Grimos.... los duendes del olvido y el eco gutural de una maquinaria sonora que vuelve a rasgar en esta noche congelada.
La nueva bailarina en la oscuridad, tuvo que regresar el synth-pop de pozo oscuro, el dream pop 4AD y llegar la muerte súbita del witch-house para que esta maga virginal se tomara el altar en el claroscuro dejado tras el temporal. Claire Boucher es Grimes y se ha convertido en el primer hype verificable del año, para bien o para mal, aunque ahora pienso más en lo primero, "Visions" la cuarta placa de la joven de Toronto es espectacular y funciona tanto en los destellos de la pista de baile como en los corredores de instrospección, es tan raro como escuchar el techno-pop sobrecargado gustador de Grimes y luego clavar la mirada en la portada del disco, quién se lo imaginaría, pero Claire es además artista plástica y gusta bajar hacia los abismos nocturnos con diseños que parecen sacados de la mejor escudería thrashera subterránea de fines de los 80's, de ahí el impacto y la división, belleza y engendro unidos para hacerte palidecer.
Partiendo por 2 singles irrefutables como "Genesis" y "Oblivion", nadie podría contenerse ante estos encantos: voz adorable, atmósferas sugestivas, sonido 80's sintético y cautivante, manto de delays expansivos y ritmos dejados en el tempo preciso para la danza de salón, Grimes es música y diseño, combinando con gusto la mirada vintage y la expresividad dark. Moda.
Tras la sacudida electro, encontramos en "Visions" un trabajo repleto de buenos momentos donde los sintetizadores se mueven con elegancia y las vocalizaciones iluminan siempre el terreno misterioso, Claire a ratos puede parecer una hada ingenua ("Circumambient"), luego transfigurarse en una Enya apocalíptica ("Symphonia IX (My Wait Is U)" y "Visiting Statue"), para finalmente entrar como médium en un lance tribalista del tipo Gang Gang Dance ("Vowels = Space And Time"), en todas las estaciones su voz es el centro, los sonidos son lustrosos y mágicos, ecos y visiones cierran con perfección el pentagrama de Grimes. Fluorescencia natural.
New wave desde la Canadá más etérea. Esto es bueno para la gente y la gente es buena para esto.
Raúl Cabrera H.
Partiendo por 2 singles irrefutables como "Genesis" y "Oblivion", nadie podría contenerse ante estos encantos: voz adorable, atmósferas sugestivas, sonido 80's sintético y cautivante, manto de delays expansivos y ritmos dejados en el tempo preciso para la danza de salón, Grimes es música y diseño, combinando con gusto la mirada vintage y la expresividad dark. Moda.
Tras la sacudida electro, encontramos en "Visions" un trabajo repleto de buenos momentos donde los sintetizadores se mueven con elegancia y las vocalizaciones iluminan siempre el terreno misterioso, Claire a ratos puede parecer una hada ingenua ("Circumambient"), luego transfigurarse en una Enya apocalíptica ("Symphonia IX (My Wait Is U)" y "Visiting Statue"), para finalmente entrar como médium en un lance tribalista del tipo Gang Gang Dance ("Vowels = Space And Time"), en todas las estaciones su voz es el centro, los sonidos son lustrosos y mágicos, ecos y visiones cierran con perfección el pentagrama de Grimes. Fluorescencia natural.
New wave desde la Canadá más etérea. Esto es bueno para la gente y la gente es buena para esto.
Raúl Cabrera H.
Se propuso crear la música más extrema posible y a fe que lo consiguió. Tres décadas después, hechizado por las percusiones africanas, William Bennett deja apartado temporalmente el terrorismo con secuenciadores de Whitehouse para emprender en Cut Hands una forma nueva de brutalismo polirrítmico que desafía barreras estilísticas y estéticas, pero, sobre todo, mentales. Bienvenido al lugar adonde jamás imaginaste que podrías llegar.
"Fue casi por accidente que llegué a conocer a los músicos de Burundi y Haití, artistas que no necesitan de computadores, pedales de efectos, sintetizadores ni cables, ni siquiera electricidad, para hacer música más jodidamente intensa y asombrosa. Música con el poder de hacer que las mujeres entren en trance y convulsionen y de que los hombres saquen espuma por la boca. Música capaz de provocar las experiencias emotivas más increíbles que puedas imaginar. Yo todo ello utilizando unos simples tambores, pequeños fragmentos de metal, unas cuantas piedras y martillos" cuenta un convencido Bennett, quién dedicó cuatro años a la producción de "Afro Noise I", álbum que incluye tres temas que ya aparecieron publicados en discos de Whitehouse, y para cuya grabación se hizo con una pequeña colección de instrumentos de percusión, "la mayoría tambores típicos de Ghana que fui reuniendo: doun-douns, mis favoritos, además de djembés, campanas y ksing-ksings, una especie de maracas metálicas unidas a tambores".
Con todo, Bennett se esfuerza por dejar claro que su aproximación al potencial catártico de la percusión africana está lejos de la apropiación etnocentrista y con fines de exaltación exótica de que hacen gala muchos otros artistas contemporáneos: "La noción occidental de la world music es horrible. Es en parte por eso por lo que me cuido mucho de describir lo que hago como 'música africana', Sí, utilizo instrumentos africanos. Sí, he tomado clases de percusión. Y sí, tengo una gran admiración por estos músicos, pero al mismo tiempo es importante dejar claro que esta música me representa solo a mí y a nadie más".
Así, y a pesar de que la polirritmia introducida aporta una mayor complejidad compositiva en la estructura de Cut Hands, el efecto es de un calibre devastador similar al resto de la discografía de Bennett: allí donde antes se extendía un claustrofóbico espacio de agresión sónica compuesto de ruido blanco y el ultraje de las voces tiranas de Bennett y Phil Best, ahora se impone una magia negra de origen metafísico.
La idea de compromiso invisible -transparent concession- es central para comprender -o al menos tratar de hacerlo- la aproximación a la música como expresión artística absolutamente libre de restricciones de todo tipo, ya sea impuestas desde fuera o desde dentro, que William Bennett trata de impulsar desde que, en 1980 con apenas 18 años y defraudado con el servilismo y la falta de riesgo que imperaba en la escena musical, fundara Whitehouse: "Se trata de llevar al público a un lugar oscuro, donde nada le es familiar y las normas habituales no tienen validez. Como consumidor, eso es lo que busco; pero, por desgracia, muy raramente encuentras a alguien con la valentía suficiente para llevarte hasta allí. La gente tiende a prometer más de lo que está dispuesta a ofrecer".¿Forzar los límites es siempre algo positivo? "Yo más bien diría que lo saludable es faltarle el respeto a los límites", sentencia Bennett. Y con toda razón.
por Ruben Pujol
desde rockdelux.com
"Fue casi por accidente que llegué a conocer a los músicos de Burundi y Haití, artistas que no necesitan de computadores, pedales de efectos, sintetizadores ni cables, ni siquiera electricidad, para hacer música más jodidamente intensa y asombrosa. Música con el poder de hacer que las mujeres entren en trance y convulsionen y de que los hombres saquen espuma por la boca. Música capaz de provocar las experiencias emotivas más increíbles que puedas imaginar. Yo todo ello utilizando unos simples tambores, pequeños fragmentos de metal, unas cuantas piedras y martillos" cuenta un convencido Bennett, quién dedicó cuatro años a la producción de "Afro Noise I", álbum que incluye tres temas que ya aparecieron publicados en discos de Whitehouse, y para cuya grabación se hizo con una pequeña colección de instrumentos de percusión, "la mayoría tambores típicos de Ghana que fui reuniendo: doun-douns, mis favoritos, además de djembés, campanas y ksing-ksings, una especie de maracas metálicas unidas a tambores".
Con todo, Bennett se esfuerza por dejar claro que su aproximación al potencial catártico de la percusión africana está lejos de la apropiación etnocentrista y con fines de exaltación exótica de que hacen gala muchos otros artistas contemporáneos: "La noción occidental de la world music es horrible. Es en parte por eso por lo que me cuido mucho de describir lo que hago como 'música africana', Sí, utilizo instrumentos africanos. Sí, he tomado clases de percusión. Y sí, tengo una gran admiración por estos músicos, pero al mismo tiempo es importante dejar claro que esta música me representa solo a mí y a nadie más".
Así, y a pesar de que la polirritmia introducida aporta una mayor complejidad compositiva en la estructura de Cut Hands, el efecto es de un calibre devastador similar al resto de la discografía de Bennett: allí donde antes se extendía un claustrofóbico espacio de agresión sónica compuesto de ruido blanco y el ultraje de las voces tiranas de Bennett y Phil Best, ahora se impone una magia negra de origen metafísico.
La idea de compromiso invisible -transparent concession- es central para comprender -o al menos tratar de hacerlo- la aproximación a la música como expresión artística absolutamente libre de restricciones de todo tipo, ya sea impuestas desde fuera o desde dentro, que William Bennett trata de impulsar desde que, en 1980 con apenas 18 años y defraudado con el servilismo y la falta de riesgo que imperaba en la escena musical, fundara Whitehouse: "Se trata de llevar al público a un lugar oscuro, donde nada le es familiar y las normas habituales no tienen validez. Como consumidor, eso es lo que busco; pero, por desgracia, muy raramente encuentras a alguien con la valentía suficiente para llevarte hasta allí. La gente tiende a prometer más de lo que está dispuesta a ofrecer".¿Forzar los límites es siempre algo positivo? "Yo más bien diría que lo saludable es faltarle el respeto a los límites", sentencia Bennett. Y con toda razón.
por Ruben Pujol
desde rockdelux.com
DIAMANDA GALÁSMalediction And Prayer
mute, 1998
Diamanda Galás es una destacada cantante de ópera, artista vanguardista, compositora ocultista y pianista norteamericana de origen griego nacida el 29 de agosto de 1955. Conocida por su talento con el piano, así como por su inquietante voz, que tiene una amplitud de registros ultra-emocionales y ásperos. Usa frecuentemente estilos propios de canto, con gemidos, gritos y glosas que le han dado una expresividad extrema y chocante para muchos.
En este célebre registro en vivo titulado "Malediction And Prayer", Diamanda nos entrega un disco en el que mezcla multitud de estilos, idiomas y campos culturales, polifacética.
La gran mayoría de las canciones son versiones de grandes clásicos, como "Iron Lady" de Phil Ochs, "The Thrill Is Gone" de Roy Hawkins, o el más que consagrado "My World Is Empty Without You" de Holland-Dozier-Holland.
Pero también nos sorprende con joyas literarias de Baudelaire (...) con el poema de Caín y Abel, un poema llevado con ritmos marroquíes mezclados con puro flamenco y sus más que desesperados lamentos, con un carácter muy fuerte, típico de las grandes mammas marroquíes.
Cómo no Diamanda no nos defrauda y se acuerda de los grandes del blues como Willie Dixon con "Insane Ansylum".
Pero va más allá del blues y con "Supplica A Mia Madre" adapta por su propia cuenta a Passolini, la adaptación roza la perfección absoluta, combina la italia más pura de Passolini con la forma de recitar casi idéntica a Vinícius de Moraes con un piano lleno del romanticismo más clásico de corte como Erik Satie o Frédéric Chopin
Pero tranquilos, que la cosa no acaba ahí, no se puede hacer una reseña del álbum sin escribir unas cuantas palabras sobre la canción "Si La Muerte", una canción popular española adaptada por la propia Diamanda en forma de flamenco libre satanizado, con un piano minimalista y una interpretación muy a lo de escenas teatrales trágicas, desgarradoras, de la España lorquiana más profunda.
En resumen, la palca reúne toda una colección de canciones que bien podrían haber sido escritas en el romanticismo de, por ejemplo, Bécquer. Letras malditas con historias vampíricas que necesitan desnudar sus almas por medio de la exorcización del rezo, el llanto... con un trasfondo musical de estilos tristes, melancólicos, desesperados, desterrados, malditos.... como el blues, agridulzones con ritmos norteafricanos y de corte clásico; todo bien mezclado con la interpretación dramática musical en directo de Diamanda Galás.
Detrás de todos esos berridos vampíricos, disfraces sangrientos y demás se esconde una mujer conocedora de muchos estilos musicales, cineastas y literarios; y que sabe unirlos explorativamente como nadie, creando puras obras de arte, que no son ni de fácil escucha ni de un entendimiento fluido. Hay que saborearlo, dejarlo reposar y volver a paladearlo... como un buen vino.
por Cron
desde linuxmusica.com
En este célebre registro en vivo titulado "Malediction And Prayer", Diamanda nos entrega un disco en el que mezcla multitud de estilos, idiomas y campos culturales, polifacética.
La gran mayoría de las canciones son versiones de grandes clásicos, como "Iron Lady" de Phil Ochs, "The Thrill Is Gone" de Roy Hawkins, o el más que consagrado "My World Is Empty Without You" de Holland-Dozier-Holland.
Pero también nos sorprende con joyas literarias de Baudelaire (...) con el poema de Caín y Abel, un poema llevado con ritmos marroquíes mezclados con puro flamenco y sus más que desesperados lamentos, con un carácter muy fuerte, típico de las grandes mammas marroquíes.
Cómo no Diamanda no nos defrauda y se acuerda de los grandes del blues como Willie Dixon con "Insane Ansylum".
Pero va más allá del blues y con "Supplica A Mia Madre" adapta por su propia cuenta a Passolini, la adaptación roza la perfección absoluta, combina la italia más pura de Passolini con la forma de recitar casi idéntica a Vinícius de Moraes con un piano lleno del romanticismo más clásico de corte como Erik Satie o Frédéric Chopin
Pero tranquilos, que la cosa no acaba ahí, no se puede hacer una reseña del álbum sin escribir unas cuantas palabras sobre la canción "Si La Muerte", una canción popular española adaptada por la propia Diamanda en forma de flamenco libre satanizado, con un piano minimalista y una interpretación muy a lo de escenas teatrales trágicas, desgarradoras, de la España lorquiana más profunda.
En resumen, la palca reúne toda una colección de canciones que bien podrían haber sido escritas en el romanticismo de, por ejemplo, Bécquer. Letras malditas con historias vampíricas que necesitan desnudar sus almas por medio de la exorcización del rezo, el llanto... con un trasfondo musical de estilos tristes, melancólicos, desesperados, desterrados, malditos.... como el blues, agridulzones con ritmos norteafricanos y de corte clásico; todo bien mezclado con la interpretación dramática musical en directo de Diamanda Galás.
Detrás de todos esos berridos vampíricos, disfraces sangrientos y demás se esconde una mujer conocedora de muchos estilos musicales, cineastas y literarios; y que sabe unirlos explorativamente como nadie, creando puras obras de arte, que no son ni de fácil escucha ni de un entendimiento fluido. Hay que saborearlo, dejarlo reposar y volver a paladearlo... como un buen vino.
por Cron
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BALACLAVASSnake People
dull knife, 2011
La roca del ruido de tono negro de Balacalavas sólo continúa madurando en su "Snake People" segundo LP del tridente de Houston Texas. Al igual que "Roman Holiday", la banda se basa en la espesa base rítmica del batero Charlie Patranella y un total desprecio por las trampas de la música rock contemporánea. La música punzante de "Roman Holiday" se continua sin perder nunca ese aliento asfixiante. Además de heroicos tambores góticos, la música resuena con los sonidos de molienda feedback de guitarra, bajo y líneas de doom, tonos de sintetizador con el zumbido de las oscilaciones ominosos de un coro de borbotones bobinas de Tesla. Las pistas en "Snake People" varían en longitud de dos minutos y dieciséis segundos a más de nueve minutos. "La Gente Serpiente", el último de estos dos, no tiene en cuenta la estructura por completo. Rim golpea los tarros como en una descomposición de "Bela Lugosi's Dead", combinado con gritos dramáticos de Tyler lo convierte en un febril pesadilla paisajista que haría que Peter Murphy se hiciera mierda en los pantalones. Este circuito básico también incluye una serie de muestras de cinta deliciosamente a lo Cabaret Voltaire, sólo se suma a un estado de ánimo grotesco. Esto no quiere decir que las pistas más cortas no son tan buenas. "Down and Loose", es la canción más corta del álbum en segundo lugar, está muy bien organizada y estructurada con crípticos goth-rock como las vocalizaciones, "estrechas botas de cuero negras y fumando cigarrillos sin remordimientos". Incluso en las pistas menos largas, Balaclavas establece el estado de ánimo más nuboso. Gloomy essentials.
Si una pareja de adolescentes de América Central tenían que haber recibido un sintetizador y una caja de ritmos comprado en Radio Shack para la Navidad de 1982, y luego se dedicaron a grabar su propio álbum de new wave, en base a lo que habían oído hablar de Kraftwerk y The Normal, con letras de canciones inspirados en "Dungeons And Dragons", el resultado probablemente habría sonado algo similar a Crossover. Una mezcla de la lo-fi, estética orgullo friki del rock early/mid-90 's indie con el glamour de alta tecnología y fresco de la nueva declaración del inesperado retorno del electro, esto puede ser, sin juego de palabras, el primer registro para cruzar de Ciudad de Nueva York centrado en el techno indie ("electroclash", si es necesario) hasta la escena del rock indie y electro europeo en general.
Grabado por dos Big-Apple basados en modelos convertidos en músicos sobre una 4-track, con el uso de sólo un único teclado y pad de batería electrónica, "Fantasmo" parece que va perfectamente entre la cultura indie de la música de los años 90 y que, hasta la fecha se ha desarrollado en la presente década. Tanto las gafas de plástico negro resistente al desgaste, desde el math-rock-listening avant-geeks and blazer-with-jeans-wearing new-electro-listening urban hipsters deben encontrar algo que apreciar, entre los latidos simplistas, escasos y sin embargo eficaces en las líneas de teclado, letras arrancadas de las páginas de la moneda de diez centavos en tiendas de ciencia ficción y las novelas de fantasía.
Con la excepción de un par de temas muy poco inspirados, cada canción es una pieza pegadiza-como-el infierno de una brillantez fractura pop que se abrirá camino en tu conciencia para permanecer allí durante días, si no semanas. Quizás Crossover sin saberlo se anticipó al cruce efectista entre electro-industrial e indie pop como The Shins, Ladytron y Crystal Castles. He acá ese registro necro-dance.
por Ry4nbook3r
Escucha El Sueño del Esquimal, jueves 15 de Marzo a las 21:00 hrs, por Radio Placeres 87.7 FM, desde Valparaíso y en línea además.
Grabado por dos Big-Apple basados en modelos convertidos en músicos sobre una 4-track, con el uso de sólo un único teclado y pad de batería electrónica, "Fantasmo" parece que va perfectamente entre la cultura indie de la música de los años 90 y que, hasta la fecha se ha desarrollado en la presente década. Tanto las gafas de plástico negro resistente al desgaste, desde el math-rock-listening avant-geeks and blazer-with-jeans-wearing new-electro-listening urban hipsters deben encontrar algo que apreciar, entre los latidos simplistas, escasos y sin embargo eficaces en las líneas de teclado, letras arrancadas de las páginas de la moneda de diez centavos en tiendas de ciencia ficción y las novelas de fantasía.
Con la excepción de un par de temas muy poco inspirados, cada canción es una pieza pegadiza-como-el infierno de una brillantez fractura pop que se abrirá camino en tu conciencia para permanecer allí durante días, si no semanas. Quizás Crossover sin saberlo se anticipó al cruce efectista entre electro-industrial e indie pop como The Shins, Ladytron y Crystal Castles. He acá ese registro necro-dance.
por Ry4nbook3r
Escucha El Sueño del Esquimal, jueves 15 de Marzo a las 21:00 hrs, por Radio Placeres 87.7 FM, desde Valparaíso y en línea además.
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