran la atención y una momentánea fama.
SPC ECO guarda ese brillo fisurado y sólo basta entrar en ese gran manto hipnótico de "Feels Like Flying" para darnos cuenta que nos encontramos frente a un eslabón extraviado en la cadena que une el viaje del Shoegaze hasta el Post Rock, Bowery Electric y Flying Saucer Attack, Disco Inferno para Cocteau Twins y Curve.

Raúl Cabrera H.

SLEEP ∞ OVER
Forever
hippos in tanks, 2011

Sleep ∞ Over es la nueva apuesta de Hippos In Tanks, sin duda uno de los sellos más en forma de los últimos tiempos. Se trata del proyecto en solitario de la americana Stefanie Franciotti y acaban de editar “Forever”, su álbum de debut. En la línea de lo apuntado en los 7” que ha venido editando desde el pasado año es un disco de Dream-Oop neblinoso y embrujado, que puede recordar a grandes bandas del sonido celestial como, por ejemplo, Cocteau Twins pero desde una perspectiva más aventurera y, en ciertos cortes, ciertamente experimental. Construido a partir de la superposición de capas de sonidos etéreos y planeadores de entre los que emerge el lánguido tono vocal de Franciotti, el álbum esconde un buen número de pequeñas joyas con melodías que se te clavan muy dentro. En unos tiempos en que realmente hay cierta saturación de sonidos brumosos y de aires lo-fi, vale la pena dejarse hechizar por este disco. Rebosa magia.

desde
hiverndiscs.blogspot.com

Escúchanos esta noche a las 21:00 hrs, desde Valparaíso por Radio Placeres 87.7 fm, transmitiendo para el Puerto, Viña y los alrededores, también online para el resto del orbe.

El Sueño del Esquimal #332, jueves 22 de septiembre

2011-09-20T16:02:00.027-03:00

Y nos vamos junto a la última lluvia...

THE DREAMS
Morbido
kill shaman, 2011

Cada vez pasa menos eso de toparse con una banda que te atrape de inmediato sea por calidad, onda o hipnosis, en este temporal de información en el que surfeamos con indeferencia cuesta un poco encontrar esa tan esperada 'sorpresa'. Por eso creo que algo anda por acá.
Los The Dreams son un dúo francés de los cuales se sabe poco, la única certeza según lo que reza en el listado de su sello Kill Shaman Records es que sus componentes también son miembros de un grupo madre llamado Le Grande Tripple Alliance, de ellos ni idea, pero lo que trae el primer álbum de The Dreams merece con creces nuestra atención. "Morbido" es un disco que desde el primer corte nos induce hasta una especie de trance primitivo, la deformaciones vocales de "Peplum" junto a las percusiones parecen invocar el espíritu de Miguel Tomasín y los Reynols, tribalismo macabro y narcótico que da paso a la mutación No Wave-Dub-Tropicalia de "Seis Seis Seis Condor", los voces y las guitarras destempladas toman el control mientras los sintes se esconden en la penumbra y se unen a la ritmica hipnótica, la voz de la chica trae a la mente el alarido punk de la alemana Ari Up (fallecida en Octubre de 2010) de las recordadas The Slits, se extiende el encanto para "Aloha Miami" lo más parecido a un hit que encontrarás en "Morbido", agradable trazo de guitarras polinésicas y ambientes luminosos a lo A Certain Ratio o The Ruby Suns, lo interesante es que nunca dejan ese deseo experimentalista en todo lo que tocan, como un divertimento descarado en el que estos muchachos nadan totalmente libres, un tanto más Reggae en "Sick Palms Dub" entre humo y cacofonías se retuercen como unos Os Mutantes arrasados por el cadaver de Throbbing Gristle, puede ser Tropicalia, Dub Psicodélico o la peor pesadilla After Punk, como en la maquinal "Mein Schatz" tomando la ruta cavernaria dejada por Malaria! a comienzos de los 80s', ruptura y provocación en las atmósferas de Dub cargado de "South African Youth Of Africa", un brebaje espeso que The Dreams nos deja en esta ceremonia ocultista super intensa como la fiesta pagana de "Milk By Myself", un conjunto de sonoridades tomadas de aquí y de allá tratadas en un subterráneo asfixiante de Lo-Fi perverso, droga dura que entra a borbotones en los estados de la conciencia, rematan con la muy punk "Out Of Eyes" y un último "Reagga #4" en la despedida amena de un disco que nos devuelve al espíritu y la creencia desafiante y desacomodada, la grabación ha quedado en las manos de Seb Normal de los The Feeeling Of Love otra banda que destacamos hace algunas semanas, mostrándonos lo generoso de la escena underground francesa actual. Mecanismos de apertura.

Raúl Cabrera H.

LADYTRON
Gravity The Seducer
nettwerk, 2011

Con "Gravity The Seducer", Ladytron tienen que sobrevivir a un segundo revival ochentero que se pasa de moda. Si en los años del cambio de siglo y posteriores lo lograron con creces gracias a singles excelentes que hicieron historia (a ver quién le tose a "Evil", "Destroy Everything You Touch", "Seventeen", etcétera), ahora lo tienen más complicado. Los tiempos cambian más deprisa, las nuevas generaciones de synthpoperos absorben cada vez más estilos con más facilidad (Friendly Fires, Cut Copy) y, por otro lado, tampoco es que nunca hayan dejado mucho tiempo para que los echemos de menos o corra el aire entre tendencia y tendencia.

El grupo, de hecho, publica su quinto disco tan sólo unos meses después de su injustamente ignorado recopilatorio, sin lugar para la reflexión sobre el rumbo a tomar en una carrera que siempre tuvo un mucho de homogéneo. A menudo un “grandes éxitos” sirve para cerrar una etapa y abrir otra nueva, pero en el caso de Ladytron no ha pasado ni parece que vaya a pasar gran cosa con su sonido, aunque en "Gravity The Seducer" encontremos ciertas ganas de intentarlo.
Sin traicionarse demasiado a sí misma, la banda consigue sonar ligeramente más majestuosa y ambiental en "90 Degrees", la muy Air "Altitude Blues" y "Ambulances". También hay cierta instrumentación inesperada en canciones como "Aces High", "Ritual", "Transparent Days" y "White Gold", pero todas terminan volviendo al redil, por lo que la consecución de algo extremadamente diferente o, sencillamente, una pista a la altura de sus clásicos, no ocurre.

Por el contrario, cuando te has convenciendo de que los (casi) instrumentales en realidad no llevan a ningún lado, y de repente escuchas el disco después de tenerlo abandonado durante una semana, te das cuenta de que "White Elephant", "Melting Ice" o "Ace of Hz" eran mejores canciones de lo que parecía, que ninguna te estorba y que el grupo sí puede haber abierto una minusculísima puerta para un posible interesante futuro. No van a tener el envejecer más espectacular de todas las bandas surgidas en los últimos 15 años, pero pase lo que pase, nadie debería olvidar que Ladytron han sido muy buenos.

por Sebas
desde Jenesaispop.com

CINDYTALK
Hold Everything Dear
editions mego, 2011

Tercer capítulo para la escudería EMego en la nueva vida de Cindytalk el proyecto cada vez más personal de Gordon Sharp, híbrido personaje en la cara más difusa del Post-Punk inglés, esto sólo hasta "Wappinschaw" de 1994 (aunque "The Wind Is Strong..." de 1990 ya traía ambientes muertos), ya que su segunda venida se ha concentrado en las field recordings, la electrónica más experimental y distante, luego de "The Crackle Of My Soul" (2009) y "Up Here In The Clouds" (2010) aparece "Hold Everything Dear" una nueva manifestación de imágenes sonoras sacadas desde un horizonte cerebral y contemplativo donde las siluetas y zumbidos toman un carácter explorativo y abstracto como queriendo hurgar en las ruinas del ser interior.
Se abre este laberinto con "How Soon Now..." y las grabaciones de niños correteando por algún parque dominical de a poco todo se transforma entre los ecos metálicos y la maquinaria brumosa, el Drone y su veta más expansiva lentamente se hace presente sometiéndonos a un espacio abismal, ancho e incorpóreo, una tenue melodía tratada nos retorna hasta la fotografía vivencial, les recuerdo que "Hold Everything Dear" está inspirado en el libro del mismo nombre de John Berger según describe la hoja promocional del sello, de ahí que Sharp ha dedicado este trabajo a su amigo el autor, y claro que podríamos hojear estas letanías ambientales como una lectura indeterminada que se introduce en la vigilia para llevarnos hacia otros planos perceptivos, como en el universo submarino de "In Dust To Delight" donde el aparataje electrónico pareciera tomar vida y un color azulino, el ruido es el faro que nos condunde entre las corrientes y el viento.
Cindytalk también nos entrega interludios de clasicismo moderno como en "Waking The Snow" con un leve piano que se despide ante la negrura espesa de "From Rokko-San" y retornamos a ese pozo que gotea e hipnotiza, golpes y resonancias en caída libre por el laberinto olvidado, Gordon Sharp parece llevarnos hasta los rincones más oscuros de la experiencia onírica, en sus tratados sonoros siempre mantiene imágenes claras y esperanzadoras en medio de la gran debacle, aún así se hace difícil avanzar y creemos que se trata de un material sólo apto para los aventureros de la paciencia y la lejanía, música nocturna en el final de los tiempos como un vía crucis interno que quizás a muchos no le gustaría presenciar.
El material de este trabajo ha sido grabado entre 2006 y 2011, en Okamoto, Japón, Essex y Londres.

Raúl Cabrera H.

FAKUTA
Al Vuelo
michita rex, 2011

Esperado debut en largo de Pamela Sepúlveda más conocida como Fakuta, uno de los brazos que se extiende desde el netlabel chileno Michita Rex, y claro que es gratificante oír la suavidad de "50 Años" tema que abre "Al Vuelo", pinceladas de pop electrónico y luminoso que dejan al descubierto un cofré-tesoro para el entendimiento vivencial, 'el tiempo que tenemos...' nos cuenta su voz sincera entre los susurros de sus coristas The Laura Palmers, para luego pasar por el Dream Pop de "Al Vuelo" super bien sostenido por estructuras sintéticas inspiradas y detallistas, como un vuelo justamente sincopado y ambiental, destacar que el dúo nacional De Janeiros (Pablo Muñoz y Milton Mahan) han ejercido como productores de este disco dotándolo de elegancia y lucimiento sonoro, "Armar y Desarmar" fue el single de adelanto ya más directo con esa ritmica fragmentada que se va extendiendo hasta dar paso a un ejercicio bailable y placentero, las letras de Fakuta siempre se fijan en lo cotidiano, en la vida sencilla sus causas y tonalidades como en "Estrella", 'hasta donde se puden entender, soy fiel a las palabras para saber, si hay algo que temes o te hace bien, definamos los cuerpos y el límite de nuestra piel' casi como un juego entre las melodías, los glitches y la atmósfera sintética, pero no hablamos de un synth-pop normalizado sino que de una fuente de sonidos que se elevan sobre las líneas digitales para recalar en una plataforma espacial.
Fakuta forma parte de ese 'otro pop chileno' con compañeros de ruta como Javiera Mena, Gepe, Dadalú y Dënver, todos muy distintos pero a la vez conectados por influencias y tiempos, han apreciado tanto la música popular, como el indie rock-pop y las vertientes sonoras experimentales (Noise, Indietrónica, Drone, etc), sin ir más lejos la primera vez que vimos en acción a Fakuta fue como el 2006 en un evento que organizó el Diego Garrido en un hotel en pleno 'Barrio Puerto' de Valparaìso, ahí tocando junto a su amiga Dadalú y Nawito Morales en una presentación de la primera dentro de una velada donde además aparecieron los electro-pop $990, luego conocimos lo que era El Banco Mundial su proyecto ruidista-conceptual y antes ya había estado Golden Baba, entonces hay una senda de recorrido de esta muchacha que hoy nos sorprende con "Al Vuelo".
Una bóveda celeste que se desata en la multicolor "Mil Veces Vuelo" con una onda algo Kraftwerkiana, más aún con ese vocoder inicial de "Segundando" uno de los temas mejor logrados del disco, hermosas armonías vocales en un entorno electrónico sorpresivo y buscador, hasta llegar a "Las Partes" tema que ya había aparecido en el compilado "Música Para el Fin Del Mundo vol.1", pero que acá aparece en una versión más maquinal y noise llena de zumbidos y cortes impulsivos, otro punto alto en esta producción que siento queda mucho por descubrir, es cosa de tiempo como en la naturaleza primaveral, para el final Fakuta nos deja "Aeropuerto" una de esas canciones entrañables que se quedarán contigo por un buen tiempo, 'Ascender sin temer, que más arriba se entiende, se visualiza lo claro que es', genial.

Nota aparte para recomendar la experiencia en directo de Fakuta y The Laura Palmers, luces y planeador, y usted que espera para descargar "Al Vuelo", al tiro pues.

Raúl Cabrera H.

MARIA MINERVA
Cabaret Cixous
not not fun, 2011

Hace unos pocos meses disfrutábamos de los espejismos sonoros de esta estoniana con residencia en Londres en su entrega para Not Not Fun, cassette de nombre "Tallinn At Dawn" que irremediablemente tendrá su reedición, como adelantábamos, en un tornasolado y apropiado vinilo para el mismo sello de Los Ángeles. Hasta entonces, y no vaya a ser que se le escape la oportunidad de seguir generando estos pequeños episodios desmayados de chatarrería ensoñada en synth lofi, Maria Juur, que apenas puede parar quieta, está de vuelta en el mismo catálogo con un nuevo trabajo en largo de nombre "Cabaret Cixous". Un homenaje de erigida propuesta conceptual a Hélène Cixous con un delicioso y languidecido resultado que mezcla las evocaciones estilístico-eidético-literarias de la teórica (crítica, dramaturga, filósofa, ensayista y poetisa feminista francófona de origen argelino y con residencia estadounidense enormemente influida por el trabajo de otros citados por aquí, aunque de otras latitudes disciplinarias, post-estructuralistas o psicoanalistas, estetas y, a fin de cuentas, posmodernas, como Derrida, Marcuse, Deleuze, Heidegger, Rimbaud, Lacan o Baudelaire, y que fundamentan la sustancia inspiracional del nuevo catálogo especular, polimórfico, deliberadamente sensual y onírico que, lavado en lejía sinte lofi y efectos magnético-bizarros, cajas de ritmo de sonoridad recalcitrante, vierte un tenue un torrente de creatividad politextural en sedas generadas de melodías descoloridas en fade constante, apagones y derrames emocionales, gasas que son lírica en forma de erotismo sintetizado y exhalado con cada uno de sus susurros vocales, cendales y veladuras que transparentan traslúcidos, según qué filtros y psicodelias, las once canciones nuevas de esta diosa de las ondas semiesféricas, luces angulares y entropías de procesos cíclicos reversibles de integrales curvilíneas. Mi querida Maria Minerva.

Como cuerpos flotantes de un espacio abstracto entre el electromagnetismo synthpop, la erotomanía aural, los jadeos elásticos y tamizados en una acusmática proto-porno sonora sugerida, intertextual, inspirada en ritmos hirvientes y craqueados, pulsiones sexuales, teorías queer y perversidad polimórfica tecnicolor, se organizan estas nuevas cápsulas parafílicas de lomografías lenticulares, resultados fragmentarios en capas simultaneadas con opacidad irregular y regularidad opiácea. Genera así una escala propia de su estética canora balanceante prolija en ecos de dinámicas a distintas derivas, retórica sensualista que armoniza la prosodia de Cixous en un lenguaje embelesador y enriquecido desde la generación de sonoramas mórficos que trasladan, gratos y bien logrados, esos conceptos que se volatilizan en un espacio abstracto de cuatro pistas, celajes de coloración cambiante, ritmos ensuciados e indefinidos y un conglomerado collage de efectos que se entienden tan bien con lo bizarro como con lo lúbrico, lo psicodélico, lo sintético, lo retrofuturístico y lo parestésico, los husos del sueño y, por supuesto, lo onírico. Once nuevas deflexiones positivas bañadas en cristal licuado que disponen gemidos cantados en laminaciones superpuestas que son poética de incestos sónicos de sintes en espiral y beats burbujeantes, como en "Laulan Paikse Kaes", vigilias láser como la inaugural "These Days", movimientos periódicos y parasomnias varias con accesos y sacudidas motóricas que son reflejos automáticos en "Lovecool", la cover de ABBA "Honey Honey", "Soo High", cosquilleos contraídos en "I Luv Cntrl", apneas controladas en "Spiral" o en la epilogar "Ruff Trade" o deleites italo en la forma de interludio "Favourite Song (Italo Interlude)" hacen de "Cabaret Cixous" un auténtica experiencia ilusionista entre baladas de washed-disco, la miscelánea pop y el gusto por un retrosonido teselar y acristalado entre el synth-dream y el abstract-pop vidrioso y surrealista. Vanguardia sonora post-estructuralista.

por David Cano
desde Notodo.com

EMUUL
The Drawing Of The Line
digitalis recordings, 2011

Es curioso comprobar como manejan dentro de unas mismas coordenadas de referencias musicales en Digitalis Recordings para acabar sacando discos con sensibilidades completamente distintas. "The Drawning of The Line" se acerca más a territorios ambientales propios de Basinski o al emotivo "Marble Surf" de Ferraro, especialmente en esa maravilla titulada "Love Theme". Parte de esa emotividad, también cristaliza en la shoegazer "The First Look", que lo emparenta con Tim Hecker. Todas estas composiciones ayudan a abrir paso a una especie de oda ambiental que maneja la melancolía de los referentes anteriormente citados en "Plus One", veinte minutos de abstracción y perdición mental. Un regalo auditivo de parte de Kyle Iman, sin lugar a duda.

desde

Coreagrafo del Cerro

Sintoniza El Sueño del Esquimal todos los jueves a las 21:00 hrs, por Radio Placeres 87.7 FM, para Valparaíso, Viña del Mar y el entorno, además online desde aquí.

El Sueño del Esquimal #331, jueves 15 de septiembre

2011-09-06T22:17:00.028-03:00

El Sueño del Esquimal te invita para entrar en una fuente de tonalidades, texturas y atmósferas brumosas, nuevos espacios para la exploración sónica... desde la juventud hasta los campos extendidos en la investigación teutona. Salud!

BALAM ACAB
Wander / Wonder
tri angle, 2011

Las cosas más entrañables se construyen de detalles. La combinación de todos ellos logran crear algo que se quedará en nosotros por siempre y que difícilmente olvidaremos. Alec Koone es Balam Acab y su música es grande por los pequeños rasgos importantes que contiene. Nunca van a corear una de sus canciones, ni tampoco a bailar con ella de fondo por que no es un placer espontáneo ni pasajero. Balam Acab se queda adentro de la persona.

"Wander / Wonder" es la formal carta de presentación de un adolescente de veinte años que suena un poco mayor. Sus creaciones son de gente experimentada pero siempre gozan de una brisa de incertidumbre, temor y demás sentimientos propios de la etapa difícil. No es sencillo tomarlo por los cuernos y cuesta trabajo si no se va con la intención debida, pero la recompensa es tan jugosa como lo atento que se necesita estar.
Koone no toca ningún instrumento, lo construye todo a partir de sonidos terrenales y sobrias bases electrónicas brindando un animal que es enteramente sintético pero que a la vez se siente tan vivo como la naturaleza propia. Su encanto radica en su complejidad; carece de una estructura normal y su narrativa es inexistente, más cercano a lo que Stan Brakhage solía hacer en pantalla grande... pero en nuestros oídos.
Recorrer el disco de principio a fin es similar a mirar a un artista realizando una pintura frente a nuestros ojos, similar a tomar fotografías panorámicas a los paisajes de nuestros sueños. "Welcome" es la parte en donde todo está lleno de oscuridad y no se sabe lo que vendrá después, pero en donde no se siente una incomodidad si no extrañas ganas de seguir adelante. El disco transporta a lugares, unos más lindos y optimistas.
Cada canción se vuelve más envolvente, poderosa y bella que su antecesora en un ejercicio lleno de magia e incertidumbre adolescente. Es una exploración de texturas y atmósferas en donde es fácil perdernos por horas sin darnos cuenta de cuantas fueron; escuchen "Motion" y verán lo imposible que es no imaginarse en lugar lleno de luz y colores anormales. Escuchar sonidos de agua corriendo, cánticos de aves o el quebrar de las hojas secas tiradas en el piso de otoño es un placer que solo unos Animal Collective habían perfeccionado y ahora toman una forma más ingenua desde "Expect" hasta "Oh, Why". De cabeza a pies es un disco palpable.
El escucha es capaz de sentir cada sonido como si estuviese presente ante nuestros ojos, sentir la brisa en los brazos, el agua en la cara, el movimiento del viento en los árboles y el aleteo de las aves alborotadas. Su arquitectura es tan meticulosamente perfecta que la sensación resulta extraterrenal para llevarnos a una emancipación de la realidad, una más real en donde somos capaces de observar más que mirar y escuchar más que oír.

Cuando todo termina pareciera que despertamos de un sueño del cual nunca queremos despertar. "Wander / Wonder" logra lo que pocos, la mayoria funciona como satisfacción de medio tiempo, él se infiltra a un nivel más viceral y poco a poco construye un hogar. Es un disco valioso por que su valor se siente, se ve y se escucha; por que todos los sentidos son atentos a los detalles, esos que hacen inolvidables las cosas y capaces de formar parte de nosotros por mucho, mucho más tiempo del que uno se pueda imaginar.

desde
tacondeoro.blogspot.com

SONIC YOUTH
Simon Werner A Disparu (Banda Sonora)
SYR, 2011

La presencia de Sonic Youth durante los últimos treinta años ha sido tan constante y poderosa que, más que un grupo seminal o una influencia omnipresente, el cuarteto neoyorquino se ha convertido en un lenguaje, un conjunto de sonidos articulados, signos y reglas que ya (casi) todos conocemos y podemos utilizar libremente. El sello-laboratorio que es Sonic Youth Recordings debía permitirles escapar de esa gramática propia que, si bien está fundada en la experimentación, resulta demasiado conocida para dejar espacio a sus ideas más radicales de investigación sónica. Tal vez por su carácter funcional, al servicio de un turbador filme del debutante Fabrice Gobert sobre adolescentes que desaparecen en los suburbios acomodados de Francia, el SYR9 parece tender un puente entre el Sonic Youth que graba y gira de manera más o menos convencional atendiendo a las expectativas del público y los cuatro músico que jamás han abandonado el espíritu radical que los unió.
Así, y al contrario del resto de referencias de la serie, se puede afirmar que "Simon Werner A Disparu" está compuesto por canciones, en su mayoría temas que se diría podrían haber formado parte de, por ejemplo, "The Eternal" (2009) o de gran parte de sus referencias de este siglo, de haber incluido elementos vocales. Y es la voz de Sonic Youth, no la voz humana que aquí está ausente sino su personalidad única, la que aquí se deconstruye para detenerse en aquellos elementos consustanciales de su diccionario -su particular afinación de las guitarras, los paisajes ambientales de alienación urbana, el angst juvenil- y que ocupan el primer plano de una banda sonora que, en una bonita pirueta, sirve para evocar una película cuyo tratamiento y tono evoca a los propios Sonic Youth.

por Ruben Pujol
desde Rockdelux.es

TARWATER
Inside The Ships
bureau b, 2011

Una década y media nunca será suficiente para buscar los puntos de inflección sobre la no influencia de Tarwater, que silenciosamente han creado una discografía digna de buscar en estos tiempos de repetición. El humor serio y sardónico, la poesía abstracta y el pensamiento pop se desmenuzan en una perfecta simbiosis de acústica y electrónica. Como unos New Order teutónicos y siempre solemnes, en pos de la perfecta canción e instrumentación, sutiles ante las demandas de efímeras de los mercados. Sin pretender lo que pretenden, lo nuevo de Tarwater es lo mejor desde su amado "Animals, Suns & Atoms" (2000), sin dejar el color gris pero sin ser autómatas de su verdadero color.

El dúo de Berlín Tarwater comenzó a funcionar en 1995, el mismo año en que To Rococo Rot se formó. Ronald Lippok era un miembro de ambas bandas, y en Tarwater se le unió Bernd Jestram. Esta es su 11 º álbum de estudio, y en casi 36 minutos, el trayecto es corto pero contundente, narcótico y turbador. Cuenta con 11 pistas, como una gran celebración de su historia hasta ahora.
Cuando el dúo comenzó a trabajar en el nuevo álbum hace dos años, inicialmente la intención era crear una ópera espacial. Que no iba a ser, pero las visiones resultantes del conocimiento del futuro, de ficción y de la lejana y desconocida sirvió de inspiración para estas canciones. Sin embargo, a pesar de títulos como "Inside The Ships", "Radio War" o "Do the Oz", esto no es un álbum conceptual.
Tarwater siempre han confundido a los fanáticos de la categorización estricta de los analistas pop. La sinestesia produce después de escuchar el nuevo álbum - ver mundos alienígenas a través de estímulos acústicos - es hábilmente creado por Jestram y Lippok en su propia manera especial. Ellos han prescindido de la frialdad y abiertamente sonidos technoid. Ciencia-ficción folclore sigue siendo dejados de lado. La "otredad" se produce, por ejemplo, mediante el uso de metales (tuba, saxofón, trompa, trompeta y trombón) y otros instrumentos que son de otra forma utilizado lejos del contexto pop como el címbalo. Usted realmente tiene que escuchar el doble para distinguir los distintos instrumentos. Aún con estos elementos inusuales, el cosmos y el sonido Tarwater sigue siendo un todo orgánico y es inmediatamente cautivante en la primera escucha. Tarwater desafía cualquier catalogización estética. Mientras que en el pasado la prensa alemana, trabajó con el deliberadamente vago término "indietronics", sus homólogos ingleses asocian al dúo con una tradición y relación directa con el krautrock.
En "Sato Sato" es la primera vez que las letras alemanas aparecen en un álbum de Tarwater. El texto está tomado de una canción de Deutsch-Amerikanischen Freundschaft (DAF) en su álbum de 1981 "Alles Ist Gut". Sin embargo, no es realmente una cubierta: La fonética de las letras sirven principalmente como un instrumento con el que Tarwater forman cada canción. El texto se utiliza, integrado en una nueva composición. Esto también se aplica para "Do the Oz", de John Lennon y Yoko Ono. La obra se publicó originalmente en 1971 como cara B del single "God Save Us" y fue una muestra de solidaridad para la revista de cultura underground Oz, que fue amenazada con la censura en esa época.
Tarwater actúa como una interfaz entre diferentes movimientos artísticos. Mientras que el trabajo Jestram y Lippok incluye componer y tocar música para cine y teatro, "Inside The Ships" sirvió de modelo para el cortometraje "The Eagle is Gone" de Mario Mentrup y Sattel Volker. La película está ambientada en la noche, en Berlín, en Alexanderplatz. La única estética desdibuja en blanco y negro los límites entre el expresionismo finales de los años 20, el encanto frío de los años 80, y el presente. Todo esto es apoyado por canciones de Tarwater, que no fueron escritas para las imágenes, sino que sirvió de inspiración para las imágenes, y por lo tanto en realidad genera las imágenes. En este sentido, "Inside The Ships" ("Dentro De Las Naves") se convierte en una forma dialógica de la introspección.

"Inside The Ships" también funciona como una metáfora para el "interior", ya sea dentro de un buque o interpretado metafísicamente. La canción "Palace At 5 AM" se basa en un poema de Charles Baudelaire que parafrasea las imágenes y las emociones inducidas por la 'Rausch' (humareda) de la intoxicación. Esto también encaja en el concepto: En la Edad Media Rausch (o "Rusch" en alto alemán medio) significa un "viaje impetuoso". De salir con Tarwater es descubrir algo nuevo y la intensificación de la familiar. En cualquier caso, sigue siendo un placer duradero.

desde
www.bureau-b.com

CLAMS CASINO
Instrumentals
type, 2011

Mike Volpe (el productor de rap 'más sensible') aka Clams Casino activa los centros del placer instantáneamente, sus bases –sencillas en el fondo, con un delicado lecho de sintetizadores, leves cuerdas sintéticas y más melodía que caja de ritmo– son de las que inmediatamente ponen a circular las endorfinas al transportar, de una forma nada forzada, apuntes de dream pop, soundtracks, shoegaze y pop bucólico a sus tejidos oníricos.

Se comenta que Mike Volpe tenía unos doscientos instrumentales previos a la edición de este luminoso “Instrumentals”, de los cuales, solo trece pasaron el filtro final. Volpe, estudiante inglés de 23 años residente en Nueva Jersey, pertenece a la misma escuela de productores que Richard D. James: utiliza internet como una herramienta más a la hora de hacer su “corta y pega” particular y trabaja en su dormitorio -en este caso un ático-, donde ensambla sus piezas a modo de operetas díscolas. Es así como hizo sus primeros pinitos con los raperos Soulja Boy y Lil B, ahora con una carrera lanzada hacia el estrellato gracias al trabajo de sus respectivas compañías discográficas.

Que los límites del hip-hop se están ensanchando como un Blandiblub en manos de un niño es algo que está claro desde que la escudería Anticon empezó a dinamitar sus fronteras, hace ya una década. Pero es ahora, con productores “hijos de internet”, alejados de los focos y ajenos a lo que dictan los manuales, cuando determinar donde están sus límites se ha convertido en tema de debate habitual.
Pero, en realidad, decir qué es y qué no es hip hop ya importa poco; muchos no lo pueden ni siquiera detectar en álbumes como el de Balam Acab. El sonido ensoñador, parcialmente hipnagógico, crujiente y a ratos paisajista de “Instrumentals”, un torrente inagotable de melodías, es un caso extraño que pocos discos de estas características pueden alcanzar.
La primera parte del trabajo se centra en la electrónica de corte más onírico, mientras que en la segunda mitad se encuentran los pasajes más “pop” y -para un servidor- los mejores momentos del total del minutaje: “Illest Alive” y "Cold War", con sendos sampleados vocales de Björk (irreconocible “Bachelorette”) y Janelle Monae. Dos composiciones que viajan en preferente y empujan a Mike Volpe un peldaño más hacia la gloria.

“Instrumentals” es un disco arriesgado, intenso y emocional, que pone a Clams Casino en el mapa de artistas a tener en cuenta para el futuro -el mismo que está aquí al lado y que le pertenece-.

por David G. Balasch
desde Numerocero.es

FALTYDL
You Stand Uncertain
planet mu, 2011

Este chico necesitaba un álbum como “You Stand Uncertain”. Con todo el mundo mirando pasmados y en posición más hater que lover el tema del post-Dubstep y las mutaciones UK, el siempre regular e inspirado Drew Lustman merecía un disco largo mejor y más acertado que aquel irregular y descompensado “Love Is A Liability“. Aquel trabajo del 2009 no hacía nada de justicia a el nivelazo que FaltyDL mantiene en sus últimas producciones y colaboraciones esporádicas, aquello eran pruebas, experimentos demasiado acelerados y con poca perspectiva. Ahora, con el 2011 esperándole, el artista neoyorkino ha sabido como soprender, distanciarse de la escena que más críticas despierta y no caer en recursos típicos. Digamos que se acaba de consolidar con este álbum como un productor único en su raza y, eso, vale más que el pan de aceitunas. FaltyDL sabe jugar con los ritmos poco frecuentes, las influencias Jazz, los quebrados del Breakbeat y el Jungle, los sintes más desgarradores y a la vez, sensiblones, incluso se permite redefinir a su manera lo que en una época se entendió como Trip Hop. Como bien ha dicho y dirá todo el mundo, aquí de Dubstep o post-Dubstep, nanai de la China.

Aparte, enfrentarse a un trabajo acompañado de una vocalista como Anneka o Lily MacKenzie es harina de otro costal, la musicalidad debe ganar en señorío, debe pensarse todo 4 veces más de lo normal y hacer que el producto y todos sus factores brillen en su justa medida. Eso podría ser lo mejor de este “You Stand Uncertain”, nada está de postizo, todo cuenta y aunque pueda parecer inesperado, al final acaba cobrando sentido, tanto los beats, los arreglos de percusión o los digitales, es un trabajo muy bien ponderado y cultivado. Lo malo? sin duda alguna la monotonía que producen en global las producciones de FaltyDL todas juntas, a mi entender le falta ese punto en el que dices “quiero volver a escucharlo, rite now”. Aunque algunos temas solos sí enganchan, él al completo, no lo hace.

Científicamente hay pocas cosas reprochables en esta referencia y a buen seguro será elegido como uno de los álbums más importantes del año. “The Pacifist” combina de manera bellísima influencias tanto de la IDM como del Downtempo, a la vez que algo del dramatismo aprendido de los Techno headz hace su aparición. “Gospel Of Opal” es por excelencia el hit comercial del álbum, un híbrido Dubstep más cercano al Trip Hop de vieja escuela que de otra cosa. La seriedad electrónica empieza a notarse con “Open Space”, un track lleno de maravillas rítmicas bien conjuntadas y proporcionadas que requieren de varias escuchas para discernir la multitud de influencias que este hombre tiene en su cabeza (recordemos que tiene tatuado en el antebrazo un bonito homenaje a “Bitches Brew”). “Brazil” -el tema que está remezclando medio mundo via Soundcloud- es la otra perla que hará a FaltyDL ganarse los favores de un público no entrenado para sus retorcidos collages, una vez más observamos la elegancia y musicalidad que están adquiriendo sus producciones, voces drageadas y muy bien puestas, detallazos líricos que van creando la melodía poco a poco, realmente sublime.

“It’s All Good”, “Eight Eighteen Ten” y el track que da nombre al álbum no están ni mucho menos de relleno, concretamente en este último el break es letal, completamente adictivo, imperecedero. Se sigue sin ir a ningún lado, se sigue creando una bonita atmósfera llena de homenajes e influencias y consagrando un estilo único. Es importante pararse, ahora, para hablar de “Lucky Luciano”, sin duda y de largo, el mejor track del álbum. No porque sea el más movido de por sí, sino por que es el más carismático, cercano al primitivismo de este productor, alejado del querer realizar un producto más bello y asimilable, aquí está FaltyDL, el de verdad, el que gusta de ritmos desgarbados, desconcertados y consigue una auténtica fusión nuclear con ellos, un demente del sampleo en estado puro y vertiginoso. “Voyager” si que presenta un poco de actitud de relleno, tendencia Chi-House y casi más emparentado con el Nu-Disco de Daniel Wang que con Lustman, bueno, seguro que se deben conocer allá en la Gran Manzana. Los dos tracks siguientes son realmente acertados, te despiertan después del letargo en el que te ha postrado el último tema; “Tell Them Stories” es un mutante UK-Garage bien definido, aunque puestos a sacar defectos, algo pesado con los sintes, “Play With My Heart” es otro de mis favoritos, un ritmo 2-stepado, fantástica mezcla de influencias marcadas por el Dubstep más acelerado y el Downtempo. “Waited Patiently” es el final, algo edulcorado y con un motivo de piano que se hace algo repetitivo y cansino, aunque no quita brillantez al cómputo global del trabajo.

Las conclusiones son fáciles, uno de los discos del año, no tan excepcional como se preveía (ya que, más que nada, FaltyDL demuestra evolución y, seguramente podrá hacerlo mucho mejor) y que consolida al neoyorkino como figura esencial dentro de la escena electrónica avanzada del momento, un productor que poco a poco va alcanzando un nombre atemporal y, algo que muchos siguen sin tener, el estilo propio.

por Frankie Pizá
desde Conceptoradio.net

CHELSEA WOLFE
The Grime And The Glow
humanist, 2011

El temible "Advice & Vices" de Chelsea Wolfe parece haber sido grabado en la parte inferior del hueco de un ascensor después de un desastre natural. Está oscuro, pero no demasiado así, con un riff simple que recuerda Surfa Rosa y un aumento de la información amenaza con detener la canción en sus pistas. Lo más extraño de todos, sin embargo, es lo bonito que suena la voz de Wolfe, incluso cuando está cantando, "Un corazón sangra por otro..." que suena como un Nicks Stevie menos nerviosos.

La música de esta muchacha goth californiana se encuentra perdida entre las alucinaciones de Zola Jesus, el desgarro de PJ Harvey y la solemnidad de Marissa Nadler, entre la suciedad y el brillo a fin de cuentas, No Wave + Lo Fi + Punk.

PARTY TRASH
Alone
clan destine, 2011

Para Clan Destine, sello sobre el que pronto volveremos a incidir por estos derroteros, Joe Volmer aka Party Trash ha publicado "Alone", un nuevo trabajo de once temas de psicodelia abstracta, plancton de negativo electromagnético y sinfonías aciagas en la forma de brasas drónicas saturadas, sigilos y vilos alucinatorios, sirenas ambulatorias y policiales en respuesta al terrorismo dramático de una banda sonora de suspense intrigante.
Witch-House de mala madre.

Sintoniza esta noche a las 21:00 El Sueño del Esquimal a través del 87.7 fm Radio Placeres desde Valparaíso y online desde acá.

Apart #2 - Balam Acab from dre間am on Vimeo.

El Sueño del Esquimal #330, jueves 31 de agosto.

2011-08-31T10:15:00.019-03:00

Desde la estación antártida mirando una isla alucinante, ruido, ambiente, claridad.

BRIAN ENO
Drums Between The Bells
warp, 2011

Más que un maestro considero a Brian Eno como un pensador de ambientes musicales de vanguardia, puede que esto traiga por añadidura cierta maestría, pero hay algo en sus tratados sonoros, en su vida, en sus silencios y en su mirada que me hace pensar que la música para él funciona de una manera mucho más natural de lo cualquiera pudiera imaginar, Eno ha demostrado ser una especie de valvula de paso para toda la música electrónica moderna y todavía entrega visiones de un futuro alentador para los sonidos explorativos... eso es "Drums Between The Bells" su última creación y segundo para la escudería Warp Records, gente que debe sentirse satisfecha de tener a este personaje influyente hoy entre sus filas, es una conexión perfecta que ya quedó manifestada con el oscuro trabajo anterior "Small Craft On A Milk Sea" de 2010.

"Drums Between The Bells" es un disco conceptual no sólo en términos musicales sino también en los textos, la inspiración en este ámbito ha venido desde un amigo de Eno, las palabras del poeta inglés Rick Holland, así encontramos para cada ambiente un relator, variadas voces (entre las que se cuentan la del propio Eno y la de Holland) que fluyen entre las estructuras electrónicas, desde la luminosidad de una alborada como en "Pour It Out" con Laura Spagnuolo en la voz, hasta planos distantes y maquinales, por ejemplo "Fierce Aisles Of Light" y "The Real" son piezas que se encuentran cercanas al Deep Ambient de Xela o Rafael Anton Irisarri. Hay un elemento que podemos intuir en esta producción como en la anterior, Eno ha llegado a un punto en que sus trabajos se convierten en muestrarios refinados de las más interesantes vertientes del sonido experimental, pasando por Krautrock, Ambient, IDM, Neo-Clasisismo, Minimal Techno, No Wave y Post Rock, todo desarrollado con una lucidez que sobrecoge, el resultado es de ultra-alta frecuencia y de una belleza que se manifiesta en cada estertor, el inglés ha diseñado uno a uno los pasajes como verdaderas compuertas hasta nuevos estados perceptivos y no me extrañaría que este disco perdurara en el tiempo como una aventajada luminaria futurista. Entrando en las texturas agrestes de "The Airman" donde el equilibrio es la mayor virtud, juega con ritmos viciosos y ruidos expansivos pero se mantiene siempre con esa elegancia característica, por momentos las voces toman una expresividad mágica, los efectos en cada uno de estos instantes también son precisos, desafiantes como en "A Title" con una inductiva Caroline Wildi en la lectura, atrás se mueve Eno y su aparataje purificador, la llama que no se apaga nunca sobre un carruaje radiante en plena elevasión, el sonido emblemático del vocoder se hace presente en "Glitch" y "Dow" recordando la escuela alemana del sonido, Kraftwerk y todo ese legado instintivo, incluso podríamos perdernos en el fractal robótico de "Sounds Alien" y salir totalmente renovados, esa es otra de las grandezas de este trabajo, el plantear reales rutas de acercamiento a través de secuencias, armonías y resonancias, para esto Brian Eno tiene un talento innegable, hasta el silencio tiene su dosis necesaria en esta placa, para finalizar con la sombría "Breath Of Crows" junto a la voz hechicera del Sr. Eno, deslumbrante.

Trayecto de Cosmonautas.

Raúl Cabrera Hidalgo.

THURSTON MOORE
Demolished Thoughts
matador, 2011

Después de una larga trayectoria como guitarrista y vocalista de Sonic Youth, Thurston Moore entrega su tercera placa solista, en esta ocasión producida por nada menos que Beck. La producción, íntima y en muchos sentido minimal, lleva por título "Demolished Thoughts" y llegará a tiendas físicas y digitales a nivel internacional el próximo 27 de mayo a travaés de Matador Records.

Perseguir una carrera solista paralela a bandas populares se ha vuelto un lugar común en el rock contemporáneo. Muchos de estos esfuerzos pasan desapercibidos, o bien, no logran trascender más allá de una iniciativa meramente anecdótica. El esfuerzo termina por ser —en muchos casos— una versión diluída del proyecto exitoso y la propuesta carece de un valor real en lo musical. El diferenciador está en aquellos que ven en este ejercicio una oportunidad de búsqueda, introspección y propuesta más allá de un escaparate o reflector que los mantenga entretenidos en sus momentos de ocio “en lo que la banda se reactiva”.

Thurston Moore se inscribe, sin duda, en los primeros, y prueba de ello es "Demolished Thoughts" que, dicho sea de paso, constituye su vigésimo quinto trabajo en estudio como solista. A diferencia de sus materiales anteriores más destacados, "Psychic Hearts" (Geffen, 1995) y "Trees Outside the Academy" (Ecstatic Peace!, 2007), este nuevo trabajo parece virar el timón hacia un territorio sumamente personal e íntimo, que nos remite, por momentos, a la obra icónica de autores como Nick Drake.

Los matices sonoros con los que nos envuelve "Demolished Thoughts" son producto de una de las colaboraciones más interesantes que se han visto en los últimos 15 años de la música popular, ya que Thurston ha puesto en manos del californiano Beck la prodcción del disco. El album da inicio con "Benediction", que marca el tono claramente acústico y orgánico que define el LP a lo largo de sus 9 tracks y nos sumerge en un ambiente muy “hogareño” (algo raro en el argot soniciutero). Al llegar "Circulation", se comienza a sentir la mano de Beck detrás de los manubrios, con ese aire —a veces sombrío a veces fraternal— que arrojó otra gran colaboración del mismo Beck: el magistral "Sea Change" (Universal, 2002, producido por Nigel Godrich). Las capas de guitarra y disonancia que tanto han caracterizado la música de Thurston Moore y Sonic Youth a lo largo de más de dós décadas son reinterpretadas por densas capas de cuerdas y efectos, además de las guitarras acústicas, gracias a Mary Lattimore en el arpa, Samara Lubelski en el violín y el mismo Beck quien ejecuta diversos instrumentos a lo largo del disco. Con canciones como "Illuminine" y "January", "Demolished Thoughts" demuestra la importancia del casi-perdido arte de grabar álbumes coherentes en los que cada cosa está en su lugar y funcionan como una entidad completa.

El paseo conceptual y personal por el que nos guía el lider de Sonic Youth también incursiona en una faceta literaria gracias una serie de poemas de Moore incluídos en el booklet del disco, mismo que llegará a tiendas digitales y físicas este próximo 27 de mayo.

por Jair Garcia
desde Distorcionrock.com

OTHER LIVES
Tamer Animals

TBD records, 2011

Hay discos para pasar el rato, para bailar, para una tarde soleada y para cualquier uso que ustedes le quieran dar. Pero aparte de esos, hay discos que se quedan en lo más profundo de nosotros y que además logran transportate a un lugar diferente al que los pies están tocando.

"Tamer Animals" de Other Lives encaja perfectamente en esa descripción. Es un disco con una arquitectura de la más alta manufactura; es fino, delicado y enteramente bello. No se verán cantando coros ni tampoco moviendo la cabeza de lado a lado, se encontrarán siendo llevados a lugares especiales dentro de la memoria.
Tomen los momentos más armónicos de los Fleet Foxes junto con los más orgánicos de Bon Iver y no estarán tan lejos del resultado final del disco. Cuenta con las voces lejanas y pacíficas y la instrumentación es épica en muchos momentos, dulce en otros tantos e inmaculada en todo pasaje; incluso en muchas ocasiones nos hace traer a la mente al "Deserter´s Songs" (sí, ese "Deserter´s Songs").

"Tamer Animals" nos enseña a lo largo de once canciones que no somos los únicos vivos en el planeta y que la belleza humana no es lo único que podemos apreciar. Hablan del espledor del Sol, de lo extenso de los mares o de la importancia del clima. Cada detalle del mundo exterior es digno de apreciación y lo justifican de manera uniforme con la estructuración; cada lapso de tiempo es importante y cada nota que emana de todo instrumento tiene una razón de ser, un argumento para hacerse notar y adorar.

La paleta de instrumentos es larga y sustancial. Como podemos encontrar pianos, podemos conmovernos con violines; las percusiones son medievales y se conjuntan con las trompetas. Escuchen por ejemplo "Dark Horse" con toda esa conjunción de sonidos y una voz que advierte ser el caballo negro de este año sorprendiendo a propios y extraños. O vayan a Tamer Animals en donde cada nota de piano hace notar que todo el show pronto se caerá y explota de manera triunfal.

El final es de lo más bello que podrán escuchar en mucho tiempo. "Landforms" se mueve de una forma tan sútil y delicada que eriza la piel mientras se escucha "...landforms are forming..." advirtiendonos del desastre como nunca lo han hecho. La última pista se deshace de toda esa instrumentación orquestal para dar cabida a un lapso de dos minutos y medio en donde la tierra parece hablar con nosotros, sentimos el viento que produce y toda esa conexión que se ha estado buscando se concreta de una forma épica y absolutamente conmovedora.

Quizá pensarán que se trata de un intento más de difusión de la protección ambiental, pero no es así. Tamer Animals no tiene un propósito fijo, sus consecuencias nacen naturalmente y sin esfuerzo alguno. Hay mucha belleza que admirar en muchos otros lugares por explorar, recorrer este disco una y otra vez, es una buena forma de comenzar.

por Joan
desde tacondeoro.blogspot.com

LETTING UP DESPITE GREAT FAULTS
Paper Crush EP
old flame records, 2011

Letting Up Despite Great Faults son un cuarteto de Los Ángeles del que desgraciadamente tampoco se encuentra mucha información. Les habíamos perdido la pista hasta que hace unas semanas se anunciaba la próxima salida del álbum que continuaría la estela del genial debut homónimo de 2009.
De aquel disco, una de las grandes sorpresas de 2009, recordamos prácticamente todas las canciones. Temas como "In Steps", "Sun Drips" o "Our Younger Noise" no merecían menos. Del EP de 2006 titulado "Movement" poco se sabe (si alguien lo tiene que avise, por cierto). Ahora, y como adelanto a su segundo disco, se edita "Paper Crush", EP de 5 temas que con estar a la altura de lo escuchado anteriormente nos daríamos por satisfechos.
Combinan ritmo y atmósferas shoegazing, hay gente que les compra con The Pains Of Being Pure At Heart. Yo a veces les veo un punto a The Postal Service y otras The Radio Dept. Vosotros veréis. Lo que está claro es que "Repeating Hearts", el tema que nos habían dejado ver hasta ahora, es un auténtico temazo.

La banda está formada por Mike Lee, Kent Zambrana, Chris Gregory, Matt Salas y Caitlin Dwyer, acaban de volver de un tour por Japón, donde fueron a demostrar ese shoegaze, mezclado con electrónica que tiene como resultado un sonido de esos bien veraniegos que tanto nos hipnotizan.

“You better bring her back and never leave her…”

desde
indiecaciones.wordpress.com

THE FEELING OF LOVE
Dissolve Me
born bad/kill shaman, 2011

Aunque Feeling of Love llevan ya bastante tiempo fue el año pasado cuando les pillé el punto con su LP “OK Judge Revival”. En general son un grupo que conserva ese aire francés de los Splash 4 y cosas así pero yendo más lejos en terrenos con más sintes y un poco más garageros en términos generales, aún así al igual que Frustration y muchos otros siguen conservando un poco ese aire de los grupos punk franceses de los 90. Esa fue básicamente la cosa que me enganchó, en general me gustan bastante los grupos franceses estos de coleguitas de Jack, Cecilia y Lili, se lo montan bien. Bueno pues total, Feeling of Love vuelven a la carga con un nuevo LP que se aparta totalmente de las grabaciones lo-fi que se han ido trayendo. Ya “OK Judge Revival” mostraba dejes un poco más pro y Velvet en algunos momentos. Pues esa faceta es la que explotan en “Dissolve Me”, se alejan un poco de sus temas más cañeros (aunque no totalmente) y se adentran bastante más en ese terreno. El disco en sí suena que te cagas musicalmente hablando y trae algunas canciones que son seguro de lo mejor que escucharé este año como “I Am Right, You Are Wrong” (que se sale con ese pianito estúpido) pero tiene su pero, el cantante no luce demasiado. Cuando en "OK Judge Revival" si sonaba bien tras un sonido un poco lo-fi aquí queda descubierto a la intemperie y se queda un poco a medio camino. El grupo en sí es genial, muy original y suenan potentes pero en la voz se quedan un poco cojos... Es una pena porque el disco es cojonudo y con un buen cantante directamente estaríamos hablando de un clásico moderno. Aún con esto... de lo mejor que hay en cuanto a garage punk hoy día de lejos, se ventilan a la mitad de los grupos que pululan por ahí. Un discazo que recomiendo a todo el mundo, espero que para el siguiente lo claven, si se lo toman con calma podrían hacer algo tan bueno como el “Exit Dreams” de los Hunches perfectamente.

desde
masalladelpunk.blogspot.com

GENOCIDE ORGAN
Under - Kontrakt
tesco organisation, 2011

Desde Alemania y desde la distribuidora Tesco, nos llega esta ya más que experimentada banda de industrial y noise que se creó entre 1985 y 1986 por W. Herich, D.A.X, y Doc M.Riot y que más tarde, desde 1999 hasta ahora también ha formado parte B.Moloch.

En este 2011 nos lanzan un LP en formato cristal y vinilo para los amantes y coleccionistas llamado "Under Kontrakt", donde en él, quieren expresar el disgusto por los patrones económicos y los cambios en el mundo desde hace bien poco, remontándonos solo al 2005 hasta el presente. Desde los contratistas militares, ya fueran los arqueros de creta, la caballería celta, los guardias del cuerpo germano, la Guardia Suiza, o los motivados soldados musulmanes o cristianos, los espartanos o los griegos, o los europeos y los asiáticos, hasta las fuerzas de las Naciones Unidas llegando a los contratistas privados, en general, todas esas personas que no buscan más que dinero.

En cuanto le damos al play al disco, lo que escuchamos de Genocide Organ es una vez más su composición sencilla como encontramos en el tema "Forever Whore", aunque esta vez con una ampliación en los géneros del industrial, el noise o incluso el experimental, en éste último caso, por su suavidad y sencillez compositiva.
Además de los matices que van cambiando a lo largo del disco desde temas con toques mas depresivos, como podría ser el caso de "It’s Over" hasta algunos más agresivos como podemos escuchar con "The Lord is My Light".

Los 11 temas que componen este nuevo disco son totalmente nuevos aunque algunos de ellos los han ido usando en sus directos así que pueden resultarnos familiares.

Un disco que probablemente no dejará mal sabor de boca a los fans de Genocide Organ.

desde
Electromasochisticsounds.com

El Sueño del Esquimal se transmite todos los jueves desde las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 fm, desde Valparaíso, también nos sintonizas on line por aquí.

Actividad Nacional...

2011-08-30T20:21:00.014-03:00

Mucho movimiento está viviendo la escena indie local, para empezar el magnífico netlabel santiaguino Michita Rex ya tiene para descargar "Al Vuelo" el esperado disco debut de Fakuta, además de "Hombre Solo" primer trabajo de Voz De Hombre proyecto de Cristóbal Gajardo, vocalista de Los Embajadores, y como guinda en la torta publican "Musica Para El Fin Del Mundo" Vol.2 con lo más destacado de su catálogo + el EP "Horizonte" de Dadalú, todo lo encuentras en el universo Michita Rex y comienza a flotar...

También la interesante etiqueta Quemasucabeza se viene con novedades, hace poco han lanzado el nuevo disco del dúo experimental Mostro, "Libre para Regurgitar la Intemperie" se llama y según algunos comentarios su sonido se encuentra entre lo cósmico y lo animal, entre el krautrock, el space-rock y esa vena mutante que siempre ha mostrado la banda, el disco estuvo en la web del sello durante julio, pero ya no, igual se puede comprar una bella edición en vinilo, así como lo de Caravana. Y recuerden que Congelador está de vuelta celebrando los 10 años de Quemasucabeza, dejando para descarga su actuación junto a Damo Suzuki de 2009 a través de la web, toda una joyita.

Y desde Valparaíso arriban Los Fjuiiith con el video para "Me Estoy Muriendo De Pena", una banda que ya lleva algunos años en el ruedo porteño, formados por María Carlier en la voz principal, Antonio Duarte en el bajo —guitarra en el estudio— y Daniel Ibarra en la batería. Luego de un tiempo en silencio han reaparecido y proyectan tener muy pronto su disco debut en las calles, ya les avisaremos, por ahora te dejamos este entretenido video dirigido por Macarena Ternicien.

Todo quedará para una urgente revisión en El Sueño Esquimal.

El Sueño del Esquimal #329, jueves 25 de agosto.

2011-08-16T20:15:00.018-04:00

(El Porqué De Mis Peinados....)

ECHO AND THE BUNNYMEN
Do It Clean
ocean rain, 2011

En la década de los 80s' una profusa nube gris con el apelativo de Post-Punk (o After-Punk si lo prefieres) cubría las islas británicas de costa a costa, los Sex Pistols se habían transformado en Public Image Ltd. y Joy Division dejaba su testamento depresivo para una audiencia hambrienta de nuevas sensaciones, en ese momento cuatro muchachos de Liverpool de cabellera desarmada y abrigos largos publicaban "Crocodiles" (korova, 1980), era el primer álbum de Echo And The Bunnymen, un disco salvaje y liberador que venía a refrescar una escena cargada hacia los mantos funerarios, el suicidio y los callejones sin salida, Ian McCulloch, Will Sergeant y compañía llegaron con su descarga energética en el momento preciso y se convirtieron en una referencia importante en esos años, una música que tomaba la crudeza del Punk más una buena dosis de psicodelia y emoción, con un frontman carismático como McCulloch, las guitarras cortantes de Sergeant y la base ritmica robusta de Les Pattinson y Pete De Freitas (este último lamentablemente fallecido en 1989), con esta formación editaron 5 discos que deben encontrarse entre lo mejor que salió de Inglaterra en los 80s'.
Luego vino la dispersión, proyectos solistas, separaciones y re-agrupaciones varias, pero lo esencial de Echo And The Bunnymen se queda en lo que produjeron entre 1980 y 1987, trabajos que hasta hoy suenan atrevidos y excitantes.
En la actualidad la banda se mantiene activa con McCulloch y Sergeant empujando el mito como miembros fundacionales (incluso en 2009 publicaron "The Fountain" un disco bastante bueno que es su última referencia a la fecha), después de dos décadas de esa primera venida los Bunnymen toman otra vez la aceleración de esas producciones llevándolas hasta unos directos que hacen olvidar el tiempo transcurrido y nos demuestran que su música se encuentra más viva que nunca, "Do It Clean" es un CD doble grabado en vivo en diciembre de 2010 en el Liverpool Olympia donde podemos oír (casi) integros sus dos primeros álbumes (quién sabe porque han dejado fuera la titular "Do It Clean"), el ya nombrado "Crocodiles" y "Heaven Up Here" (korova, 1981) sin retoques ni overdubs, así de crudos e intensos como lo eran en sus comienzos y la verdad es que las canciones parecieran tomar un nuevo impulso vital, un interesante juego entre el recuerdo y el sonido recargado (casi furioso), conmueven en la partida de "Going Up" contundente con las guitarras afiladas de Sergeant y la voz inalterable de McCulloch, una imagen de rebeldía que retorna y se apodera de tu imaginación, sin fisuras van apareciendo uno a uno los temas de la mejor estancia Bunnymen cuando reinaban en el altar de 'lo que vino después del Punk' junto a The Cure y los Banshees, una "Rescue" ultra-electrificada nos sorprende con su elegancia misteriosa, los teclados que remiten a The Doors (siempre fue una de sus influencias más queridas) y un McCulloch desgarrador sobre la ola distorsionada, luego "Villiers Terrace" un pedazo de punk inglés potente que mutan en una versión brumosa de un tema de The Doors que no alcanzo a recordar (podría ser "L.A. Woman"), nunca bajan la guardia y se vienen con otro temazo de su era más hot, "Pictures On My Wall" que aún suena con ese desenfado juvenil, increíble, esto va más allá de un simple repaso de añoranza, es sonido vivo y golpeador, un documento de alcance para sus antiguos fans como para un público que no conoció a una de las bandas más influyentes del rock británico.
La segunda parte de este registro no se queda atrás, "Heaven Up Here" fue un disco de una madurez anticipada para Echo And The Bunnymen, su música se ralentizó de cierta manera pero a la vez se hizo más profunda, una variedad de matices abrazando la silueta tras ese temporal de sensaciones, sentimos el hechizo de "Show Of Strength", "With A Hip" y "Over The Wall" como una fuerza sobrenatural que nos absorve, demostración feroz de vigencia y talento creativo que los aleja varias estaciones de buena parte del rock actual, mención aparte para "All My Colours" una pieza atemporal que en esta grabación simplemente se hace entrañable con la lírica de McCulloch siempre un paso adelante, "volando, y sabes que no voy a bajar, lo intentas, pero sabes que pronto tendrás que hundirte, todos mis colores se convierten en nubes...".
Echo And The Bunnymen y su escuela de inspiración, super recomendado.

Raúl Cabrera H.

THE BILINDA BUTCHERS
Regret, Love, Guilt, Dreams EP
self-release, 2011

Con este sujerente titulo “arrepentimiento, amor, culpa, sueños” se presentan en sociedad este dúo de San Francisco (CA) que se pusieron ese nombre en homenaje a la guitarrista de la mítica banda shoegazer My Bloody Valentine, Bilinda Butcher. Nostalgia de un futuro podría ser la palabra exacta para definir la música de este combo californiano, una amalgama de elementos electrónicos, guitarras de ensueño, cajas de ritmos y confusas voces como salidas de un profundo pozo. Un gran sueño febril de atmósferas exuberantes, texturas lo-fi, bedroom pop, dream pop, shoegaze y glo-fi o lo que demonios sea lo que hacen estos chicos ya que es una farragosa pero resultona mezcla de múltiples brumosas sensibilidades, cuyo denominador común es esa nostalgia de sonidos de antaño pero con un ojo puesto en el futuro.

El Ep empieza con “All My Friends” que abre con una bonita genuflexión a los Beatles, una encantadora canción de genética pop lo-fi, “Tulips” la que es una incursión en esos sonidos electrónicos tan manidos estos dos últimos años el chillwave, con “Careless Teens” nos suben las pulsaciones la que mas me atrajo de todas ellas, una preciosa pieza que contiene esa romántica melancólica de antaño, les preceden “Sigh” y “Boyfriend” donde se sumergen de pleno con los sintetizadores sin dejar de lado esos aires ensoñadores, cierra “Secrets” una hipnótica pieza ambient.

Amigos de su paisano Mikey Sanders alias Blackbird Blackbird posiblemente sea el que les haya influenciado en esos temas de clarísima atracción por el chillwave. Cuando se les pregunta por sus influencias nombran el shoegaze electrónico de los suecos The Radio Dept. aunque uno piensa que nombrarían a esas bandas shoegazers llenas de reberb de finales de los ochenta y principios de los noventa, cuando se les pide que definan su música los hacen con una lacónico y simplista “nostalgia pop”. Un trabajo muy interesante para tener en cuenta a este dúo en un futuro próximo, la banda carece de contrato discográfico y distribuyen este Ep gratuitamente desde su bandcamp.

desde
Esdemasiadoparamicabeza

LAUREL HALO
Hour Logic EP
hippos in tanks, 2011

La originaria de Ann Arbor (Michigan), y bien situada en el Brooklyn neoyorquino, lleva un par de años componiendo algunas de las mejores y más inspiradas composiciones de electrónica experimental líquida y policromada, digital y orgánica, hedonista y soñadora, etérea y planeadora, que sobre la modernidad última le entronizan como una de las mejores artistas de la órbita independiente. Ina Cube, o esa monadita de veinticinco años que se esconde detrás de Laurel Halo, comenzó en "Endless Echo" con una serie de epés exploratorios de un universo personal que paulatinamente irá modulando en su proteica y evolutiva manera de componer hasta encontrárnosla en Hippos in Tanks, también casa de Hype Williams, James Ferraro, d’Eon, Sleep ∞ Over o Physical Therapy. En un lugar rozado en un atisbo ligero, pero no ampliamente transitado, por otras senescalesas del pop avanzado como Computer Magic, Maria Minerva o Grimes, Laurel Halo ondea sobre un synthpop de vanguardia que hereda matices de un ambient cristalino y acuoso, un art-pop abstracto que se baña de partículas cósmicas, éter y radiación electromagnética. Una práctica experimental que contiene y supera las distintas wave, arcaicismos vocales y tímbricos épico-medievalistas que culminan en melodías de exuberancia reverberante, trepidaciones rítmicas, polvo del espacio, vacío y chatarra espacial, mutaciones hologramáticas y microscopías láser entre el tecno detroités y el minimalismo alemán (a la Kompakt) y un plancton drónico errante y nebular que convierte cada uno de sus trabajos en un conspicuo ensayo de creatividad. Tras sus primeros trabajos en mp3 para Endless Echo (Future Fruit y Ambrossia Ep), sorprende a finales del año pasado con un magnífico epé en 12” para Hippos in Tanks, de nombre "King Felix", donde se recrea en una heurística, arpegiada, burbujeante, destellante, pacífica y sedante electrónica pop élfico-androide con maravillas como Coriolis o Mental Confection (que será remezclada al final de la cara b por Oneohtrix Point Never), en lo que es el trabajo con mayor presencia vocal de la veinte añera. El pasado mayo salía a la luz para NNA Tapes (también hogar de algunas referencias de Dylan Ettinger, Hobo Cubes, Aguirre, Oneohtrix Point Never o Josh Burke) "Antenna", una oda en siete movimientos vibrados a la contemplación y al consiguiente embebecimiento donde es el ambient, el eco vocal y el drone variable la esencia de su sonido sustantivo. Una muestra más de su diestra holgura ecléctica antes de publicar "Hour Logic", en un nuevo estallido estelar y revisionista de su circunstancial e inmanente estilo.

Es en este último trabajo para Hippos In Tanks donde Laurel Halo denota una mayor inclinación hacia esa hibridación tecnócrata en un sonido asintótico entre el ritmo galopante y el delirio maxitextural de melodías que son cristales soplados en digital y que se suspenden al infinito en un plácido cielo en el que flotamos sobre líquido amniótico. Electrónica panóptica y torrentes polirrítmicos se precipitan sobre estas seis nuevas piezas ("Head", en realidad también incluida en "Antenna") que conforman un trabajo apabullante, lisérgico y onírico, donde beats concatenados, temblores y sacudidas graves, chocantes hasta el noqueo lírico binario, se acompañan de balanceos de valles que son vergeles tecnológicos, circuitos digitales y puertas lógicas que dan acceso a una deleite catártico, feliz y bello. "Hour Logic" es un jardín gradual iridiscente de polígonos poliédricos y una dimensionalidad elástica tornasolada y refulgente. Una excursión heterofónica por un bosque de rotores dinámicos, cuerpos matemáticos y figuras imposibles en ciclos al infinito. De una profunda intensidad poética donde no hay retorno porque tampoco hay partida, Laurel Halo explora con este nuevo ep hacia Cyberia una metamórfica travesía escultural de una electrónica galáctica y angular, múltiple y reflexiva, que es recreo mecánico infalible y meditación hecha con máser, sinfonía.

por David Cano
desde Notodo.com

NICOLAS JAAR
Space Is Only Noise
circus company, 2011

“Un arquitecto tiene que crear espacios físicos que funcionan, yo no. Lo mío tiene que existir simplemente. Prefiero ser poeta”. NJ.

Nicolas Jaar, 21 años. Su ídolo es Leonard Cohen y admira a diversos cineastas italianos pero son la excepción, normalmente no le gustan los italianos. Elegiría a Borges si tuviera que musicalizar una obra. Nació en Nueva York y luego emigró a Chile, donde pasó seis años para luego volver a su ciudad natal, estudió en el Licée Français y desde entonces se siente europeo. Por eso, para publicar su primer LP, "Space Is Only Noise" (2011), ha elegido el sello francés Circus Company en vez del estadounidense Wolf+Lamb.

A los 14 años, Jaar se iba con unos amigos al metro de Nueva York, a Central Park o al Spanish Harlem para improvisar, dice que todo eso se lo debe al jazz. Y definitivamente el jazz ha marcado su música. Sus composiciones heredan la estructura del jazz, pero Jaar amplía sus horizontes valiéndose del inmenso mundo de la electrónica. Pero eso sí, nunca dejando de lado las trompetas de toda la vida, como en canciones como "Keep Me There" o "I Got A", protagonizada por un piano de cola. Jaar se atreve también con su voz, que aunque distorsionada en "Problems With The Sun", la descubrimos sincera y grave como si te cantara al oído en composiciones como la que da nombre al disco. Delata su paso por Chile cuando oímos "El Bandido" o "Mi Mujer", ambas no incluidas en "Space Is Only Noise" y cantadas en castellano made by Jaar.

Canciones como "Balance Her In Between Your Eyes" nos hacen entrar en una especie de trance. "Specters Of The Future" empieza con un sabor añejo para acabar con sintetizadores y la simplicidad de "Trace" es tal que hasta da miedo. Y, sin pasar desapercibida "Variations", llegamos al final con "Etre", que cierra el círculo llamándose igual que la primera. Se han quedado grandes canciones fuera de este disco, tales como "Marks" o el hitazo "Love Teacher". Pero esto sólo es la erupción del volcán Jaar y presentimos que queda mucho más por escuchar.

“El 70% de las personas utilizan la música como utilizan la moda, o como utilizarían cualquier otra forma de objeto o creación artística: se sirven de ella para mostrar algo sobre ellos. Es inevitable. Desgraciadamente.” NJ.
Para Jaar, estamos ahora mismo en el Renacimiento de la música electrónica, el momento en que todo el mundo puede hacer música. Sin estudio, sin productor, sin otros músicos. Solos tú y tu Mac. Pura sinceridad y honestidad hacia el oyente.

En el verano de 2004, Soul Keita, Nikita Quasim y Nicolas Jaar se conocieron y fundaron Clown and Sunset, un colectivo donde se reúnen estos tres más Valentin Stip para sacar compilaciones como "Inès" (2010), con temas de creación individual pero con la prometedora colaboración en Her String con todos ellos unidos fraterna-musicalmente.

Nicolas Jaar estuvo en el pasado Sónar y allí comprobamos que, en los directos, la banda está compuesta por Ian Sims a la batería, Will Epstein al saxo y teclados, Dave Harrington a la guitarra y el propio Nicolas al piano, voz y demás sonidos electrónicos. “Un prodigio”, dicen los afortunados que le vieron en el Sónar.

por Alma Porta
desde Crazyminds.es

CIRCUIT DES YEUX
Portrait

de stijl, 2011

Haley Fohr (22 años) es el nombre de la chica que se esconde bajo el nombre Circuit Des Yeux. Un par de aclamados discos (editados durante el 2008 y 2009) la hicieron ganar rápidamente un estatus de culto dentro del circuito independiente internacional. Ambas obras se revuelcan en una rarísima y trasnochada propuesta de baja fidelidad, tan característica de los músicos del mid west estadounidense (ella es de Lafayette, Indiana).
"Portrait" continua la senda trazada en sus dos trabajos anteriores pero esta vez se percibe cierta accesibilidad que no era posible encontrar en el pasado. Algunas canciones como "3311" o "101 Ways To Kill A Man", entran fácilmente en el subconsciente, contribuyendo a una experiencia auditiva más amistosa. Circuit Des Yeux evoca los espíritus de Jandek y Jim Sheppard, generando una fascinante atmósfera que podría acompañar de manera perfecta a tus peores noches de insomnio.

por Iván Daguer
desde Especial35°

TV GHOST
Mass Dream
in the red, 2011

Vuelven con otra ración de nihilismo fantasmagórico nuestros espectros favoritos TV GHOST que tras un increiblemente viciante "Cold Fish" se suplantan en su propia identidad para racionarnos de nuevo con una colección de retazos Post-Punk de salivazo noise que lleva por título "Mass Dream" y que vuelven a editar en la imprescindible In the Red Records con una cuenta bien larga repleta de bandas de calidades y originalidades inexcrutables y hambrientas por reventar escenarios.

Desde Lafayette (Indiana) la banda mantenida por cuatro flacos drogadictos, se revuelve nerviosamente como buscando guita para crack o algo así y es que su música es galopante como el Post-Punk de los 80s', igual de demacrado pero más colorido y rodeado de drogas de diseño, un punk arty feo y dolorosamente bueno. Ellos continúan haciéndote sentir como en una pesadilla de formas innobles mas suenan reconvirtiendo los huecos con voces de fantasmagoría y letargos sucios de tanto arrastarse por callejones húmedos plagados de jeringas, lugares en los que la cacofonía se nos presenta como un presente sin pasado como una buena lluvia de meados del más allá, como el único mal trip necesario para hacerte con la necesidad de estar vivo pero muerto.

Siniestros, divertidos, alocados como un fin de semana en las catacumbas. En la ruta de The Birthday Party, Suicide, The Scientists y otras deformidades placenteras.

desde
lamquinablanda.blogspot.com

JULIANNA BARWICK & IKUE MORI
Frkwys Vol. 6
rvng intl., 2011

Julianna Barwick & Ikue Mori fueron invitadas para hace una colaboración para la prestigiada serie FRKWYS que reúne a distintos artistas a colaborar entre si, por ejemplo acá pueden ver información del Vol 7.

Julianna Barwick es una artista relativamente nueva que vive un momento muy importante en la música ambient underground de Nueva York, tiene 3 discos y todos son altamente recomendables. Por su parte Ikue Mori es una artista con mucho más tiempo en los reflectores, nació en 1953, en Tokyo, Japón y en el año 1977 llegó a NY, es baterista y diseñadora gráfica, ha sido un personaje activo del punk y del avant garde, reconocida como pionera en trabajar con software o cajas de ritmos. También famosa por ser la batería en la mítica banda DNA.

Esta colaboración se basa en improvisaciones que se grabaron directamente a un vinyl, el evento se llevó a cabo el pasado octubre a manera de happening en la galería White Columns. Durante la presentación la artista visual Erik Mika proyectada imágenes y manipulaba la luz de la sala. El resultado es bastante experimental y evidentemente con altas dosis de avant garde, sin embargo dentro de toda esta cosa extraña por momentos hay diversión, la combinación de lo absurdo con ruidos y texturas de pronto genera pasajes, repito, hasta amenos, cosa que no es fácil encontrar en estos niveles de intelectualidad.

desde
Regioncuatro.com.

Sintoniza El Sueño del Esquimal todos los jueves a las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso, también online por aquí.

Just For a Day, jueves 11 de agosto.

2011-08-10T21:32:00.027-04:00

JUST FOR A DAY

Música para días nublados... exploración entre atmósferas Dream Pop, Ethereal Wave, Post-Punk y Shoegaze.

ETERNAL
Breathe
sarah, 1990

BAILTER SPACE
The Aim
flying nun, 1992

SILVANIA
Paisaje III
elefant, 1994

SLOWDIVE
Just For A Day
creation, 1991

PIANO MAGIC
Low Birth Weight
rocket girl, 1999

FLYING SAUCER ATTACK
Chorus
domino, 1995

CHRISTIANES
Ultrasol
emi, 1995

MELLONTA TAUTA
Sun Fell
hyperium, 1994

KORDAN
The Longing
last bummer, 2010

EYELESS IN GAZA
Drumming The Beating Heart
cherry red, 1982

BELL HOLLOW
Foxgloves
five03, 2007

DAS KABINETTE
Spy Thriller
minimal wave, 2008

LYDIA LUNCH
13.13
ruby, 1982

JUDY NYLON & CRUCIAL
Pal Judy
on-u sound, 1982

NORMA LOY
Sacrifice
just in distribution, 1988

REQUIEM IN WHITE
Of The Want Infinite
first communion, 1995

'Just For A Day' es un especial de El Sueño del Esquimal, se emite esta noche a las 21:00 hrs. en directo por Radio Placeres 87.7 fm desde Valparaíso, en línea además desde aquí.

* el sueño del esquimal *

ESDE / 50 LPs' para 2011

~~~ 21 EPs' Mágicos para 2011 ~~~

El Sueño del Esquimal #342, jueves 15 de Diciembre.

El Sueño del Esquimal #341, jueves 8 de Diciembre

El Sueño del Esquimal #340, jueves 1 de Diciembre.

El Sueño del Esquimal #339, jueves 24 de Noviembre

El Sueño del Esquimal #338, jueves 10 de Noviembre.

El Sueño del Esquimal #337, jueves 3 de noviembre

NEW WAVE, SARAH & C86, jueves 27 de octubre

El Sueño del Esquimal #336, jueves 20 de Octubre

El Sueño del Esquimal #335, jueves 13 de octubre

El Sueño del Esquimal #334, jueves 6 de octubre.

El Sueño del Esquimal #333, jueves 29 de septiembre.

El Sueño del Esquimal #332, jueves 22 de septiembre

El Sueño del Esquimal #331, jueves 15 de septiembre

El Sueño del Esquimal #330, jueves 31 de agosto.

Actividad Nacional...

El Sueño del Esquimal #329, jueves 25 de agosto.

*Just For a Day*, jueves 11 de agosto.

~ 21 EPs' Mágicos para 2011 ~

Just For a Day, jueves 11 de agosto.