octubre 26, 2016

El Sueño del Esquimal #436, Jueves 27 de Octubre 2016.

El Sueño del Esquimal está de vuelta y viene con veneno.

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Skeleton Tree
bad seed ltd, 2016

Cuesta un poco encarar la nueva creación de un músico tan terriblemente emocional como el australiano Nick Cave luego del terrible golpe que ha recibido de la vida, el fallecimiento de su hijo Arthur de 15 años.
Ni siquiera dan ganas de citar una pérdida como esta. Pero la verdad es que "Skeleton Tree" refleja mucho de ese dolor, se trata de un disco espeso, incómodo, oscuro y a la vez increíblemente bien llevado, como si una puerta se hubiese abierto inesperadamente y la creación corriera en un río de tensa calma y profundidad. 8 canciones que se mueven entre atmósferas nocturnas y expansivas, partiendo siempre desde el piano y una voz que se estremece, de seguro no ha sido un territorio fácil de cruzar para Cave y se nota en sus vocalizaciones sentidas y casi a punto de dejarse caer.
A pesar de todo esto, hay que dejar claro que estamos ante un trabajo de excelsa sensibilidad, canciones que van mucho más allá de lo acostumbrado, hacía años que no se escuchaba un disco de los Bad Seeds tan desgarrador y la vez placentero, canciones como "Jesus Alone", "Magneto" o "Rings Of Saturn" donde la vida y la muerte se cruzan y hacen un nudo ciego.
Ambientes que podrían recordar trabajos de Scott Walker o Angelo Badalamenti, sorprende para bien la encrucijada testimonial de Cave frente a la espesura del bosque atardecido, pareciera que en cualquier momento algo se fuese a quebrar o que un vendaval nos arrastrara hacia un desplayo. Queda poco aire, sin embargo existe una coartada para la esperanza entre tanto desgarro, musicalmente extraordinario escalofriante por momentos, en tus sienes está darle la vuelta y encontrar esas pequeñas estrellas que aparecen frente a la vigilia.
Your Funeral... My Trial.

Raúl Cabrera Hidalgo.


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Exploded View
sacred bones, 2016

Nuevas vibraciones grises y negras llegan a nuestros oídos. No es extraño sentirnos seducidos instantáneamente por la suave voz, así como hablada retraída de la sueca alemana Annika Henderson o Anika (a quien algunos comparan con Nico… a mí me recuerda un poco también a la Kim Gordon, en voz me refiero), más la astucia industrial de los mexicanos Hugo Quezada (ROBOTA) y Amon Melgarejo, que junto a Martin Thulin forman un sutil menjunje que logra coquetear con el indie pop, el post punk, sonidos sónicos por qué no, así como jugando. Llamémosle entonces experimental, no sé. Algo de historia contemporánea hay por detrás. 
Secuencias melódicas que logran generar canciones potentes, entretenidas, distintas entre sí y también distinto a lo que hemos estado escuchando últimamente. Buen nuevo material para el catálogo de Sacred Bones, que pocas veces decepciona. No profundizaré en los temas, escuchen mejor y saquen sus propias conclusiones.

Claudia Venegas Hartung.

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ALAN COURTIS / CYRUS PIREH
Coils On Malbec
shinkoyo, 2016

El explorador sonoro argentino Alan Courtis (ex Reynols) siempre se encuentra en movimiento, múltiples formas para una creación libertaria que no se aplica a las estructuras ni a los estilos acostumbrados, viene sacando hace años una ventolera de trabajos donde utiliza el ruido principalmente para esculpir diminutos meandros o espacios de vida sonora.
Ahora junto al norteamericano Cyrus Pireh dan vida a este "Coils On Malbec" álbum que se compone de 2 temas largos de 20 minutos cada uno, grabados entre Buenos Aires y Minneapolis con turbinas propias y degustaciones de vino Malbec, donde muestran su destreza en la improvisación libre y buscadora.
El primer corte que da nombre al disco lo he escuchado con audífonos en la calle o haciendo algunos trámites en espacios cerrados, más allá de los zumbidos me viene la imagen de la vida en la tierra en un futuro cercano-lejano (quién lo podría afirmar) donde no existirá la presencia humana, algo así como que algunas estructuras maquinales que quedaron mal funcionando luego del gran descalabro esperado por siglos, el gimoteo de una especie desconocida o quizás ni siquiera se trate de un sonido creado en la tierra, sino en un mundo apartado y habitado por algún tipo de insecto pensante tratando de comunicarse a través del cosmos con nuestro planeta, dejando estos extraños registros flotando en el espacio. Distante del drone expansivo acá encontramos una especie de mundo microscópico que palpita dejando estas huellas auditivas, de ti dependerá también darle una vuelta a estas creaciones que bien necesitan de la apertura sensorial y también mental.
Para el segundo track "Malbec On Coils" el tratamiento sonoro y de ruido pareciera venir desde una excavación secreta en el desierto nortino, buscando en las profundidades aquello que nuestra imaginación a fantaseado tantas veces, el ambiente es asfixiante y pareciera no disipar, las alteraciones van subliminales cambiando y susurrando hasta la gran ventisca, podría tratarse de una capsula captando los sonidos de la superficie de Marte, el planeta rojo, Un más que interesante viaje hacia otras apariencias y un gran cristal para remover un poco las neuronas. 
Un gran saludo para nuestro amigo Julio Lamilla que desde Buenos Aires nos contactó con este trabajo y a Alan Courtis que con gentileza nos envió el material.

Raúl Cabrera Hidalgo.


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Monad XXIV
stroboscopic artefacts, 2016

Monad es el nombre que se les está dando a una serie EPs editados por el sello alemán Stroboscopic Artefacts quienes desde el 2010 han estado cavando en músicos que se deslizan dentro los sonidos ambientales, technos, industriales y experimentales a fin de cuenta.
A principios de este mes fue el turno de los alemanes Oake, duo dinámico formado por Eric Goldstein y Konstanze Bathseba Zippora que desde ya hace 2 años que vienen grabando música ligada al dark ambient, industrial y experimental, osea, la maldad. 
"Monad XXIV" consta de 4 temas de mediana duración. Sí, está dentro del dark ambient, también tiene techno, pero no el punchi punchi que algunos solemos tener instaurado en la cabeza, es un punchi de dinamismo secuencial necesario para paisajes melódicos que de pronto son combinados con la voz en languidez etérea y penumbrosa de Konstanze. Excelente y notable es el último tema, "Paysage Dépayse" que en 9:18´ se manifiesta lo que intento decir, de que acá hay penumbra, la del 2016.

Claudia Venegas Hartung.

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CLEOPATRAS
Cleopatras
hueso records, 2016

Pucha que ha pasado tiempo para poder escuchar así como se dice de buena forma esta agrupación femenina legendaria del under santiaguino ochentero. Las Cleopatras se formaron en 1986 con Patricia Rivadeneira (actriz y ex-agregada cultural), Cecilia Aguayo (bailarina y ex-Prisioneros y Jardín Secreto), Jacqueline Fresard (artista visual y ex-esposa de Jorge Gonzalez) y Tahia Gómez (actriz y bailarina).
Siempre circuló el nombre de estas chicas y sus recordadas performaces sonoras de aquel tiempo cuando el arte y la expresión luchaban en un ambiente muy poco abierto a la liberación mental y corporal, la dictadura marcó nuestro país duramente y a todos los que lo habitamos, de eso no hay duda.
Por eso llega bien escuchar ahora, o sea 30 años después estas grabaciones recuperadas (recopiladas y masterizadas por Atom Heart) y publicadas en vinilo por el sello Hueso Records, que hace algunos años viene realizando una labor de rescate de bandas, grabaciones y publicaciones perdidas por el manto de los años y los tiempos que corren. desde acá nuestras felicitaciones y saludos. 
Y que encontramos en "Cleopatras"... de partida harto de esa chilenidad callejera y el recuerdo de un tiempo difícil donde los artistas igual se tomaron la creación de una manera desafiante y con un desenfado más que destacable (se hecha de menos esa actitud y compromiso en estos tiempos tan blandos carajo), la mayoría de las canciones que contiene el disco fueron creadas por Jorge Gonzalez, si incluso aparece "Corazones Rojos" que escribiera por aquel entonces para Las Cleopatras y que como todos sabemos luego terminó siendo hit radial en el disco "Corazones" de Los Prisioneros.
Tecno-pop casero como de cassette añoso.y lapiz bic, spoken word, la importancia del contexto histórico es lo más restacable, las letras de las canciones todavía suenan actuales después de 30 años, el machismo, la violencia y la inoperancia siguen siendo marcas registradas de nuestra sociedad  tan shilena.
Gentileza Hueso Records.

Raúl Cabrera Hidalgo.

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In The Graveyard
tombstone, 1988

¿La banda en activo más infravalorada del mundo? Con permiso de los geniales NRBQ, yo apostaría por el trío de Clackamas (cerca de Portland, en Oregón) formado por Fred Cole, su mujer Toody y Andrew Loomis. Hace unos años, Radio Birdman era la gran formación que la historia parecía haber olvidado, pero gracias a la operación de rescate por parte de Sub Pop vía el recopilatorio “The Essential Radio Birdman: 1974-1978”, el hombre pájaro vio resarcido su honor y puede ahora disfrutar del reconocimiento que se le negó en su día y de una segunda “juventud” portentosa, como confirma su nuevo “Zeno Beach”. Ha sido precisamente la discográfica de Seattle la que ahora se ha decidido a recuperar el vasto legado discográfico de Dead Moon con “Echoes of the Past”, doble CD que repasa los 20 años de insobornable trayectoria de un grupo que siempre ha contado con más apoyo en Europa que en su país natal, donde siempre han transitado más allá de los márgenes de una industria a la que desprecian con argumentos sólidos y conciencia de clase: se autoeditan, giran sin roadies, no van de estrellas, son sólo una puñetera banda de rock’n’roll con ganas de seguir tocando hasta el fin de sus días.

Roger Estrada,

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agosto 02, 2016

Blacanova en Chile, entrevista desde Sevilla a Valparaíso, Sabado 13 de Agosto en La Finca.



A Blacanova ya hace años que les veníamos siguiendo la pista, su música desde la primera escucha se quedó impregnada en el reducto esquimal; será por esa esencia tan libre de sus canciones o el azar desafiante de sus melodías, quién sabe... Su carrera musical comenzó con la notable trilogía de Eps "Monja-Perro-Madre", para luego deleitar y sorprender con su álbum debut homónimo en el año 2010. Así seguirían potenciándose y remeciendo con más imágenes y atmósferas sacadas como de una película de horror bizarro con "¿Cómo Ve El Mundo Un Caballo?" (El Genio Equivocado, 2012)  y "Regiones Devastadas" (El Genio Equivocado, 2015). Gracias a las vueltas de la vida (y la muerte) y al sello nacional Tuneless, ahora por primera vez se presentarán en nuestro país, en formato dúo con Inés y Paco; con 4 fechas,  de las cuales una es muy especial, ya que se realizará en nuestro querido puerto: nada menos que en La Finca este 13 de agosto junto a la banda Velódromo

Acá les dejamos una entrevista que El Sueño del Esquimal realizó a Blacanova, la que va dedicada a todos los oyentes del programa:


-Remontándonos a sus inicios ¿cómo nace Blacanova?

Inés: Nació sin pretensiones. Como una forma de quedar regularmente con amigos a los que nos encantaba la música y tocábamos instrumentos y así poder vernos y practicar. Empezamos a componer canciones sin aún plantearnos sacar discos o dar conciertos. Todo eso fue surgiendo después, de forma progresiva y natural, y paso a paso llegamos hasta el día de hoy, diez años después, con tres discos editados y otros tantos EP, así como bastantes conciertos a nuestras espaldas… ¡Y ahora vamos a Chile!

-Respecto al contenido de sus letras provocativamente afiladas… ¿En que se inspiran al crearlas? ¿Son escritas por alguno de sus integrantes en especial o todos colaboran en ellas? Debemos decir que como auditores no nos dejan indiferentes, afectan y nos hacen partícipes muchas veces de ellas.

Inés: Las letras solemos escribirlas Armando y yo, por lo general. Le damos mucha importancia en el grupo; creemos que las letras deben estar bien trabajadas y tener calidad. Intentamos que sean bastante oníricas y surreales, con muchas lecturas posibles, abiertas a la interpretación del lector-oyente,  y sentido del humor muy ácido pero también entrañable. Hablan de nuestras obsesiones, pero también beben mucho de influencias literarias y cinematográficas, con frecuentes homenajes en ese sentido. No son intencionadamente provocadoras; son lo que nos sale, básicamente, pero somos conscientes de que suelen resultar oscuras e inquietantes, tristes o incluso angustiosas y a la vez tiernas y ácidas (la vida es todo eso junto para nosotros). Y, como ya he dicho, el sentido del humor y el surrealismo están muy presentes.

-¿Se sienten parte de alguna escena en particular? Y dentro de España ¿en qué ambientes se mueven sus presentaciones?

Paco: Lógicamente, siempre nos han atraído las bandas que bebían de fuentes parecidas a las nuestras (post punk, shoegaze, psicodelia, dream pop, noise, etc), pero que al mismo tiempo buscaban hacer algo propio y personal, más que un puro ejercicio de estilo. En cualquier caso, cuando se habla de escenas me vienen más a la mente personas concretas y grupos con los que hay una relación de colaboración musical y amistad personal a lo largo de los años. Nosotros somos de Sevilla y, desde el sur de España, el acceso a medios y la difusión de tu música son mucho más complicados que si vives en las principales capitales, incluso en los circuitos independientes. Aun así, con el tiempo hemos logrado dar y seguimos dando conciertos con regularidad por muchos lugares de la geografía nacional, siempre dentro del circuito independiente que es claramente nuestro entorno natural. En España, como en otros muchos países, hay muchas bandas que hacen cosas muy interesantes, pero que difícilmente se pueden ver en la mayoría de los festivales veraniegos masivos que, a día de hoy, tienen otros objetivos.

-¿Cuáles han sido sus bandas de cabecera o de alta influencia?

Paco: Si hay que hablar de pilares básicos, está claro que el post punk (especialmente The Cure, Bauhaus o Décima Víctima) y las principales bandas shoegaze noventeras son una referencia básica (MBV, Slowdive, Lush, etc.), incluyendo algunas de corte más ambiental con clara obsesión por el feedback como Flying Saucer Attack. También nos han influido enormemente bandas españolas como Surfin’ Bichos o Mercromina. Con estos grupos crecimos y nos han marcado muchísimo como músicos. Pero como fanáticos de la música, escuchamos otras muchas cosas que nos siguen influenciando a la hora de hacer canciones, tanto en el pasado como en lo que está por venir. Para tener una personalidad propia no puedes estar siempre haciendo un ejercicio de estilo cerrado, sino que resulta mucho más enriquecedor beber de otras fuentes e intentar evolucionar con lo que te gusta. Y esto si, a esto unimos que somos 6 personas en la banda, pues está claro que las canciones van a tener guiños a muchas cosas.

-En un comienzo fueron 6 integrantes, ¿cómo hicieron para unificar conceptos e ideas sonoras?
Inés
Seguimos siendo seis integrantes, en realidad (Cristian, Villa, Armando, Edu, Paco y yo), aunque en nuestra gira chilena, desgraciadamente, no ha podido venir la banda al completo y vamos Paco y yo como representación del grupo. En cuanto a cómo nos ponemos de acuerdo, la banda funciona de manera muy democrática y natural: alguien trae cualquier propuesta y empezamos a trabajarla entre todos, de manera que cada uno va aportando sus ideas y el resultado siempre es conjunto y se va conformando de manera natural, en el día a día de los ensayos. Creemos que esto enriquece mucho las composiciones.

-¿Cómo ha sido la experiencia de pasar desde la autogestión a sellos como Foehn y El Genio Equivocado? Y posteriormente, ¿cuál fue la conexión para llegar finalmente al sello chileno Tuneless?

Paco: Lo cierto es que, dentro del grupo siempre hemos intentado hacer las canciones que nos apetecía hacer en cada momento con los medios disponibles, sin pensar demasiado en su posible facilidad o complejidad de difusión. Nuestros primeros EPs fueron autogestionados y, de cara a los LPs buscamos sellos que nos ayudasen a su edición y distribución. Ahí aparecieron Foehn (en el caso del primer larga duración, llamado homónimamente Blacanova) y El Genio Equivocado, nuestro actual sello, que ha editado nuestros dos último LPs (¿Cómo ve el mundo un caballo? y Regiones devastadas). Además de ser de Barcelona, ambos sellos tienen el denominador común de editar música que les gusta por encima de otras cuestiones y dando total libertad creativa, lo cual es algo que agradecemos y valoramos mucho. Esperamos seguir editando con El Genio Equivocado nuestro próximo LP para el que pronto empezaremos a componer canciones.
Por lo que respecta a Tuneless Records, hacía tiempo que teníamos ilusión por ir a tocar a ciertos países de Latinoamérica, especialmente Chile, Argentina y México. Teníamos algunos seguidores en esos países y, en el caso de Chile, sabíamos que había bastantes grupos que se movían en una línea similar a la nuestra. El contacto con Tuneless surgió de una forma un tanto curiosa: enviamos nuestro último LP (Regiones Devastadas) a DKFM Shoegaze Radio: una emisora californiana que todos los fans del género seguimos y es una fuente inagotable para conocer nuevos grupos de todo el mundo. El mismo día que estrenaron Regiones Devastadas también estrenaron el último LP de los chilenos Trementina. Les escribí diciéndoles que me gustaba mucho su disco y pidiéndoles consejo sobre algún sello del país para poder editar allí nuestra música o para ir a tocar. Los chicos de Trementina me hablaron de que les gustaba lo que editaba TunelessRecords y, al buscarlos, vimos que editaban a otro grupo chileno que nos gustaba especialmente y con el que tendremos la oportunidad de tocar muy pronto en Santiago y Valparaíso: Velódromo. A partir de ahí, tengo que decir que José, Felipe y Christian de TuneLess Recordsse, han portado genialmente organizando los próximos conciertos que daremos en Chile y ojalá tengamos la oportunidad de seguir colaborando en el futuro editando con ellos algo específicamente para Chile, nos haría muchísima ilusión.

- Aparte de tocar en España, ¿han girado por otros países? y ¿qué expectativas tienen en este sentido con el público chileno, al fin del mundo? :P

Paco: Es muy, muy complicado mover a una banda para girar en el extranjero dentro del circuito independiente (ya lo es incluso para girar en España, donde hay distancias elevadas, aunque no tanto como en Chile, claro ;), pero en los últimos años siempre hemos tenido en mente salir a tocar fuera de España, sobre todo a países donde haya una cierta escena en la que nuestra música pueda tener cabida y en la que, además del público, podamos disfrutar conociendo nuevos lugares y a personas de otros sitios con los compartir nuestras experiencias musicales y culturales. Eso es lo que esperamos fundamentalmente de Chile: conocer un país que desde hace mucho tiempo queríamos visitar, aprender todo lo que podamos y además, compartir nuestra música con un público diferente al habitual ofreciendo buenos conciertos. Creo que ambas experiencias son igualmente importantes. Tanto Inés como yo somos adictos a viajar y lo hacemos siempre que tenemos oportunidad y recursos para ello, así que, como buena adicción, esto es algo que sólo puede ir en aumento y nos encanta la idea de poder ir a lugares donde haya personas que tengan interés en nuestra música.

¿Conocen alguna banda chilena?

Paco: En España han sonado bastante en los últimos años gente como Dënver o Javiera Mena, incluso en medios generalistas y no estrictamente indies. Aparte de esto, navegando y buscando en sitios que publican música que me gusta, había llegado a grupos como Trementina, Velódromo, Antonio Duarte o Veló. Además, hace poco, tuvimos la oportunidad de compartir escenario en Granada con Chicago Toys, que estaban tocando por España y dieron un muy buen concierto. Posteriormente, tras plantear la gira con Tuneless Records, estamos escuchando a otros grupos con los que tendremos la oportunidad de compartir escenario como Los Días Contados, Trama, Adelaida o Club de Surf. Y tenemos todavía mucho que aprender de la escena independiente chilena, claro. Seguro que nos volvemos con unos cuantos discos de bandas de allí. A eso también somos adictos, a comprar discos de grupos que nos gustan en formato físico (en vinilo si puede ser ;).

-¿Qué bandas están escuchando en la actualidad? algo así como para recomendar…

Paco: En mi caso concreto, últimamente he estado escuchando discos de grupos como A Sunny Day in Glasgow, Ringo Deathstarr, Moon Duo, Tamaryn, Hammock, A Place to Bury Strangers, TheSoft Moon o lo último de Swervedriver. Pero me encantan también discos de grupos más influenciados por Sonic Youth y el indie noventero americano, tipo Autolux, bandas que actualizan el krautrock, como Beak o Fujiya & Miyagi, o gente que tira más al slowcore como Jessica Bailiff. En España, se acaba de estrenar el disco de Escuelas Pías, el grupo de nuestros amigos Davis y Cristian (que además es miembro de Blacanova). ¡No se lo pierdan!

-Sabemos que vendrán en formato dúo, ¿cómo será la propuesta y que debemos esperar para estas presentaciones en Chile?

Paco: Nuestra premisa en estos conciertos es intentar hacer algo dinámico y con mucha intensidad, manteniendo el espíritu de las canciones que interpretamos habitualmente. Personalmente, no me gusta llevar las canciones de Blacanova a un mero formato acústico porque creo que la esencia del grupo está lejos de eso. Dar un concierto con bases tampoco es algo nuevo para nosotros, así que, tras darle muchas vueltas Inés y yo decidimos multiplicarnos en todo lo posible. Llevaremos baterías y bajos secuenciados, claro, pero poco más. Usaremos loopers para generar más capas de sonido en directo, Inés incluirá más teclados mientras canta para crear más texturas y, en mi caso, tocaré con dos amplificadores de guitarra separando bien las líneas de pedales de efectos para conseguir una mayor panorámica. En definitiva, nos tendremos que multiplicar y hacer muchas más cosas a la vez. Soy un tipo más bien grandote y con un equilibrio dudoso, así que si me ven cayendo por el suelo al pisar varios pedales a la vez mientras toco la guitarra espero que me recojan de suelo con misericordia.

Inés:  Sí, vamos a ser un poco hombre y mujer orquesta, haciendo cada uno mil cosas a la vez, pero los ensayos están resultando muy emocionantes para nosotros (pues constituyen una propuesta muy diferente a lo que hacemos habitualmente) y enormemente enriquecedores como músicos (estamos aprendiendo muchísimo). Y la ilusión por tocar en Chile es tremenda.

-En su visita a Chile ¿harán un recorrido por toda su trayectoria musical o se enfocarán más en su último álbum “Regiones Devastadas”?

Paco: Interpretaremos canciones de nuestros tres álbumes e incluso recordaremos dos o tres de los primeros EPs.

Inés: Sí, preferimos no limitarnos al último LP y hacer un recorrido más amplio por todos los álbumes y EPs: ¡recuperar y revitalizar canciones que no tocábamos desde hace tiempo está resultando precioso!

-Y para terminar, ¿cómo se llama el perrito de Blacanova y qué representa?

Paco: Malaquías es un perro de escayola (o de algún tipo de material sintético que la imita, no lo tenemos claro), que nos acompaña en muchos conciertos desde nuestros inicios. Se quedó como símbolo y logo del grupo e incluso aparece en los créditos de las canciones como coautor. Tiene una larga historia de amor y tragedia con nosotros e incluso estuvo secuestrado durante un año, retenido por unos desaprensivos tras un concierto que dimos en Utrera, una localidad cercana a Sevilla. No sé si será por una especie de Síndrome de Estocolmo, pero uno de los participantes en aquel terrible secuestro ha acabado siendo nuestro actual batería (Edu). La vida es muy rara e imprevisible.

¡Gracias!

¡Muchas a gracias a vosotros! Esperamos veros en el concierto de Valparaíso y que nos enseñéis alguno de los mejores rincones secretos de vuestra maravillosa ciudad.



Por Claudia Venegas Hartung y Raúl Cabrera Hidalgo.

El Sueño del Esquimal.









mayo 12, 2016

El Sueño del Esquimal #427, Jueves 12 de Mayo 2016.

Hasta que el frío nos queme dejando una sonrisa, El Sueño del Esquimal te invita a la aventura de los sonidos. 

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Yes, I'm A Witch Too
manimal vynil, 2016

El 2016 sin duda será un año para recordar en cuanto a materia musical, están ya todos en la palestra. Entonces, cómo no va a reaparecer Ono; artista visual, conceptual, musical y claro cómo no, la viuda de John Lennon (amada y agente provocador de anticuerpos). Esta mujer ya de 83 años posee una laaaaarga lista de discos en el cuerpo, pues el tiempo ha pasado y a través de todos estos incansables años de inspiración, cada trabajo ha sido una propuesta alternativa y vanguardista adaptada a cada generación.
Pues bien, es hora de conocer su nuevo (inquietante) álbum, una seguidilla del que sacó en el 2007 denominado “Yes, I`m a witch”. Hoy nos reitera que sigue siendo una bruja arrojándonos 17 hechizos, una tómbola en la que se enfrenta el rock v/s el pop, lo clásico v/s lo experimental, las guitarras acústicas v/s el trip hop, la poesía v/s el “osito gominola”, donde lo que finalmente sale escogido, pero no al azar es el art rock
Cada canción es con colaboración de algún músico invitado, los cuales aportan individualmente en su estilo, ajustándolo a la versátil y jovial voz (genoma sospechoso oriental) de una mujer en su plena madurez (por ningún motivo esperen la voz caprina de una abuelita de la vida). Comenzaremos con un emotivo y clásico inicio en "Walking on Thin Ice" junto a Danny Tenaglia, colocándose más bailable en "Forgive Me My Love" con Death Cab For Cutie, experimentando con su hijo Sean Ono en "Dogtown", pasando por los barrocos con Sparks en  "Give Me Something", etc etc. Algunos cortes más salvables que otros, hay letras inteligentes, en fin… podríamos describir cada tema, pues cada uno requiere su concentración y adaptador para el oyente, ya que es demasiado diverso. Aquí hay pura energía, de esa que conoceremos con el paso del tiempo.

Claudia Venegas Hartung

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XIU XIU
Plays The Music Of Twin Peaks
polyvinyl, 2016
Die Die! You 80's Obsessed Pinochio! 
self-released, 2015

Detrás de este curioso nombre Xiu Xiu (tomado de una película Snaff barata) se esconde la personalidad atormentada del artista californiano Jamie Stewart, experto en atar y desatar marañas ultra-expresivas y de carácter retorcidas siempre. 
Este muchacho ya es viejo conocido del laboratorio esquimal ya que seguimos sus trabajos desde el comienzo, allá por el lejano 2003 y cuesta encontrar algún disco que no hayamos programado, será por los temblores de su voz y esa música casi siempre siniestra que nos propone. El año pasado habíamos notado que se encuentra en una etapa de hiperactividad creativa, varios trabajos conceptuales que venía publicando de manera auto-gestionada dan cuenta de este nuevo aire que ha tomado Xiu Xiu, ahora junto a dos chicas que le hacen comparsa, Angela Seo y Shayna Dunkelman, lo que bien le ha quedado, ya que su música siempre ha guardado ese halo femenino incrustado entre atmósferas desgarradoras y canciones de cuna infernales.
Ahora el muy descarado se atreve a intervenir bajo su manto la música de la serie de culto Twin Peaks (que retorna este año al parecer, uy!), de seguro David Lynch y Angelo Badalamenti temblarán en sus tronos, lo cierto es que este "Plays The Music Of Twin Peaks" se viene fuerte y con toda esa leyenda a cuestas no podría ser de otra forma, Jamie lo sabe, pero como le gusta hundir el puñal en la herida, le da cuerda.
Ya desde el inicio con "Laura Palmer's Theme" sentimos la esencia de una obra que marcó varias generaciones de hábitos oscuros y nocturnos, podría ser complicado entrar en estos tejidos sin dejar a más de un cadáver colgando de una pata, pero de inmediato nos damos cuenta que a Xiu Xiu le vienen bien estos parajes ochenteros de ultra-alta sensibilidad, el territorio se torna algo más explorativo pero continúa con esa profundidad atardecida del original, pareciera que fuese a llover. Cuando aparece "Into The Night" el temblor es espontáneo ya que no es fácil hacer olvidar las vocalizaciones de Julee Cruise, pero Stewart está a la altura necesaria con su voz versátil y poderosa, batería programada para armar el cuerpo, guitarra y máquinas desafiando el abismo, todo se encuentra en su justa medida para terminar en un caos de ruido refinado. Sin pausas nos cae otro clásico de la saga  "Audrey´s Dance", pura exploración intuitiva junto a los armónicos característicos, llega el sueño premonitorio junto a la triste cabecera. Y ya podemos decir que estamos frente a uno de esos discos que apabullan y perturban de manera placentera, una inmersión por los rincones más ariscos de la creación de Badalamenti-Lynch, sin falsos rebuznos ni sobre explotación, podría quedar como la música de Twin Peaks virando al negro o su fantasía al otro lado del espejo que con esta base ya es mucho que decir, si ya venía curvado todo esto, "Falling" también aparece, pero lo dejamos para vuestra escucha maestra.
Como apéndice no quisimos dejar de lado el compilado aparecido el 2015 sobre los temas de raíz ochentera desperdigados por Xiu Xiu a través de su trayectoria, el enunciado lo dice todo: "Die Die! You 80's Obsessed Pinochio!", acá podemos encontrar todos los vestigios que mantienen la llama encendida del proyecto hasta estos tiempos, o sea a este tipo se crió escuchando a Joy Division/New Order, The Cure, Bauhaus, The Smiths y This Mortal Coil, lo más granado y selecto de las oscuridades que aquella década dejaría como legado, pero como siempre pasados por un desmadre esquizoide propio de Jamie Stewart pues, solo queda poner la oreja a la de-construcción que hace de "Ceremony", Ian Curtis debe estar sacudiéndose en la fosa ante semejante arrebato de pasión y descontrol, lo interesante es que no hay repetición de fórmulas y el acercamiento es distante que es la idea también en un buen cover, y ya sabemos lo complicado de hacer una versión a cualquier estructura Joy Division, simplemente porque ya vienen malditas. Y así también llegan "Fast Car" de Tracy Chapman (risas!), una depresiva "Asleep" de los Smiths, "Jack The Ripper" de Nick Cave en la hojarasca, "Kangaroo" de This Mortal Coil fúnebre, hasta llegar a una versión que nos deja la piel de gallinas... nada menos que "Under Plessure" (que no fue oportunismo ya que data de 2006) haciendo el dueto Bowie-Mercury con Michael Gira de los Swans, no podía ser de otra forma Jamie Stewart junto a uno de sus iconos deformando este clásico de la música popular (sí es verdad, también se escucha la voz de Caralee McElroy, vieja historia de Jamie).
Palabras finales: creo que todo este nuevo tratamiento en la creación de Xiu Xiu, ya sean versiones, nos muestran a un artista en constante estado de exploración hacia una fuente que de seguro muy pronto nos mostrará sorpresas insospechadas. Anótenlo por ahí en la tableta, tenemos Xiu Xiu y depravación para rato.

Raúl Cabrera Hidalgo.

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NEUTRAL
Neutral
omlott, 2016.

De la experimentación sueca actual, les mostramos su lado más negado, desde los barrios ácidos de Gotemburgo, Sofie Herner y Dan Johansson dan vida a este aparato de ruido deslavado y obtuso llamado Neutral. 
Introspección hacia un abismo sonoro soportado por grabaciones vocales y urbanas registradas de manera lo-fi, pequeños meandros de sonido muchas veces empujados por una sola nota deformada y repetida hasta el desmembramiento, difusas formas en formato de canción que nos vuelven a conducir hacia la No Wave o cualquier parecer huérfano de estructura, segundo disco para un palidecer, ya el dúo viene de participar en variados proyectos de agritud dentro de la metamorfoseada escena nortina. Una Escandinavia cadavérica dibujada por el sello Omlott, improvisación sonora, noise y free-jazz se confunden dentro un caleidoscopio en blanco y negro, pareciera que el mundo se haya dado una vuelta o que todo simplemente comienza a terminar.
No cito nombres de temas ya que el disco entero viene siendo como una experiencia auditiva donde debemos llegar desnudos para poder conciliar nuestra atención de alguna manera ante semejante vaciamiento, un registro de las ciudades modernas, una nueva manera de manifestación infestada de ataúdes y otras motivaciones. Si los Velvet en los 70's hacían música para los suicidas, Neutral entonces funciona como un aparato ciego que abre las puertas para un tiempo negro que de cierta forma debemos soportar.
Un aislamiento hasta las mareas grises de la conciencia.

Raúl Cabrera Hidalgo.

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PLANNING FOR BURIAL
Desideratum
flenser, 2014

Mirar el precipicio, pensar en caer, tentarse, no hacer nada,  pedir un deseo, planificar un entierro.

Planning for Burial es el proyecto musical del solitario, cabeza creativa y multifuncional de Matawan (New Jersey) Tom Wasluck. Con una trayectoria ya desde el 2005, solo ha lanzado 2 álbumes de estudio (aunque sí hartos EP`s). "Desideratum" vendría siendo su segunda placa luego de "Leaving" (2010), en donde sus 5 temas van tomados de la mano. Si somos capaces de tomar la debida atención, notaremos cómo desde "Where you rest your head at night"  hasta "Golden" nos somete a introducirnos en una atmósfera que nos contagia de una profunda melancolía contenida, que a ratos se libera y manifiesta en su difusa voz, acompañándose de sonidos pesados que rozan con el shoegaze, noise, el doom, drone, ambient y minimalismo rotativo, en fin… se mezclan elementos, podría ser todo y nada a la vez, como el mismo Tom Wasluck, manifestando su diversidad y multiplicidad individual llevadas a la melodía.

 Monotonía e intimismo, es ahí donde volvemos a mirar el precipicio y planificar un entierro.

Claudia Venegas Hartung

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abril 14, 2016

El Sueño del Esquimal #425, Jueves 14 de Abril 2016.

Cuando el viento norte empieza a soplar y ya casi podemos oler la primera lluvia en el puerto, le damos cuerda a la negrura de diamantes difusos que por momentos tienden a brillar y desconocer, para todos ustedes un nuevo sueño esquimal. 

 





District Of Dystopia
nomadic fortress, 2014

Hace 13 años aproximadamente cuando conocí a Amber Valentine y Edgar Livengood, compacto matrimonio que ya llevaban 10 años tocando tras el nombre de Jucifer (Athens, GA), me sucedió algo como obsesivo, ya que mezclaban el rock alternativo de los noventa que personalmente yo seguía, desentonaciones con un toque más pesado, melodías macabras, incluso en algunos temas rozando por el metal, guturalizando para luego volver a la delgada voz de Valentine. Versatilidad y sumando a todo esto una estética retro interesante que no pasaba por inadvertida. En ese entonces poco se podía encontrar en Youtube para ver actuaciones en vivo o algún video, y cuando algo salía sonaban pésimo, muy poca información, pero aún así seguía cada tema que iba a apareciendo. En ese entonces ya habían sacado 2 LPs “Calling All Cars on The Vegas Strip” (1998) y “I Name You Destroyer” (2002) los cuales vacilé bastante en solitario, ya que nadie más los conocía y tampoco no fui capaz de contagiarle a nadie el gusto. Hubo varias placas posteriores, pero ya en el año 2009 no les seguí mucho más la pista musical, pues tomaron un giro literalmente brutal el cual me era difícil de digerir, igual recordándolos y cachando que siempre andaban de gira en una casa rodante, que se movían por sí solos, de hecho se denominan como una banda nómade. Y así siguieron su camino… “District of Dystopia” salió el 2014, como continuación a este giro que fue natural en ellos, con un patente grindcore y no sé qué metal, brutal. Puedes sentir una intención de machacar cabezas. y un alto contenido en contra la política tanto norteamericana como mundial... tal vez esas cabezas son las que quieren romper. Las letras no se logra entender, pues pareciera que presenciáramos un exorcismo. Creo que si me hubiesen colocado este disco para escuchar a esta banda por primera vez, de seguro no lo hubiese tolerado, mas como los conozco hace bastante tiempo, he presenciado virtualmente la evolución, ellos tienen mucho que decir, son claros y viven su mundo, su música y su vida como les es correcto.

Y así es como a veces pienso que es el diablo el que me "canta", pero no, es Amber Valentine.

Claudia Venegas Hartung.





PUCE MARY
The Spiral
posh isolation, 2016

Chile es un territorio de temblores, terremotos y catástrofes naturales por excelencia. Debido a esto quizás nuestra conexión con los zumbidos y rugidos de la tierra es algo casi cotidiano, recuerdo muy bien aquella noche de 27F 2010 cuando comenzó a tronar la tierra y todo se sacudió a más no poder. Algo parecido he sentido al escuchar el corte "Masks Are Aids II" parte de este disco "The Spiral" de la danesa Puce Mary, más allá del ámbito netamente sonoro que nos propone, hay un aspecto físico que entrega su música que lo encuentro despiadadamente perturbador, más aún si situamos la escucha en la calle con los audífonos a todo lo que dan en esas horas muertas del almuerzo cotidiano en una ciudad como Valparaíso, con toda esa multitud de gente buscando algún lugar donde satisfacer sus oscuros apetitos, duele un poco decirlo pero fue justo ahí donde se me ocurrió intervenir la conciencia con ambientes de este tipo, y claro fue fatal, pero debo decirle que entendí bastante en hacer una música tan cargada que viene con la influencia del industrial deformado de los Throbbing Gristle, pasada por un filtro muy personal y violento si se quiere. Lo cierto es que la tipa se ha sacado un disco de esos que afectan de manera subterránea y que hacen pensar, no es una patada directa digamos, sino un antro oscuro de ruido bien enfocado hacia lo que quiere mostrar, desde el desagravio al vómito en pequeñas escafandras de sonido intervenido por máquinas, ecos y pedales que logran hacerte palidecer, algo así como un gran bloque de yeso que cae en tu cabeza desprevenidamente y que logra despertar las imágenes más siniestras que tu mente adormecida mantiene guardada en rincones perdidos, no hablo de temas porque deberíamos tomar todo este trayecto como una gran obra dispuesta hacia la apertura craneal, una buena sacudida para deformar todo esto de una buena vez.
Cada cual sacará sus conclusiones (esa es la gracia) y es innegable la grisura, para el final les dejo otra imagen que me vino a la mente escuchando a Puce Mary: vas caminando por una avenida llena de gente, a tu lado los autos corriendo con esa agresión tan chilena de los automovilistas, tú solo con los audífonos escuchando "The Spiral" sometido a ese sonido descascarado, cruzas la calle descuidadamente mientras suena "Enter Into Them" y eres arrollado por un móvil a plena velocidad, ya estas muerto junto al mismo aliento que has venido escuchando, los audífonos aún sonado caen al lado del bulto ahora ensangrentado.
Efímero devenir.

Raúl Cabrera Hidalgo.





CHARLIE HILTON
Palana
captured tracks, 2016

Charlie Hilton, ex miembro del trío shoegaze de Portland, Oregon “Blouse”, se arriesgó el año recién pasado, para renovarse un poco, refrescarse, tomar nuevos bríos como solista, para así luego deleitarnos con su dulce y tranquilo canto, que a la vez dice: hey! estoy aquí y tengo buenas nuevas...
"Palana" es un LP de 11 temas, que en su total no sobrepasa los 37 minutos de duración, suficiente tiempo para hacernos tomar la debida atención a temas que son de agradable escucha,  pegadores que junto a su nítida voz, más teclados psicodélicos, guitarras claras e incluso atisbos de electrónica y apariciones saxofónicas, forman ciclicidades melódicas y pausa en paralelo. Sentimos el toque retro que nos hunde en un pop de letargo femenino. Empezando con una pacífica bienvenida de la canción "Palana" y continuando con más ritmos desde "Something for Us All", que no parará, incluyendo hasta caricias de sinfonías en "Funny Anyway"; giraremos y giraremos hasta caer sobre suaves velos blancos.

Claudia Venegas Hartung.





DISTORTION GIRLS
Party
the cat box corp., 2015

Recuerdo alguna vez un amigo periodista me comentó que le gustaba escuchar El Sueño del Esquimal porque llegaba cansado de su trabajo a la casa y prendía la Radio Placeres cada jueves a eso de las 21:00 hrs. ya entrada la noche, y sabía que iba a escuchar un tipo de música lenta y pegada que lo podía invitar lentamente al sueño y el descanso reparador... bueno él estaría feliz con un tema como "Rain Rain Manhattan" relajado corte de casi 21 minutos que abre este atractivo trabajo llamado "Party". 
Distortion Girls es un trío venido de la escena experimental de Copenhague, Dinamarca, que llevan un tiempo creando esta música cadenciosa y espiral, todo se ha consolidado en Noviembre de 2015 cuando el sello The Cat Box Cop. ha publicado este bonito doble vinilo. Paisajes que invitan a desprenderse del tiempo y las urbanidades para caer en una especie de trance grato y lento, guitarras que flotan repetitivas junto a la voz inductiva de Marie Aarup Jensen, inicio extendido con el tema antes señalado y la curiosidad te toma para ver que más trae este tesoro oculto venido del norte de Europa. Asignarles la etiqueta de shoegaze o space rock sería lo más fácil, pero creo que les queda corto, acá hay derrame creativo distinto, sobretodo lo digo por el uso del tiempo ya que la segunda estación es el tema titilar que da nombre al disco "Party" otros casi 11 minutos y nuevamente somos conducidos hacia el bucle abstracto, ahora con un riff de guitarra distorsionada es la que conduce la ceremonia, a cargo de Tanja Vesterbye Jenssen, se me hace un poco la idea del disco "Quique" de SeeFeel un poco por la guitarra siempre presente y marcando la huella, aunque acá llega más como un mantra que cortante, la voz siempre se encuentra adentro de la maraña, casi hablada, drogada, las percusiones programadas son estoicas y dolidas, de a poco se huele el sintetizador difuminado de Marc Kellaway va dando el cuerpo en esta expedición silvestre. Ya han pasado más de 30 minutos y todavía queda un disco entero para descubrir. Si alguna vez dijimos que la música misma podía convertirse en una droga capaz de sacarte de la triste rutina ordinaria que dan estos ordenes sociales del capital y el trabajo, este disco queda como receta recomendable para muchos.
La segunda parte de este trabajo sonoro se muestra más directa y con temas de corto minutaje, como la golpeadora "Paperwork", un tema más pop quizás pero de apariencia desgarbada y atonal, que esto no se trata de Sigur Ros, si no de un ambiente mucho más humano y mañoso si se quiere. Como una tela de ruido creada por tres arañas de hábito nocturno. Por ejemplo en "Lightning Strikes" donde la voz de Marie se cruza con un piano de aspecto bohemio casi como en una taberna de mala muerte, buscando el último cigarro para despedir la noche lentamente sumidos en el humo envolvente y las delicadezas. 
Cuesta encontrar discos en este tiempo que te atrapen a la primera escucha y que cuenten con una onda distintiva, pero les aseguro que estamos frente a uno de esos, ahora en 2016 cuando muchos dicen que ya todo se encuentra hecho en materia sonora (algo que nunca he creído, siempre habrá algo nuevo por hacer). Distortion Girls una banda desconocida da cuerda a toda esta volada que siempre estamos buscando como aves rapaces, deformando el pavimento, rasgando las murallas o sacudiendo los entre-techos. 
Una fiesta para cosmonautas. Discazo aunque es probable que muy pocos se den por aludidos. 

Raúl Cabrera Hidalgo.


Garlands
4AD, 1982

Formados a principios de los 80's en la lejana Grangemouth, en Escocia, el trío que marcaría a tonos grises el porvenir del rock etéreo y envolvente de las islas británicas y porque no decir de esta gran historia que es la escena musical actual.
Todo partió en 1982 con "Garlands" un sombrío disco debut que obedecía a los cánones after-punk, bajos marcando con firmeza, guitarras cortantes y los susurros de paloma herida de a poco dejaban vislumbrar la caja de pandora... Liz Fraser y su voz inigualable, un instrumento más en la madeja que desplegaba Robin Guthrie con su guitarra plagada por capas de efectos y ambientación que pronto se convertiría en una marca registrada y muestra de distinción.
Un momento de intimidad en su segundo disco "Head Over Heels" de 1983, luego se sumaría el multi-instrumentista Simon Raymonde y vendría la confirmación, eran una banda especial, distinta, inusual.
En 1984 entregan al mundo uno de los discos más bellos y carismáticos que se recuerden "Treasure", una trama de atmósfera sobrecogedora, donde los temas parecen caer desde una vertiente cristalina y arrulladora, es difícil contenerse ante semejante belleza. Pero ellos siempre alejados en el mítico sello 4ad, no dejan que su arte sea receta de muchos, hacen lo posible por mantenerse totalmente subterráneos. Se van de gira con The Cure, graban un disco junto al pianista "acuático" Harold Budd, entrecruzan el proyecto de Ivo Watts-Russell (dueño de 4AD) This Mortal Coil y todo como si cayeran hojas en Abril.
Una historia que se ramarcaría con discos como "Victorialand" (1986, junto a Dif Juz), "Blue Bell Knoll" (1988) y "Heaven or Las Vegas" (1990), que los trae a Sudamérica, tocan en Brasil y Argentina (tocata que hasta hoy me arrepiento de no haber asistido, bueno los padres y la falta de dinero...que va!).
Luego la debacle... la separación, primero de 4AD y pronto de Robin y Liz.
Se convierten en leyenda.
.
Raúl Cabrera Hidalgo.




Sintoniza El Sueño del Esquimal hoy Jueves 14 de Abril, pasado las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.


marzo 31, 2016

El Sueno del Esquimal #424, Jueves 31 de Marzo 2016.



Recordando al gran maestro de la vanguardia sonora, el primer punk de la historia marcando las direcciones con distinción como una estrella negra iluminando en el cielo.

 


Blackstar
columbia, 2016

La muerte... el final de la vida o el paso a un plano mas trascendental. Dejando las cosas en orden antes de partir, el legado es algo importante, tanto mas para un artista de la talla del duque blanco, personaje influyente que marcara la vanguardia (ya no solo musical) de las ultimas décadas. 
Luego del golpe que significó su muerte, aquella mañana del 10 Enero a la edad de 69 años por un cáncer (que mantenía en silencio para público y prensa), era para no creerlo y la tristeza inundó el inicio de este 2016, vaya manera de comenzar el año que se llevaba a esta figura que parecía casi un Dios eterno, visionario y elegante siempre. 
Ahora solo nos queda "Blackstar" como una especie de testamento póstumo para todos los que disfrutaron su música por tanto tiempo. A fines de Diciembre de 2015 ya se habían adelantado dos cortes largos de este disco, la titular "Blackstar" de 9:57 minutos y luego "Lazarus" de 6:22, estas dos piezas en sí mismas ya son como un mini-álbum de despedida donde David Robert Jones (su verdadero nombre) se hunde en la profundidad de los ambientes con su voz clarividente en plena forma, aunque ahora con el paso de los meses se siente bastante la carga emocional que contienen estas composiciones, de todas maneras musicalmente son canciones donde se concentra un poco la carrera de Bowie surcando la música popular en una constante busqueda, lo que hace visitar distintos tipos de sonoridades en un solo viaje, encontramos pop, funk, electrónica, orquestaciones, jazz, experimentación y ese toque tan especial que siempre emanaba de su actitud y voz, de culto sin dudas. 
Ya con el impulso de estos temazos, recorrer su 25° disco de estudio se hace muy placentero, somos conducidos en el tren caleidoscopico de Bowie, el mismo que podríamos tomar al transitar por su discografía plena de buenos momentos, muchas veces desafiando los estilos en voga y girando la tuerca hasta romper las formas y crear nuevos horizontes sonoros, con una dignidad que pone los pelos de punta. Ahora, si que se quiere resumir su carrera entre álbumes recomendamos comenzar con el primero, el homónimo "David Bowie" (1967), luego seguimos el trance con "Hunky Dory" (1971), "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars" (1972), "Aladdin Sane" (1973), "Heroes" (1977), "Low" (1977), "Lodger" (1979), ya basta... se podrían nombrar todos, Bowie fue un artista con un olfato creativo muy agudo, la precision de su mente inquieta le hacia incursionar con exito en muchas atmosferas, desde el laboratorio esquimal sentimos la pérdida y por eso esta revisión a su disco póstumo, dejando las ventanas abiertas para volver con su legado en cualquier momento, ya que son discos atemporales, vienen de un futuro paralelo donde habitaba este magnifico Duque. 
Chao master.

Raúl Cabrera Hidalgo.





MATT BARTRAM
Moments Before

Sucede que cuando a las personas les gusta tanto un estilo de música y sus respectivas bandas, obsesionándose de cierta forma, llegado el momento de crear su propia propuesta, el producto final es una prolongación de lo anterior, con el pequeño detalle que no lo hicieron ellos. Puede llamarse a esto “influencia” o “cita musical”, sin ser al final una copia o imitación, sino que simplemente es lo que nace, lo que se lleva dentro y es lo que sale, no hay otra alternativa. Supongo que esto podría describir  lo que ocurre con Matt Bartram (Air Formation), joven norteamericano que pareciera haber salido de Inglaterra de los años `90, creando melodías con esa fibra shoegaze hipnótica. 
"Moments Before" viene siendo su cuarto álbum en solitario y llegan muchos recuerdos a la cabeza, nos trasladan a otra década. Bartram, tal vez es muy estudioso o simplemente un buen reproductor, bueno, ya tiene su trayectoria… capturó muy bien los sonidos de la movida ya nombrada, ¿Qué pensará Kevin Shields o Neil Halstead al escuchar esta obra? 
Con una voz muy amigable y sentida, nos comienza a invitar para introducirnos con interés en su primer sencillo "Dissolve", que luego, entremezclándose con los instrumentos, haciendo un solo ambiente difuso y giratorio… que ya a la altura de "Visualise"  podemos afirmar que hay estrellas fugaces en el cielo.

Claudia Venegas Hartung





JESU / SUN KIL MOON
Jesu / Sun Kil Moon

Cuando hablamos de Sun Kil Moon (Mark Kozelek) siempre tendremos la misma idea: un artista que hace del pesimismo y la desidia existencial sus valores más arraigados en forma de música. Si a esto le añadimos Jesu, tenemos la unión de dos de los personajes más depresivos del panorama musical actual. Sin necesidad de sobrecargar sus espaldas, esta colaboración nace de un sentimiento mutuo, de un agujero negro cargado de emociones que se va tragando al oyente al igual que lo hace con los propios intérpretes.
La apertura de sus más íntimos sentimientos, ese tono confidencial tan característico del cantautor ex-Red House Painters junto a las instrumentales pesadas, abrasivas y deliberadamente negligentes del grupo shoegazero/drone británico (también provenientes de otro icono de la música industrial, Godflesh) hacen de esta unión algo casi natural, obvia, de algún modo u otro ya estaban relacionados en nuestro mapa mental musical y su  unión no se siente como una rareza, solo era cuestión de tiempo. Parece que siempre estuvieron juntos, de la mano, dejándose caer al vacío de sus propios trastornos, y qué dignos de admirar resultan en este disco.

por Nomorehype





HANTE.
This Fog That Never Ends
synth religion, 2016

Cuando la oscuridad brota por los poros, es como que la sangre tuviera glóbulos malditos que pidieran manifestarse hasta de la forma más sencilla, rememorando esencias remanentes del pasado, generando ingredientes para el presente y futuro. Al menos eso nunca morirá, creo... y si así fuera es que queda este “fantasma” que con su mínima estela te recalca que no debes perder el gusto y que debes moverte un poco con este sonido transversal que recorre toda la orbe. 

Hélène de Thoury es la mujer de voz profunda y envolvente, que juega con los ritmos, bajo la sábana de Hante. , su primer proyecto solista, con el que  se empoderada ya en el Darkwave francés con sus sonidos sintéticos, minimalistas, más que bien utilizados en ésta, su segunda placa, quedándonos más que claro que la niebla nunca terminará, menos ahora.

Claudia Venegas Hartung





MASSIVE ATTACK
Ritual Spirit EP
virgin, 2016

Hay que admitir que una de las primeras sorpresas musicales del año fue tener material nuevo de Massive Attack, así este no conforme un álbum propiamente dicho. Desde que editaran el destacable "Heligoland "(2010), la actividad del connotado combo electrónico inglés (que ahora funciona como un ente bicéfalo conformado por Robert "3D" Del Naja y Grant "Daddy G" Marshall) en este último lustro se había concentrado principalmente en presentaciones en directo y en adherirse a distintas causas políticas, pero a pesar de haber anunciado en el 2013 que se encontraban trabajando en temas nuevos, no había nada que augurara que estos aparecerían a inicios de este 2016 (28/01/16, para ser más exactos) en diversas plataformas digitales. Los primeros datos a destacar sobre este EP de 4 temas titulado "Ritual Spirit", es que cuenta con la participación de Tricky, que colabora con su ex-grupo -que dejó en pos de su carrera solista- por primera vez desde "Protection" (1994) y es la única grabación (aparte del soundtrack de la película Danny The Dog) en la que el tío Horace Andy no aporta su distintiva voz al conjunto, todo un clásico de Massive Attack. 

Desde los primeros segundos de "Dead Editors" (track que da inicio al EP) se puede entrever que el tiempo transcurrido desde su último lanzamiento les ha servido para poder incorporar sonoridades nuevas a su discurso, pero siempre agregándole su impronta característica: es así que el mencionado tema se desenvuelve en una base uptempo que abreva en las fuentes del 2-step, sobre la que el rapero británico Roots Manuva dispara dinámicos versos; es el tenso y pulsante bajo que se oye de fondo en el que se percibe el proverbial tono oscuro que Massive Attack le imprime a sus creaciones. Dicha tensión también se respira en "Ritual Spirit", que le da título al extended y en el que las notas de guitarra que entran/salen y el amenazante bajo ayudan a crear una densa atmósfera, con una base tribal y efectos de palmadas sobre las que el soulero inglés Azekel entona vocales con mántrico efecto. Los mejores pasajes llegan luego de eso, con "Voodoo in My Blood", tema que también se sirve de percusiones tribales (aunque más complejas y trabajadas que en el tema que antecede) a la que de a pocos se le van superponiendo sonidos diversos de sintetizadores, repetitivas guitarras (la que entra en 1:25 es la que da carácter al track) y la armónica vocalización del tándem hip-hop Young Fathers, que crean un momento de hipnótica naturaleza y galopante intensidad. "Take It There" es el tema en el que participa Tricky, que cierra el EP y que es a mi gusto el más destacado del conjunto. Acá tenemos a 3D y al monstruo de Bristol intercambiando vocales en un call-and-response como en los viejos tiempos sobre una base rítmica de clasicismo trip-hopero, con un piano que va marcando el pulso (que guarda alguna similitud a "A Wolf at the Door" de Radiohead) y con un apremiante crescendo hacia el final que culmina con todo volviendo a la tranquilidad del inicio de brillante forma. Recomendado. 

por LesterStone



También nos acompañarán los amigos de Fatiga de Material en el estudio, mostrándonos algo de su segundo disco homónimo que han publicado hace muy poco.

Sintoniza El Sueño del Esquimal hoy Jueves 31 de Marzo, pasado las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.

marzo 16, 2016

El Sueño del Esquimal #423, Jueves 17 de Marzo 2016.


Bienvenida a la temporada del tiempo frío, queremos que llueva!! 


Des Fleurs Magiques Bourdonnaient
northern light, 2016

Con una grata sorpresa nos encontramos al descubrir la existencia de Rev Rev Rev, de Modena-Italia, sí, de donde mismo se elabora el rico aceto balsámico, pues también aparece esta misteriosa banda.
Ya en el año 2013 sacaron su primer LP homónimo con una alta influencia shoegaze y noise británico al estilo My Bloody Valentine, ocupando aquella efectiva fórmula de efectos  etéreos (valga la redundancia) y de asonancias ondulantes, captando imágenes caleidoscópicas en la imaginación, mas marcando a su vez su propio sello distintivo. Este año aparece "Des fleurs magiques bourdonnaient" (flores mágicas zumbaban), haciendo alusión a un extracto de poema que aparece en las “Iluminaciones” de Rimbaud, en donde se mantienen fiel a su estilo, sin dejar también de lado una clara psicodelia que envuelve a  todo este trabajo. Sin embargo, algo más ocurre acá; comenzando con temas como "Buzzing Flowers Ecstasy" y "We Can But Dream", pareciendo más uniformes con respecto a su placa anterior y a la onda en sí, de improviso quiebran notablemente como en "Je Est Un Autre" y en "A Ring Without An End", con toques más agresivos y oscuros, agregándole alta potencia que se hará constante en el transcurso de este disco de 12 temas breves, en el que aquellos caleidoscopios que nombrábamos anteriormente se convierten en vitraux de catedrales pesumbrosas, para luego finalizar con "Aloft" dando un espacio de relajación para volver en sí. Excelente aporte desde la “bota” europea, pues de a poco me voy sorprendiendo de algunas cosas nuevamente.

Cuando el mundo sea reducido a un solo bosque negro para nuestros cuatro ojos atónitos, - a una playa para dos niños fieles, - a una casa musical para nuestra clara simpatía, - yo te encontraré.
Arthur Rimbaud
por Claudia Venegas Hartung.


Helium
medical records, 2016 

Pram fue un cuarteto afincado en Birmingham a comienzos de los 90's, una de esas extrañas bandas que en esa época vinieron a trastocar los conceptos del rock independiente británico junto a Stereolab, Disco Inferno, Seefeel, Insides, Laika, Bark Psychosis, Th' Faith Healers, Mouse On Mars, Moonshake y otros. 
Dueños de un sonido esquizoide y marciano, usaban teclados moog, hartos samples, percusiones silvestres, ritmos inspirados en el krautrock y la voz especial (entre aniñada y tímida de Rosie Cukstom) que le aportaba harta onda a la banda, como una especie de Nico perdida en el parque de diversiones. 
De su dilatada discografía hemos elegido "Helium", uno de sus discos mejor logrados, publicado por el prestigioso sello Too Pure en 1994 y que cosa curiosa ha sido re-editado por primera vez este año por el sello Medical Records en un hermoso vinilo amarillo. Algo así como una celebración para la escena noventera espacial post rock UK que confluían en la casa Too Pure, Medical ya venía lanzando re-ediciones de Seefeel y Laika y al parecer no piensan en parar. Para nosotros un gusto volver a escuchar estos discos impregnados por la exploración, texturas, ambientes y vuelo constante. Llegó el momento de Pram, El Circo Lisérgico.

Raúl Cabrera Hidalgo.





TORTOISE
The Catastrophist
thrill jockey, 2016 

Post Rock from Chicago. 
Como entrando en un salón de sonidos y música de variedades exquisitas, cultura y ambientes se mezclan en este aparador de hotel. El silencio que ha pasado de 7 años por un instante se desvanece. 
Tortoise está de vuelta y ya sabemos eso de... todo cambia en el tiempo. No importa. Las luminarias se mantienen y la experiencia auditiva junto a este legendario quinteto norteamericano aún es placentera y sorprendente. El cuarto está en regla, algo de misterio germánico en clave krautrock aparece y reaparece, refinada onda expansiva electrónica contenida por un ramaje sincopado de sonido orgánico que golpea las sienes, instrumentales de apariencia emancipada dan paso a un mirador de espejo apocalíptico entrecortado por el relajo progresivo.
Algunas variedades para el set, la inclusión de vocalizaciones en dos rincones del entramado, la clásica "Rock On" con Todd Rittmann (U.S. Maple, Cheer Accident) y la hawaiana "Yonder Blue" con Georgia Hubley (Yo La Tengo) acunando la noche. Se trata de otro buen disco para su trayectoria inspiradora, mejor no mirar hacia atrás, eso ya estuvo bueno. Conduciendo hacia la playa no hay catástrofe. En el salón se mantienen los armónicos y las refinadas cadencias.

Raúl Cabrera Hidalgo.

WALL EP
wharf cat, 2016

He aquí una novedad antinovedosa, sin embargo interesante. Post-Punk del bueno. Con ritmos rígidos que azotan cabezas contra la  sequedad del  pavimento norteamericano, aparecen estos chicos de New York, aún algo incógnitos por los medios, se mantienen abajo, subterráneos, apoderándose del legado de la No Wave transportándola a nuestros días con este sonido que revive nostalgias claroscuras. "WALL EP" sale con limitadas 300 copias; 4 temas de corta duración que desde que comienza con "Cuban Cigars" te saca de tu puesto, te sacude un poco y te das cuenta por dónde va la línea. Esperaremos lo que sigue después.

Claudia Venegas Hartung


Perfect Vision
no patience, 2015

Gritos, golpes y after-punk dark desde Australia, la isla de los malditos, que siempre nos sorprende por su escena independiente fuera de tiempo y orden con una crudeza que da gusto. Spite House son un cuarteto de Melbourne (vaya ciudad solo recordar como The Birthday Party y The Scientists han dejado su influencia) formado por Stina, Steph, Zac y Lee, cada uno con pasado extenso en bandas punk y hardcore subterráneas de aquella ciudad.
"Perfect Vision" es su segundo EP, luego del homónimo que apareció en 2013, 4 cortes abrasivos y a toda velocidad, donde muestran mucha actitud y rabia, con una vocalista que recuerda a la adolescente Björk gritando para los oscuros KUKL de comienzo de los 80's en Islandia, hay harto carácter y agresividad en estas cuatro canciones, algo que no deja de llamar la atención para estos tiempos tan light y sometidos, para Spite House puro agüante y solo queda esperar su debut en disco largo.
Del sello No Patience a tenerlo en cuenta, lo conocimos gracias a los Rule Of Thrids en 2015 y cada nueva placa que publican uno queda con la cabeza para atrás, muy buen reducto, ojo con ellos.

Raúl Cabrera Hidalgo.



Además nos acompañará en el estudio, nuestro buen amigo Patricio AKA Hawái, con Ruidismo y Ambientes a cargo de dos proyectos de el ex-Wire Bruce Gilbert registrados a comienzos de 2000, esto queda como sorpresa para esta noche esquimal.

Sintoniza El Sueño del Esquimal mañana Jueves 17 de Marzo a eso de las 21:00 hrs. por Radio Placeres 87.7 FM desde Valparaíso y online además.