El Sueño del Esquimal #268, jueves 12 de noviembre.

Llegando a la tierra de los brujos, distrito ancestral y mágico al que hoy ofrendamos nuestra reverencia.

SUNN O)))
Monoliths & Dimensions
southern lord, 2009.

Se han convertido en objeto de culto, radicales muchachos oriundos de Seattle, Stephen O'Malley y Greg Anderson, fundadores de la orden maldita, Sunn O))), desde 1998 y bajo la influencia primaria de sus paisanos Earth.
En esta morada las tienieblas son demasiado densas, su música se abriga en un arco sonoro drónico y funerario, tomando elementos black metal, dark ambient y noise, presentan una obra direccionada totalmente hacia las sombras y lo insano, un espacio arcano extraviado entre épocas, que hoy se abre nuevamente con un hedor endemoniado y sofocante.

En terminos sonoros, el trabajo de Sunn o)) es interesantísimo y logran introducirnos en su pesadilla diabólica, la misma mezcla de tendencias que se revuelcan en el pozo, crea un nuevo ser, horripilante, pero nuevo al fin, de aquí seguramente viene la admiración que le prodigan sus pares, la crítica y por supuesto la audiencia.
Los encapuchados continúan con su rito en "Monoliths & Dimensions", otro templo carcomido y putrefacto, no se guardan nada, 4 extensos tracks con los que descendemos hasta ya no ver luz, drones que se entregan lentos y repetitivos y que se expanden como el gas venenoso, sentimos el riesgo y orillamos la fuente, no podemos regresar.
Elemento importante del disco son los colaboradores, una corte amplia de personajes venidos desde la experimentación musical, el noise y la vanguardia en su más amplio sentido, que amenizan esta ceremonia a la oscuridad que desplega Sunn, de otra forma el disco no terminaría con un duelo de jazz vicioso, al final de los 16 minutos de "Alice", donde el clarinete de Hans Teuber y los trombones de Julie Priester, Steve Moore y Stuart Dempster cruzan los sellos de una nueva dimensión bajo los monolitos.
Pero no hagamos la de Lynch y comenzemos desde la puerta, la placa comienza con la tenebrosa "Aghartha", lenta y devastadora pieza de noise mortuorio, se arrastra por un ambiente industrioso creado principalmente por drones y efectos de bajo y guitarra, además de O'Malley y Anderson, destacan en la espesura el bajo de Keith Lowe, las mutaciones y osciladores de Oren Ambarchi y la viola esquizoide de Eyvind Kang, de a poco somos conducidos por un paisaje alucinante, los sonidos se retuercen plasmando imágenes perversas, aparecen los vientos en la distancia y una presencia perturbadora se hace sentir en todos los trazos y movimientos, la voz gutural del húngaro Attila Csihar (Mayhem, Pentemple) viene a entregar la ofrenda y a marcar los signos, luego de 17 minutos de encantamiento en mala, nos encontramos adentro y redimidos.
A pesar de toda la imagineria fantasmagórica que Sunn plantea, lo que descubrimos en estos pasadizos desfigurados, es una exploración musical ultra-sugestiva, una búsqueda constante de nuevos y ensoñadores ambientes de riesgo.

Y si no te vastó con eso, prepárate para la sacro-pagana, "Big Church" y su obertura de coros sopranos que nos trasladan hasta tiempos extraños de sumisión y tortura, notablemente más furiosa que su antecesora, con campanas a cargo de Mell Dettmer y sintetizador Korg por Rex Ritter (Fontanelle, Jessamine) esparciendo bruma ante los rezos de Csihar y la caldera incesante
de ruido quejumbroso, notable la aparición en este corte de la guitarra de Dylan Carlson (Earth), todos bebiendo de la vertiente, como buenos hermanos.
La bestia primordial se desata en "Hunting & Gathering", los cornos y las trompetas hacen pensar en la arena romana, mientras atrás va cayendo un diluvio, nuevamente las plegarias y los cantos, cada vez los riffs se hacen más pesados y la carencia de percusiones nos asfixia, el ambiente se torna sedante, un calor que se acerca y que distorsiona la mirada, sonidos que vuelan muertos hasta tu sien, caída permanente.

Para el final retornamos a "Alice" y su aire flagelante, aislacionismo en los arreglos de Eyvind Kang, letanías que se elevan junto a las piedras y doctrinas perdidas, música abstracta, deslumbrante viaje hacia los vacíos del alma misma, un mantra que corona el cielo nortino, mucho más allá del metal y de cualquier historia manoseada, se encuentra esta obra magnífica de sonido y concepto misterioso, terminarás amándola.

Agradezcamos.

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THE TWILIGHT SAD
Forget The Night Ahead
FatCat, 2009.

De nuevo tenemos a la Escocia desafiante y atormentada en frente,
el cuarteto The Twilight Sad se muestra desacomodado y disconfome en su segunda placa, como queriendo desapegarse de cierto estilo y nombres, Editors e Interpol nunca sonaron así, "Forget The Night Ahead" es un álbum intensísimo, rabioso y por momentos arrollador.
Partiendo por la visceral "Reflection Of The Television", totalmente destemplada, recuerda un poco la furia tribal de Joy Division en "Atrocity Exhibition" (tema que abre su disco "Closer", 1980), percusión intuitiva en primer plano dando paso a las guitarras afiladas y a la voz de James Graham, que en este disco marca la diferencia, muy especial y poderosa con esa pronunciación tan escocesa llena de erres.
Luego el sencillo "I Became A Prostitute", una sobregarga de distorsión venenosa, entre el post-punk y el shoegazing, no hay concesiones y todo comienza a temblar, especial mención para los productores del disco, el también escocés Paul Savage (ex-The Delgados), que les ha sacado lustre, el otro, Andy MacFarlane, guitarrista de la banda.
A cada paso una sacudida, "Made To Disappear" es otro vuelo vertiginoso, bello y doloroso, no han perdido para nada esa melancolía que corría por "Fourteen Autumns & Fifteen Winters", su debut de 2007, solo han ensanchado el efecto de sus canciones, con un sonido vivo al que cuesta sacarle la cara, quizás ha influído que se hayan ido de gira con Mogwai, para bien de todas maneras.
También en temas como "Interrupted" y "That Birthday Present", se manifiesta que han dado un paso arriesgado, es verdad que por momentos se muestran un tanto grandilocuentes, pero igual se aplaude la intención y el estremecimiento.

myspace.com/thetwilightsad

COLD CAVE
Loves Comes Close
heartworm, 2009.

Tomado desde lo más nocivo del noise gringo, Wesley Eisold arma el contingente definitivo de techno pop oscurantista para Cold Cave, a la perfección se exhibe el gusto por los sonidos electrónicos ochenteros, acompañan Dominik Fernow (Prurient), Caralee McElroy (Xiu Xiu) y Sarah Lisptate (Noveller, One Umbrella), se dan cuenta de lo que hablamos, 4 personajes que han surcado el fango del ruido abrasivo y demoledor, esta vez coludidos en un intenso juego de darkwave bailable y desquiziado, joventud y lujuria, labios mojados y vestidura oscura para las masas, lo hacen con un sonido industrioso y afilado, pero dotado de una ironía, que no se veía desde el tiempo de OMD, Erasure y Yazoo, genial obra, esto era lo que queríamos, pista de baile y tinieblas, la llevan.

Abre el camino la áspera y ruidista "Cebe And Me", con Caralee MacElroy y su voz mutada entrando en la niebla marginal de Wes Eisold aka Cold Cave, quién muy bien ha hecho en convertir su proyecto personal en cuarteto, para este su disco debut, "Loves Comes Close".
A partir del corte que da nombre al disco, notamos el nuevo aire, pop sintético con Eisold cantando como lo haría Ian Curtis al frente de New Order, maquinaria intervenida por la guitarra del invitado Sean Martin (ex-Hatebreed), muy disfrutable.
"Life Magazine" es un temazo con la MacElroy de nuevo en las vocalizaciones, muy bailable y llena de alegría y luminosidad, dando paso a la muy OMD, "The Laurels Of Erotomania", un entramado que juega entre el placer y la confusión, la danza que no da descanso y esos teclados tocados a un sólo dedo, maravilloso.
La atmósfera se enrarece con "Heaven Was Full", dark a la manera de Death In June y su etapa más dance, sin duda que estas canciones serían una delicia para todos esos chicos y chicas amantes de la ropa oscura en sus antros, lástima que estos sigan tan atados a la EBM sin alma.
Un momento de pausa antes de entrar en el mejor momento del disco, la expresiva "The Trees Grew Emotions And Died", tema que le había dado nombre a uno de sus Ep's anteriores y que acá suena como nunca, ultra-desencajante y lustrosa, cubierta de ruidos extraños, orfebrería maquinal cortesía de Dominik "Prurient" Fernow y Sarah Lipstate, dueto vocal perfecto de Eisold y MacElroy, entre Gang Gang Dance y Telepathe.
De aquí para adelante más Ian Curtis, más techno-pop infectado y más curiosidad sintetizada, ni corto ni perezoso el sello Matador ha re-editado este disco, preliminarmente publicado por Heartworm Press, el sello propiedad de Wes Eisold, con seguridad Cold Cave ha dado bien el golpe y sería raro que este trabajo no se encontráse entre lo mejor del año.
Verdaderamente deslumbrante.

myspace.com/coldcave

AND ALSO THE TREES
When The Rains Come
and also the trees, 2009.

And Also The Trees es una banda británica formada en 1979, en medio de la estampida activada por el punk y en pleno proceso de gestación del post-punk, los hermanos Simon Huw Jones y Justin Jones -vecinos de la villa Worcestershire- crearon este refugio evocativo y refinado entre medio de las sombras del bosque y los pastizales, han sobrevido a las modas y estilos en boga, ahora a 30 años después de aquella aventura juvenil, aún estan aquí demostrando esa esencia romántica, esa ambientación onírica tomada de los terrenos rurales y de personajes imaginarios.

"When The Rains Come" es el undécimo álbum de estudio de AATT, un disco acústico que revisita temas de distinta data en la historia de la banda, de su paso por la oscuridad after-punk, hasta las formas sonoras más suavizadas que experimentaron en los 90s'; visiones de calma en la campiña, el brillo de los instrumentos tocados con una elegante sensibilidad y la vitalidad que habita en sus líricas fantasiosas y puras.
Así van pasando algunos clásicos de su dilatada trayectoria, como "Virus Meadow", donde melódica y guitarra acústica se acarician dulcemente, mientras aparece la voz dramática de Simon Huw Jones, elemento fundamental dentro del concepto artístico de And Also The Trees, luego vendrán "Jacob Fleet", "The Dust Sailor", "The Street Organ", "Vincent Craine" y "Stay Away From The Accordion Girl", todas canciones sobrecogedoras y mágicas, que muestran el universo distintivo de esta desconocida banda, un lugar apartado y embellecido que parece haberse estancado en el tiempo.

Acá les entregamos una discografía recomendada, para que se atrevan a cruzar el cercado...

"And Also The Trees", 1984.
"Virus Meadow", 1986.
"Et Aussi Les Abres" (compilado), 1987.
"The Millpond Years", 1988.
"Green Is The Sea", 1992.
"Angelfish", 1996.
"(Listen For) The Rag And Bone Man", 2007.

web

myspace.com/andalsothetreesofficial







Y desde los ambientes de Hawái...

HAPTIC
The Medium
Flingco Sound System, 2009

Desde las profundidades del sonido emerge “The Medium”, el primer disco largo del trío de Chicago Haptic. En sus comienzos el propósito de estos músicos, reunidos en la primavera del 2005, era usar sus herramientas para crear y elaborar sus piezas en vivo. Esas motivaciones unieron a Steven Hess (Pan American, Dropp Ensemble, On, Fessenden), Joseph Clayton Mills (Jonathan Chen, Dropp Ensemble), y a Adam Sonderberg (Dropp Ensemble, Civil War). “The Medium” funciona ligeramente distinto, pues si bien es evidente cierto desarrollo libre, este disco fue concebido en el estudio.

Dos piezas, solo dos, integran este LP, ambas sin título. El lado A (diecinueve minutos), básicamente a través de la repetición crea un clima absorbente. Lentamente, el espacio va tomando distintos colores. Pequeños cambios, casi imperceptibles, se suceden y se suman conformando un paisaje embriagador a la vez que ensoñador. El lado B (diecisiete minutos) también, y muy similar al anterior, crea estos ambientes infinitos, pero de un modo diferente. Por otro lado, es levemente más sucio, no en sonido –impecablemente masterizado por Bob Weston–, sino en cuanto esta infectado por diminutos ruidos y percusiones que se asemejan mucho a una tormenta y sus delicados truenos, todo lo que convierte y transforma la calma inicial en una perturbadora escena de terror. Es, en este sentido, menos lineal que el lado A. Son las distintas caras, parecidas y diferenciadas con leves matices, de una misma moneda de tres caras, las tres caras de estos tres ambientalistas de la siempre fértil ciudad de los vientos –ayudados acá por tres caras más, las de Tony Buck (The Necks), Olivia Block y Boris Hauf–.

Tal vez no sea lo mismo escuchar una grabación que verlos en vivo –ojo que existe una edición especial con un DVD extra, a cargo de la videoartista Lisa Slodki, armado sobre la base de una presentación en el Empty Bottle de Chicago–, pero oyendo este disco no resulta difícil sumergirse en las profundidades de este sonido, en estos universos lentos de movimientos largos, y ahogarse dentro de sus olas interiores.

myspace.com/hapticmusic

GUNTER ADLER
Douches Dames
1000füssler, 2009

Nacido en 1969 en Aachen, Alemania, Jürgen Hall comenzó a los 17 años a experimentar con sonidos, pero ya en los noventa comienza a editar trabajos, bajo los nombres de Anubis y Gunter Adler, además de los dúos Groendland Orchester y Augsburger Tafelconfect. Como Gunter Adler ha publicado diversos trabajos, los primeros bajo Staubgold, para luego pasar por diversos sellos como Mik.Musik.!., Gagarin y Clinical Archives. Además dirige el netlabel plakatif.

Douches Dames era parte de una vieja piscina sobre techo en Forest, Bruselas, y hoy sirve como un moderno laboratorio artístico llamado BainsConnective. “Douches Dames”, en un comienzo una instalación sonora, es el nuevo de EP de Hall, bajo el nombre de Adler, otra vez en sello distinto, 1000füssler. A partir de field recordings registradas al interior del edificio y sonidos producidos sintéticamente, Hall arma tres piezas que en total suman veintiún minutos. En “Douches Dames”, el track, asistimos a una serie de voces de personas que se superponen, zambullidas en la piscina, melodías de pop minúsculo, ritmos delicados y suaves entrelazados con más voces, niños disfrutando del nado entre aguas artificiales. Ya hacia el final la música se convierte en un verdadero puzzle, mezclando elementos de todos lados, pero sin llegar a confundir. Los otros dos tracks tienden a hundirse cada vez más. “Scheppertones” muy profundamente hace del lugar un espacio algo pesado y la atmósfera un tanto espesa, solo interrumpida por señales desde lo desconocido. “Mousse-Touch”, por otro lado, es electrónica pop y minimalista, cinco minutos de sonidos microscópicos. Toda la masa sonora inicial, todo esa mixtura con que comenzaba el EP, con el transcurso de los minutos se vuelve cada segundo más lejana, hasta terminar casi oculta, casi invisible. Las alegres y vespertinas ondas de aquella vieja piscina son ahora el lugar para el nadar nocturno de una desconocida alma. Nightswimming deserves a quiet night. Así termina todo, quieto.

myspace.com/gunteradler





Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 12 de noviembre, desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on-line por supuesto.














Recomendados:

El Sueño del Esquimal #267, jueves 29 de octubre.

Contemplando los destellos de una primavera eléctrica, frescura y un laboratorio de sonidos que no para, entremos otra vez en la ilusión.

MASSIVE ATTACK
Splitting The Atom Ep
virgin, 2009.

Hace un buen tiempo que esperabamos noticias de Massive Attack, desde el año pasado que se hablaba de la publicación del quinto álbum de la banda de Bristol, la expectación crecía y de ellos nada.
Sigilosamente reaparecen con este Ep de octubre, "Splitting The Atom", estimulante adelanto a lo que será su nueva placa, con fecha para Enero de 2010.
Hacía falta volver a sentir esa cadenciosa intensidad, ese centro embriagador que desde los '90s y el trip-hop, nos hace flotar.
Robert del Naja aka 3D y Grant Marshall aka Daddy G, alquimistas del sonido maquinal y la música negra más inductiva, vuelven a llenar el espacio de humo rojo, profundo y placentero, comenzamos con "Splitting The Atom", single que los posiciona de nuevo en altura, las voces de Daddy G y 3D se derraman viciosas, mientras aparece el canto luminoso de Horace Andy como en los mejores tiempos de "Protection" y "Mezzanine", han pasado sólo unos minutos y ya estamos entregados totalmente en medio de los sonidos y la sensualidad, atmósferas sobrecargadas que nos mantienen entre la tensión y el encantamiento constante, Massive Attack está de vuelta, a 6 años de "100th Window", su anterior trabajo, no han perdido espesura, al contrario, parece que estuvieran caminando por una tierra distante, puerta perceptiva que sólo ellos saben recrear.

Como en toda su carrera las colaboraciones son de lujo, además de Horace Andy, encontramos a Damon Albarn, Martina Topley-Bird, Guy Garvey (Elbow) y Tunde Abedimpe (Tv On The Radio), este último entrega su voz en el segundo corte, "Pray For Rain", áspero y tribal, se siente la sangre correr entre Jamaica y Bristol, paseamos por las calles mojadas en busca de algún antro que nos acoja, el fuego que hace olvidar al frío, las luces que se encienden y de pronto estamos en medio de la danza infernal y urbana, buen viaje.

El Ep se completa con dos remezclas que se mueven entre lo profundo y lo abstracto, sin soltar nunca la cuerda, como no disfrutar ese caramelo llamado "Psyche (Flash Treatment)", con Martina y su voz seductora inmersa en una fuente de resonancias fascinantes.

Descansemos, habrá que esperar hasta enero por otra dosis de embrujo.

myspace.com/massiveattack








BROADCAST
Mother Is The Milky Way Ep
self-released, 2009.

11 canciones en 20 minutos, no está mal para ser un Ep, más aún si estas canciones vienen desde un reducto tan entrañable como el de Broadcast, la banda de Trish Keenan y James Cargill, que desde Birmingham, Inglaterra, retorna al ruedo luego de su anterior trabajo, el aclamado "Tender Buttons" de 2005.
La música puesta dentro de un caleidoscopio, exploración hacia las fantasias del interior, los recuerdos y las vivencias, todo cayendo desde una vertiente multicolor, "Mother Is The Milky Way" es una historia contada desde los sueños, la voz de Trish arrulla en medio de canciones paranormales e infantiles, pasadizos que se pierden entre capas sonoras nubosas y grabaciones urbanas, risas de niños, flautas y frecuencias de radio mal sintonizada, todo un microcosmos que pareciera venir desde muy adentro en la razón y los sentidos.
Traspasando los límites, las canciones diminutas se cobijan en estructuras que toman algo de folk y electrónica selvática, se vienen a la mente Vashti Bunyan, His Name Is Alive y Nico, una bella incursión de Broadcast por parajes orgánicos y distantes, una esencia que retorna después del silencio, un desierto florido.

Este sugerente Ep, sólo se encuentra disponible en los conciertos de la gira que están haciendo por estos dias junto a Atlas Sound, pero obvio que lo podrás descargar por ahí...

Además Broadcast ha publicado este mes, "Broadcast And The Focus Group Investigate Witch Cults Of Radio Age", otro disco de corte experimental, esta vez junto a The Focus Group, banda liderada por el diseñador de portadas, Julian House.

Todo esto a la espera de su nuevo álbum, que aparecerá por etiqueta Warp en el primer semestre de 2010.

myspace.com/broadcastuk

ZOLA JESUS
The Spoils
sacred bones records, 2009.

Zola Jesus es un proyecto creado por Nika Roza Danilova, una joven de 20 años recién cumplidos, proveniente de Madison, Wisconsin.
Desgarbada y escondida detrás de un teclado, nos muestra su música oscura y asfixiante, una especie de after-punk industrioso amparado en la bruma del sonido lo-fi, de inmediato ella reconoce la influencia de gente como Swans, Throbbing Gristle, Diamanda Galas y Lydia Lunch, "The Spoils" es su flamante primer Lp, luego del CD-R "New Amsterdam" y el Ep "Tsar Bomba", todos editados este año, chica prolífica.
De a poco nos internamos por un mundo agónico, temas de apariencia terminal como "Sink The Dynasty" por ejemplo, muestran una cercanía con la época más siniestra de Dead Can Dance y Cocteau Twins, la voz de Zola Jesus se transforma en un conducto fantasmagórico, incesante e inductivo, el disco entero exhala dolor, pesadez y malos presagios, sin embargo hay una fuerza vital que impulsa estos conjuros, como en "Smirenye" con un pulso maquinal marcando el paso firmemente o "Clay Bodies" espacio pagano destinado a estremecer.

Estamos frente a un disco salido desde las sombras, hiriente como pocos, lleno de tormentas y pozos sorpresivos, pero cubierto por una belleza congelada que se cuela directo hasta el centro, realmente hipnotizante, como buena parte de la nueva escena underground estadounidense, peregrinos que avanzan por un bosque nocturno como James Ferraro, Pocahaunted, Gary War y Ariel Pink.

myspace.com/zolajesus






Las corrientes polinésicas nos acarician, gracias al viento de Hawái...

ALVA NOTO
Xerrox Vol. 2
raster-noton, 2009

“Xerrox Vol. 1” (raster-noton, 2007), o el Viejo Mundo, “con su tradición profundamente enraizada en la música clásica”. Su segunda parte, “Xerrox Vol. 2”, intenta acceder al Nuevo Mundo. Este disco, al igual que el anterior insiste en aquello del error, en las fallas inherentes a toda copia, mas y más evidentes cuanto más de ellas se hagan, en como no podemos diferenciarlas del original, y en como, finalmente se convierten en un material nuevo. Para ello otra vez utiliza el Xerrox Sample Transformer. Pero en este caso, el segundo de la serie –recuerden que aún quedan tres más por venir–, la idea es un poco diferente.

Pensado y concebido mas desde el punto de vista de una unidad, mas que la simple unión de fragmentos, funciona casi como una presentación en vivo, y se pueden además distinguir distintas fases dentro de esa misma unidad, distinciones que se pueden hacer en parte por los samples usados en cada una de ellas. Los cuatro primeros tracks, de “Xerrox Phaser Acat 1” a “Xerrox Meta Phaser”, utilizando ‘muestras’ de Michael Nyman y Stephen O’Malley (Khanate, Sunn O))), KTL), parten de silencio más incomodo al ruido más suave. Distintas capas de grises pegadas unas con otras, hasta terminar en aquel océano de impurezas que es “Xerrox Meta Phaser”. “Xerrox Sora”, corresponde a un bosquejo de una de sus tantas colaboraciones con Ryuichi Sakamoto, desarrollado e interpretado durante la gira de “Insen” (raster-noton, 2005), un verdadero diamante en bruto, un carbón tan bello como sus pequeñas imperfecciones. Luego a eso comienzan la serie “Xerrox Monophaser” –interrumpida por otros tracks, siempre insertos en la misma línea, como “Xerrox Teion”, armado a la vez que corroído en el “proceso de copiado dentro de otros samples”, o “Xerrox Tek Part 1”, suma de arena digital más líneas perpetuas–, las cuales construyen a través de redes entrelazadas, nuevos espacios, semejantes a los mas clásicos de “Xerrox Vol. 1” –clásico también en el sentido que lo es el ambient mas gaseoso de Wolfgang Voigt–.

Grabado y desarrollado y casi en su totalidad en Estados Unidos, aquel ya viejo New World, efectivamente tiene y se presenta como un solo ente, de una densidad absorbente y pesada, un todo que al mismo tiempo se puede sumar a esa otra entidad que es “Xerrox Vol. 1”, conformando una obra que, a la espera de las restantes entregas, ya se anticipa como una de las series mas interesantes en lo que va de esta década, un campo abierto para la distorsión y la calma, lo áspero y lo suave, lo rugoso y dúctil del ruido en un solo espacio sin fin, the endless loop.

FENNESZ SAKAMOTO
Sala Santa Cecilia (2005)
Cendre (2007)
Touch

Tan solo 72 minutos son los que suman las que hasta la fecha son las únicas dos colaboraciones, plasmadas en disco, entre Christian Fennesz y Ryuichi Sakamoto.

Enfrentados de manera distinta, tanto en su proceso de gestación, composición e interpretación, obviamente que los resultados tenían que ser diferentes. Y por cierto que lo son. En “Sala Santa Cecilia” el proceso fue más simple, y consistió en lo siguiente: dos personas, el austríaco y el japonés, mas un tercer invitado, el laptop. La música surge de la interacción entre esto tres elementos, casi se diría que de forma improvisada, caótica a ratos, pero nunca desordenada. Grabado por Claudia Engelhart, en el Auditorio Parco della Musica, dentro del festival Romaeuropa, en Roma, Italia, el 28 de noviembre de 2004 (siete meses antes de su publicación), lejos de ser una mera reunión de dos creadores de mundos aparentemente alejados, es una sola capa –también en disco: un track de 19 minutos–, con matices y sonidos añadidos, a veces sutiles, a veces más bruscos (minuto cinco a seis: grabaciones de guitarra, presumiblemente de Fennesz, en la línea repetitiva de Spaceman 3), cercanas a las grabaciones más experimentales del europeo, como sus colaboraciones con Keith Rowe. Sakamoto, por su lado, toma el control cuando el ruido es el protagonista, sumando ráfagas de ambient al conjunto –tal vez fue todo de un modo distinto, y dichos roles no los ejercieron quienes yo otorgue–. Como sea, “Sala Santa Cecilia” sirvió como aperitivo, mas que destacable, a su primer larga duración, y si se escucha con atención, existen pasajes en los cuales ya se anticipa lo que será su próxima colaboración.

“Cendre”, publicado cerca de dos años después que el anterior, tuvo un proceso distinto. En esta ocasión, la grabación no tuvo lugar en un solo momento y lugar, sino que se desarrolló pausadamente, desde el 2004 al 2006, entre las ciudades de Nueva York (Sakamoto) y Viena (Fennesz). Este le enviaba pistas al nipón, sea una pieza electrónica o de guitarra, sobre las que Sakamoto creaba a su vez una pieza de piano. Sin embargo, a veces el proceso era el inverso, comenzando en Austria y terminando en Estados Unidos. Además, discutían sobre los temas durante sus varios encuentros en giras, o comunicándose vía electrónica, juntándose para la mezcla final en febrero de 2006. Entre el paisajismo puro, y la más sutil y ensordecedora belleza, tienen lugar once temas, partiendo por “Oto” (sonido), breve overtura donde tradición y modernidad de unen, y siguiendo con “Aware”, que traduce a sonido precisamente lo que significa. De ahí en adelante, se suceden hermosas piezas, donde cada uno aporta lo suyo, Sakamoto con el piano y Fennesz con la guitarra eléctrica, tratados por ambos con sus laptops. El mas viejo de los dos, delicado como siempre, se refleja como nadie en tan noble instrumento, y dice como casi ningún otro es capaz de hacer (a la saga le va el neoyorquino Kenneth Kirschner), tantas cosas en notas tocadas con una precisión notable, tanto cualitativa como cuantitativamente. A destacar dentro de todas “Kuni” (campo), “Cendre” y “Abyss”. Por su parte el mas joven del dúo no es solamente el compañero de turno, y quien justifica que este artefacto sonoro aparezca en la marca londinense Touch, sino que muy por el contrario se acopla de manera que no estorbe ni entorpezca la labor del otro –de un modo similar a como lo hizo Carsten Nicolai (Alva Noto) en sus discos para raster-noton–. Sin él, el disco tendría otro carácter muy diferente. No quiero decir en ningún caso que pase inadvertido. Es perfectamente distinguible su presencia, y su manera de enfrentar las composiciones. El ejemplo más notorio es “Glow”, el que encajaría fácilmente en una posterior reedición de “Venice” (Touch, 2004).

El fin, el amanecer, la luz. Al igual que la fotografía que aparece en la portada, obra de Jon Wozencroft , responsable además del diseño de este, el EP que le antecede, y la casi totalidad del catálogo de Touch, de entre los arboles, ramas y hojas digitales emerge la claridad. Desde la oscuridad, de la que algo hay, surge la luz, y junto con ella, el calor.





Escucha El Sueño del Esquimal #267, hoy jueves 29 de octubre, desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on-line...

(Si ya es demasiado tarde, y eres valiente, puedes descargar este programa en este link, elimínese después de escuchar!)



Recomendamos:

El Sueño del Esquimal #266, jueves 22 de octubre.

Los discos de Octubre, un cofre-tesoro y la luz que regresa de su viaje huérfano.

PIANO MAGIC
Ovations
make mine music, 2009.

Décimo álbum en la carrera de Piano Magic, la agrupación londinense que formó Glenn Johnson en el verano de 1996 y a la vez el terruño dark por excelencia en la actualidad.
Ahora con "Ovations" se presentan cruzando el umbral definitivo, con maestría han esculpido un disco potente, de refinada poética y donde ningún rincón está demás, una verdadera joya de ambientes densos, poseedora de una hermosura que se expande y se agiganta a cada paso, sutilmente nos adentramos en un paraje arcano, romántico y de una rigurosidad artística admirable.
Cuando la música atraviesa ciertos límites, podemos encontrarnos con temas como "The Nightmare Goes On", que abre esta placa, un trazo sonoro venido desde otro tiempo, amplio y parecido a una catedral congelada, con esos teclados fúnebres y las percusiones tribales que van delineando una orilla distante y a la vez encantada, la voz de Brandan Perry (ex-Dead Can Dance) que regresa desde un ostracismo prolongado, hace multiplicar el efecto místico y profundo de esta letanía flagelante y placentera.
¿Quién podrá quedar indiferente ante la belleza desafiante de "March Of The Atheists"?, otro eslabón de esta cadena fría y pesada, la lujuria y el deleite se retuercen en medio de una danza medieval, con Peter Ulrich (otro ex-Dead Can Dance) en las percusiones y Johnson tomando las riendas del carruaje con su voz distintiva.
El cortejo no cesa y la electrónica espesa se muestra en "On Edge", tema turbulento de ritmo minimal, que exhibe al colectivo Piano Magic en todo su esplendor, paso firme frente al peldaño divisorio, Cedric Pin en la voz, Franck Alba, Jerome Tcherneyan, Alasdair Steer, Angele David-Guillou y por supuesto siempre Glen Johnson enseñando el naipe, no hay miradas bipolares, esto es nervio duro.
Es innegable el paseo por la estela añosa del sonido 4AD, con The Cure, Death In June y Dead Can Dance como compañeros de alcoba, oscuridad y belleza se concentran en "The Blue Hour", llegando directo al centro de una sensibilidad secreta y abriéndola para un nuevo tiempo, nuevos rostros que buscan atrapar el arte de las sombras, la vestidura negra tampoco está demás.

Sin dudas Piano Magic ha escrito su mejor trabajo, los ángeles caídos han llenado la habitación, ahora ya todo es jardín.


myspace.com/lowbirthweight








MAGIK MARKERS
Balf Quarry
drag city, 2009.

Combo ruidista formado en Hartford, Connecticut, a comienzos de esta década, Elisa Ambrogio en voz y guitarra junto a Pete Nolan en batería, amigos de la autogestión y el sonido de baja fidelidad, han sabido mover la escena, metiendo en la juguera buena dosis de noise deslavado, algo de resaca punk y melodías que logran rozar el pop indie.
Se radican en Brooklyn y son apadrinados por Thurston Moore y su sello Ecstatic Peace!, para su disco "Boss" de 2007, que se anotó como una de las novedades de aquel año. Ahora en su tercera placa pisan firme con Drag City como soporte, entregando un nuevo pozo de tonalidades plomizas, desde un comienzo "Balf Quarry" trae la añoranza de la No Wave neoyorkina de fines de los '70s, ese antro exploratorio que lavó caras y actitudes en busca de un nuevo concepto arty, que escarbaba en el punk y el ruidismo para romper con los bordes de la musicalidad establecida.
Hay que reconocer que Elisa le saca lustre a su voz en temas enfermizos, que de tan raros consiguen poseer belleza y descaro, estructuras desnudas que nadan por una corriente turbia, a veces demencial, sin embargo el disco toma consistencia y se torna terriblemente agradable por momentos, dejando de lado el amparo noise e internándose a través de una tierra extraña, a medio camino entre Throwing Muses y Lydia Lunch con Teenage Jesus And The Jerks.

Ternura de sanatorio.

myspace.com/theemagikmarkers

FUCK BUTTONS
Tarot Sport
ATP recordings, 2009.

El año pasado se presentaron con " Street Horrrsing" y nos mantuvieron a punto del colapso nervioso, con sus honduras y deformaciones sonoras, queda claro ahora que eso sólo era el comienzo de la narcosis.
Las criaturas del noise maquinal han regresado desde Bristol, para desprender un nuevo disco, infinitamente más desencajante que aquel pequeño entremés, "Tarot Sport" es la apertura a un universo desconocido, Andrew Hung y Benjamin John Power dibujan hoy un trayecto tan despiadado, que desde un comienzo se nos presenta como una fuente de sonidos sin concesiones, inusual es encontrar tal grado de distancia con líneas estlísticas ya trazadas.
Junto al músico inglés Andy Weatherall (The Sabres Of Paradise) como productor, dan vida a una placa que juega con la luminosidad y la elevación, electrónica saturada, noise marciano y un resultado que incluso podría ser la primera huella de una nueva frontera perceptiva.
Se alejan y se acercan como unos Seefeel deformados por Gang Gang Dance en "Surf Solar", primer single y corte que abre este reducto prismático, la nave parte con el motor cargado, se trata de techno anfetaminado, viento estelar que va y viene, debe haber otros mundos, otras islas, samples que van consumiendo una estructura plagada de capas sonoras venidas desde la altura, futurismo puro.
A ratos pensamos en unos Tangerine Dream bestiales, que regresan desde un viaje inter-galáctico y es verdad, este disco ensancha el arco sonoro creado anteriormente por Fuck Buttons, ahora sus parcelas ruidistas miran hacia el sol y los cuerpos celestes, desdibujados en una plaqueta mercenaria llamada "Rough Steez", golpeteo metálico, respiración artificial y una constelación de estrellas que se despedazan en el horizonte, somos favorecidos al contemplar el espectáculo.

De seguro escuchar "Tarot Sport" con audífonos y a todo volumén debe tratarse de una experiencia alucinógena, la música como un carro sin control a pasos de la gran colisión, definitivo, disco del año, lo que quieran...

Mentes en Expansión.


myspace.com/fuckbuttons

INCA ORE
Silver Sea Surfer School
acuarela, 2009.

Eva Sealens es la más desquiciada de las hadas malignas que poblan el noise espectral norteamericano.
"una chica cubierta por un extraño velo, retorcida sobre un teclado y murmurando salmos poéticos delante de un micrófono tratado con pedales", como tan bien la grafica Jesus Llorente en el blog de su sello Acuarela .
La música de un tiempo muerto que queda entre los recuerdos y el pensamiento, si alguna vez Inca Ore elevó catedrales de cristal con su manto pagano, ahora se convierte en la diosa de la tempestad, supuestamente "Silver Sea Surfer School" es su disco menos hermético, menos mal, porque se trata trayectos intuitivos y desfigurados que casi siempre terminan en un despeñadero, quiebres de una realidad marchita que no para en copiar con la lucidez del niño que enfreta sus temores más sagrados.
Por momentos nos parece escuchar a Clara Blackmore y su theremín quejumbroso, a Reynols con Miguel Tomasín y su maraña paranormal, la espiritualidad que consigue la música cuando se aleja de los parámetros previamente asignados, esto es una ruta en la bruma, todo el rato masajeando el borde hasta deformarlo a su antojo, con Paavoharju, Fursaxa, Grouper, Axolotl, Pocahaunted y Aghäst como cosmonautas de apoyo.

Encerrado en la escafandra, las larvas se toman mi sangre y vomitan mi futuro...


myspace.com/incaoreincaore

ELEGI
Varde
miasmah, 2009.

Cuando la música se presta para causar daño quedan cicatrices como esta, el músico noruego Tommy Jansen aka Elegi, ya había lanzado los sonidos hasta el fondo del mundo marino en "Sistereis" de 2007, el mar y su espesura de nuevo se apoderan de esta mente creativa, eso sí ahora para mostrar su lado más oscuro, su crueldad.
"Varde" es una creación inspirada en una desventura, en la muerte misma, que dejó la expedición del capitán Robert Scott en 1912, en busca de nuevas rutas a través del peligroso Mar Ártico y que terminó con su embarcación atrapada en medio de los hielos polares y sin ningún sobreviviente, así también en esta obra sonora hay muy poco de aire, solo encontramos ambientes mortuorios que ofrendan su desdicha a los caídos, pocas notas de piano que se extienden por field recordings marinistas, de vez en cuando una gaviota nos recuerda que aún existe vida en esta desolación perpetua, viajamos a través de las cadencias sin encontrar un atisbo de tierra firme, todo pareciera dirigirse hacia las profundidades, como una especie de película corta que se apega a los sonidos como un último respiro antes de hundirse, "Una Sinfonía De Horror" como bien lo describe el músico en su MySpace.
No hay nada más acá, sólo muerte.


myspace.com/elegi

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 22 de octubre, desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on-line.

(Si ya es demasiado tarde, y eres valiente, puedes descargar este programa aquí: esde266
elimínese después de escuchar!)




Recomendados:

Tercer Encuentro de Arte Sonoro Tsonami, entre el 23 y el 31 de octubre en Valparaíso.

Te invitamos a revisar la programación del tercer Encuentro de Arte Sonoro Tsonami que será realizado entre el viernes 23 y el sábado 31 de octubre en la ciudad de Valparaíso, Chile.

Tsonami es un encuentro internacional que reúne improvisadores, artistas sonoros y compositores en una semana de conciertos, instalaciones, charlas, talleres y transmisiones de radio, todo con entrada liberada.

Los dejamos cordialmente invitados a asistir a las actividades, la inauguración será realizada este viernes 23 a las 19:30 hrs en Sala Rubén Darío ( Calle Blanco 1113).

Para mayor información revisa nuestra Web www.tsonami.cl

Anotaciones nimias para esquimales # 2

Anotaciones nimias para esquimales # 2. por julio lamilla.

En esta ocasión nos trasladamos a New York, centro de operaciones – junto con la ciudad de Osaka – del colectivo japanoise Boredoms (1986). Banda con una trayectoria similar a un mapa psicogeográfico y que gracias a una historia plagada seudónimos, remixes y bipolaridades, ha logrado desconcertar a la academia y ser un manjar de melómanos.

Asistimos a la tercera de las presentaciones denominadas “Boadrum Concerts”, las que basadas en la mitología romántica japonesa comenzaron a desarrollarse el 07/07/07 a las 7:07, con una instalación sonora al aire libre bajo el Puente Empire–Fulton en Brooklyn, New York.
Consiste en la formación de un espiral de 77 bateristas (entre ellos miembros de Fushitsusha, Otomo Yoshihide, Gang Gang Dance, Codeine, Cul de Sac, Bardo Pond, Holy Fuck, Lightning Bolt, etc) rodeando el sintetizador e instrumentos de Yamatsuka Eye. Presentación que luego fue editada en 2 cds + 1 dvd por el sello Commons, y que durante esta versión en Terminal 5, era vendido junto a diversos vinilos de la banda.

Esta tercera versión, la 999, fue abierta por Robert A. Lowe aka Lichens, que mezclando su voz a capella con su voz procesada in situ mediante loops, en una clase magistral de economía de medios y vocal drone, nos invitó a introducirnos (mientras enroscaba compulsivamente sus dedos) en una invocación de los territorios más descampados y oscuros de la música, cantos de un intenso mal-dolor.

Llegadas las 9:09 hicieron su aparición 8 de los 9 bateristas convocados para esta ocasión: Zach Hill (Hella) y asiduo colaborador en los directos de Marnie Stern; Butchy Fuego (Pit er Pat); Aaron Moore (Volcano The Bear); Dave Nuss (No Neck Blues Band); Kid Millions (Oneida) y Jeremy Hyman (Ponytail) junto a los eternos extemporáneos Yoshimi P-We (Ufo or die, Saicobaba, Ooioo, Free Kitten, OLAibi, Yoshimi and Yuka) y Yamatsuka Eye (Hanatarash, Ufo or die y colaborador en una demasía de proyectos e improvisaciones con gente como Keiji Haino, John Zorn, Thurston Moore, Jim O'Rourke, etc.)




La presentación comenzó con un Yamatsuka percutiendo y rasgando sutilmente, de forma aleatoria, su guitarra de 7 brazos, hasta que Yoshimi alzó sus baquetas por algunos segundos y las dejo caer fuertemente sobre el tom y la caja, repitiendo esta formula sucesivas veces, comenzando así a dirigir a la orquesta de bateristas hasta transformarse en una sincronía natural. Amalgama de ritmos ritualistas, incrementados por unos veloces redobles, análogos a los del proyecto japonés Kirihito, provenientes de nuestras espaldas por parte del baterista Hisham Bharoocha de la banda Soft Circle, quien a bordo de una plataforma móvil tocó entre el publico hasta llegar al escenario.



Hisman y Yoshimi fueron los más rítmicos de la noche (tocando con sus baterías enfrentadas en un amigable duelo), mientras el resto de los bateristas descargaban brutalidad y técnicas únicas. Yamatsuka por su lado se dedicaba a manejar las intensidades sonoras límites, dirigiendo a los bateristas con sus brazos y golpeando con una vara varios brazos de su guitarra al unísono, mientras la voz de Yoshimi nos hacía reconocer su rol en Free Kitten, aunque la mayoría del tiempo fue la voz de Yamatsuka la que nos envío una mezcla de catarsis y dub en partes iguales. La sesión duró aproximadamente una hora y media, en donde los bateristas, con sus botellas de agua vacías, entregaron su máximo de capacidad física e interpretativa, haciéndonos recordar
que asistir a un concierto de boredoms, aún después de más de 20 años, continúa siendo una de las experiencias sonoras más atrayentes, desequilibrantes y cargadas de vitalidad que existen en este planeta.

9/9/9 Nueva York

El Sueño del Esquimal #265, jueves 15 de octubre.

MORRISSEY
Years Of Refusal
polydor, 2009.

Cada vez que Steven Patrick Morrissey entrega señales creativas, todas las miradas y comentarios se amontonan, es un artista que concentra amores y odios de muchos, él lo sabe, pero sin temor alguno esparce con ironía su desesperanza, ese grito sincero y delator sobre un mundo ultra-manoseado y servil, siempre será así, un eterno y sensible desacomodado, está en su naturaleza y quizás por eso se hace tan necesario.
"Years Of Refusal" es su décimo disco y un nuevo pozo de declaraciones afiladas, eso sí, esta vez más enfocadas hacia su propia vida, recordemos que Morrissey está pronto a cumplir medio siglo, lo que exige un inevitable recuento, de todas maneras la magia se mantiene en sus creaciones, esa fuerza pop que traspasa y que transforma cualquier simple canción en un objeto de deleite, por eso será difícil que sus seguidores o cualquier simple mortal, no caigan entregados ante temas tan rotundos como "Something Is Squeezing My Skull", que abre el disco en forma notable, una bofetada directa, aceleración y encanto como en sus mejores tiempos.
A pesar de ser un bocazas resentido y todo, no deja de mostrar romanticismo, extraño sí, pero romántico a fin de cuentas, como en "I'm Throwing My Arms Around Paris", donde abre su corazón atribulado, "en la ausencia de tu amor y en la carencia de contacto humano, he decidido extender mis brazos alrededor de París, porque solo la piedra y el acero aceptarían mi amor".
Temas intensos y salvajes que muestran a Morrissey con absoluto control sobre su obra y con el peso de la experiencia a su favor, como tan bien lo describe en "That's How People Grow Up":
"... he desperdiciado mi tiempo rezando por amor, por un amor que nunca llega de alguien que ni siquiera existe. Pero así es cómo la gente crece."
Como siempre reluce el gran letrista y el carisma de su voz, le ha ganado al tiempo y a un pasado esplendoroso, que incluye haber sido el líder de una de las bandas más entrañables que ha dado la música británica, The Smiths.

Desde Manchester la luminaria pop que no deja de deslumbrar.

myspace.com/morrissey








LOTUS PLAZA
The Floodlight Collective
kranky, 2009.

Un nuevo satélite que se eleva desde la plataforma creativa de Deerhunter, primero fue Bradford Cox mostrando su costado más personal con Atlas Sound, ahora es el turno de Lockett Pundt (guitarrista de Deerhunter) y su proyecto en solitario, Lotus Plaza.

Hay que saber mirar en la niebla, eso nos pide "The Floodlight Collective", un debut imaginativo de espesura cristalizada, desde donde se desprenden los destellos de una belleza escondida, entre capas de saturación acaramelada y percusiones certeras, vamos encontrando pequeñas gemas dejadas entre el hielo, por ejemplo la ambiental "These Years", podría situarse en un sitio cercano a Panda Bear, una cascada de luz imaginaria que nos abraza y bendice.
Despertamos del encantamiento y caemos en la crudeza estática de "Different Mirrors", totalmente orgánica y lo-fi, con la lánguida voz de Pundt apuntando en la distancia a Felt y Galaxie 500, el paisaje se abre dejando ver los detalles brillantes de la creación prismática.
Temas más corpóreos como "Red Oak Way" y "What Grows?", demuestran el gusto por los espirales sonoros de My Bloody Valentine y The Jesus and Mary Chain, ralentizados y envueltos en un viento blanco constante y denso.

Lotus Plaza, Atlas Sound y Deerhunter, hilos entrecruzados de la misma madeja, visión caleidoscópica de un sonido fino que se expone al temporal, habrá que mantenerse expentante ante la variación climática.

web.

DAVID SYLVIAN
Manafon
samadhisound, 2009.

Su voz es signo de devoción entre las edades, desde mediados de los 70s', el inglés ha sabido cortejar al oyente, la música como expresión artística por excelencia, desde su antigua banda Japan, supo recorrer los caminos que van desde la canción sencilla hasta la búsqueda de horizontes creativos especiales y distanciados.
Cubierto siempre por ese poder, ha viajado a través de los estilos, deleitando con su prosa refinada y su gusto por las ambientaciones cadenciosas e intuitivas.

A partir de su disco "Blemish" de 2003, Sylvian profundizó la mirada y se dejó caer en los terrenos tupidos de la improvisación explorativa, que zurcaron definitivamente sus creaciones, traspazó sus propios bordes, encontrando un terrotorio amplio por donde avanzar en sus inquietudes.
Este mismo pasaje lo ha llevado a esta obra que juega con el silencio y la espesura, "Manafon" es el paso definitivo hacia un universo sensitivo particular, su voz como camino principal, adornada por múltiples ruidos e instrumentaciones, que se mueven sigilosos a través de las pausas y estas nuevas puertas perceptivas, cada trayecto muestra una imágen propia, los sonidos se expanden en forma natural, como cuando el botón de flor se abre al amanecer sin que nos percatemos, solo agradecemos la belleza expuesta.

El disco se ha trazado entre 2004 y 2008, en sesiones grabadas en Viena, Tokyo y Londres con la colaboración de destacados amigos de la improvisación y el diseño de ambientes, Christian Fennesz y su laptop disgregado es una constante, Werner Defeldecker (Radian), Evan Parker, Bukhard Stangl, Keith Rowe, Otomo Yoshihide y un amplio abánico de personalidades que intervienen este prado de contemplación.
Un trabajo que requiere de atención y concentración, la ruta hacia lo sublime es angosta, pero su fruto inimitable.

web.






A través de las islas, Hawái se conecta con el hielo polar.

CAMERA OBSCURA
My Maudlin Career
4AD, 2009

Si bien Camera Obscura han tenido varios y muy buenos singles, lo que ha hecho de su carrera una de las más interesantes y ascendentes de estos años es no solo el hacer buenas canciones, sino que el hacer buenos discos. Y en eso llevan ya más de una década. En un comienzo, para bien o para mal, estuvieron emparentados a otras bandas –ya saben, esa maldita manía de hacer paralelismos con todo: que se parecen a, que suenan como, que son de la misma ciudad que, que el novio de uno de ellos es el vocalista de…–, pero con el tiempo han ido forjando su propio sonido siempre, sobre la base de referentes externos, todos los cuales confluyen en aquellas tres letras mágicas: POP. Ahora, en esa tarea de hacer buenos álbumes, se requieren varias cosas: buen sonido, el orden adecuado, el tiempo justo, etc. Pero, sin duda, lo más importante, lo que no puede faltar, son buenas canciones. Y volvemos al principio. ¿Tiene el quinteto escocés buenas canciones? Y la respuesta no es otra que SI. Las han tenido antes, y por supuesto que las tienen ahora.

Al igual que su anterior trabajo “Let’s Get Out Of This Country” (Elefant, 2006), se han trasladado a Suecia a grabarlo, y de nuevo de la mano de Jari Haapalainen (Ed Harcourt, Peter, Bjorn & John, The Concretes) como productor, y con Björn Yttling de Peter Bjorn & John en los arreglos de cuerda y vientos (más prístinos y claros como nunca). Fue precisamente ese disco el que marcó un punto de inflexión en la banda. Allí se les vio mucho más libres, más sueltos, dejando la timidez a un lado, aunque no muy lejos. Fue recién en ese momento cuando fueron tomados en cuenta y valorados como se merecen, a pesar que muchos siguen (seguimos) teniendo un especial cariño por sus dos primeros discos. Pues esa misma soltura, tan bien resuelta en “Let’s Get Out Of This Country”, también se encuentra en “My Maudlin Career”, la cuarta entrega, ahora ya no por la etiqueta madrileña Elefant sino que por 4AD. Ya desde el título se aprecia un cierto giro, un abandono de las penas pasadas –nada mejor para ello que el humor–. “Estaba trabajando en canciones para el nuevo álbum, y sabía que la gente diría que eran tristes o melancólicas, como a menudo lo son. Pero en cierto sentido fue divertido para mí, como estaba escribiendo estas tristes canciones y tratando de construir una carrera sobre ello. Solo me pareció ridículo que esto es lo que hago, sabes. Tratando de construir una carrera en la miseria es bastante divertido” (Tracyanne Campbell). Sin embargo, lo quiera o no, la tristeza esta presente. La música puede ser más o menos optimista: de la felicidad de “French Navy” y “The Sweetest Thing” a la oscura calma de “Away With Murder”, del pop de hace más de cuatro décadas de “Swans” y “Careless Love” a la tranquilidad de una tarde en Nashville de “Forests And Sands”, de la lánguida “Other Towns And Cities” al (very deep blue eyed ) soul de “Honey In The Sun”. Pero las letras de Tracyanne Campbell, la principal (única) compositora y letrista, no siempre van hacia la felicidad ni ese optimismo. Por el contrario, tienden a ir más hacia el desencanto y mirar el aldo menos alegre de las cosas. “Tiendo a ver lo negativo de las cosas” (Campbell again) –aunque para saber eso solo hay que oír parte de “The Sweetest Thing”: “Me enfoco en lo negativo/ El dolor fue mucho más que un incentivo/ Siempre mi incentivo”. “Pienso que por naturaleza soy una persona bastante melancólica, pero es algo con lo que constantemente he luchado y tratado de combatir. Estoy muy consciente de ello, y hago el esfuerzo por cambiarlo. No quiero ser el tipo de persona que solo se revuelca en la tristeza y la lástima” . No obstante, no se arrepiente de ello, y lo asume como algo natural, algo con lo que necesariamente tiene (tenemos) que lidiar. “Básicamente digo que la vida a veces puede ser absolutamente miserable, y así es como es. Y está todo bien. Está bien con ser infeliz. Es real. Toda esa gente que pretende que es feliz todo el tiempo, no lo entiendo” . Y así, si en “My Maudlin Career” canta “Esta carrera llorona a llegado a su fin/ No quiero estar triste de nuevo” un minuto después, una canción más allá dice “He sido tan miedosa/ Estoy triste de nuevo” (“Forests And Sands”). Unas veces emocionada (“Aún tengo miedo de perderme en una ciudad que debiera explorar/ Pero no tengo miedo de tener un chico elocuente en mi puerta/ Tal vez deberías viajar conmigo, es esta la mejor idea/ Porque nunca has visto un bosque rojo y nunca has esquivado a un venado” en “Swans”), otras resignada (“Sé que tienes buenas intenciones, sé que las tienes/ Pero tarde o temprano vas a partirme en dos/ No compartimos un cumpleaños pero compartimos un signo/ Compartimos algo o estuvo todo en mi mente/ Hubo conversaciones de amor, y cómo las necesite de vuelta/ Podría ser mejor contigo que lo que fui con mi último amor/ Estás en otra ciudad o pueblo/ No significas nada para mí esta noche” en “Other Towns And Cities”), otras tratando de fingir, tratando de esconderse (“Cuando dijiste que las venas en mi mano izquierda tenían la forma de un árbol/ ¿Fue esa la última vez que realmente me miraste?/ Estoy entrenando para ser tan fría como el hielo, estoy determinada a proteger mis sentimientos, para disfrazarlos/ Cuando dije que no te amaba te dije una mentira/ No hay nadie sobre ti aunque trate/ ¿Te reirás en el momento en que pase llamando tu nombre una y otra y otra y otra vez?” en “Honey In The Sun”), otras diciendo aquello que muchas veces no queremos decir (“¿Cuántas veces me dijiste que querías morir?/ ¿Cuántas veces me dijiste que no lo habías intentado?/ Tengo la sensación de que algo está mal/ Puse mis sentimientos en una carta, te los envío cuando me sienta fuerte/ Oh, ha sido difícil ser fuerte, con todo esto que pasa/ Si, ha sido difícil ser fuerte, con todo esto que pasa/ También he estado sola, como tu/ Soy igual que tu/ La gente ha estado viajando mucho para vernos cantar/ Es una noche de febrero y no quiero sentir nada” en “Away With Murder”). Todas esta frases, todos estos reportes –“ni siquiera las llamaría letras. Solo una documentación de lo que me ha estado pasando por un tiempo”– en otros labios podrían sonar falsos, lastimeros, impostados. Pero en este caso no. No en los labios de Campbell. Acá suenan sinceros, cercanos. Duelen cuando tienen que doler, alegran cuando tienen que alegrar. Son las palabras de alguien abriendo su corazón muy cerca de tus oídos, susurrándote su vida. Alguien tan tímido como tú o como yo compartiendo sus secretos, y frente a eso no se puede sino más que sentirse agradecido. No, no se está solo. Ni ella ni nosotros lo estamos.

Una pregunta tonta que tal vez nadie quiera responder: ¿se puede amar a una canción? La respuesta nuevamente es afirmativa. “No hay nada como sentirse emocionado por una canción, sea que te haga sentirte enfermo del estomago o maravillosamente feliz”. Cualquiera con algo de corazón, hasta el más miserable, puede amarlas. En especial las de Camera Obscura, sean las que nos han entregado antes o las de “My Maudlin Career”. Es imposible no rendirse al enorme poder sus canciones. Todas y cada una de ellas. Te toman y no te dejan ir. Por tres minutos estas en ellas, y no puedes contenerlo, no puedes no amarlas. Como canta Tracyanne –sí, ya he llegado a tratarla de tú– en “French Navy”: “I wanted to control it, but love, I couldn’t hold it”.

GENTLEMEN LOSERS
Dustland
City Centre Offices, 2009

Desde algún lugar de un lejano y olvidado pasado surgen las canciones de Gentlemen Losers. De algún lugar hace mucho tiempo no visitado. Ese es el primer pensamiento que se viene a la cabeza luego de oír las canciones de este dúo que vino desde el frío, desde Finlandia más exactamente. Los hermanos Samu y Ville Kuukka son las dos personas refugiadas bajo este nombre. Hace unos años atrás, el 2006, debutaron con un disco homónimo, en Büro, subsello de la berlinesa City Centre Offices. Hoy entregan el segundo, “Dustland”, por el sello madre.

En esta la tierra del polvo, como en el anterior, surgen de inmediato las comparaciones y las relaciones con una música ligada sobre todo a imágenes. Antiguas películas del Hollywood de los cincuenta, viejas cintas gastadas por la humedad. Es inevitable pensar en estas canciones como una banda sonora de algo, en canciones acompañando algo más que el presente. “La palabra cinemático es a menudo usada para describir nuestra música. Supongo que es apropiada, pero es un genero musical que no existe realmente. Sin embargo, debería”. Pues bien, desde esos cuadros en movimiento surgen aquellas preciosas melodías, las que abundan en “Dustland”. Como las que hay en “Honey Bunch”, lo mejor que podrían hacer Explosions In The Sky si resumieran su obra en solo dos minutos y veinticinco segundos. O en “Ballad Of Sparrow Young”, balada para aquellos jóvenes y tiernos habitantes del cielo, donde se mezclan perfectamente guitarra acústica, eléctrica, órgano y una mínima percusión. O “The Echoing Green”, un tema perdido de las grabaciones del extrañado y aún no olvidado “When” (Warp, 2001) de Vincent Gallo. También en la electrónica casera y precaria de “Bonetown Boys”, y en aquellas postales de un bello lugar afuera en el campo de “Midnight In The Garden Trees”, y en las guitarras que se mecen entre las delicadas olas del clavicordio de “Farandole”, y en el trinar de aquella dulce flauta de “Spider Lily”, y en muchas otras más, catorce en total. Todo en “Dustland” remite a otras cosas, pasados, infancias ideales, fotografías familiares, días de lluvia y frío, otoños grises en colores, oscuros inviernos, tristes veranos. Todo tan jodidamente irreal y cierto que conmueve. Sí, este también es un disco helado, para oír al lado de una ventana y mirando al mar, lo necesario para simplemente dejarse llevar y afectar por los recuerdos.

Esta percepción acerca del sonido de Gentlemen Losers, y en especial de “Dustland”, también la comparte Ville, uno de los caballeros perdedores, cuando habla de este segundo trabajo. “Es acerca de memorias de cosas por venir, recuerdos desteñidos del crepúsculo de un lugar en el cual nadie ha estado. Ese lugar se llama Dustland”.

GIUSEPPE IELASI
Aix
12k, 2009

Otro disco mas hecho en otoño, y curiosamente, también por el sello 12k. Este otoño corresponde al del 2008, y el lugar Aix-En-Provence. El músico: Giuseppe Ielasi, un italiano nacido en 1974 que comenzó a fines de los 80 enfocado en la guitarra, principalmente sobre la base de improvisaciones, y colaborando con gente como Renato Rinaldi, Thomas Ankersmit, Michel Doneda, Ingar Zach, Dean Roberts y presentándose con, entre otros, Taku Sugimoto, Nikos Veliotis, Phill Niblock y Oren Ambarchi. Desde el año 1997 inicia su producción discográfica, la que ya lleva casi 20 discos hasta hoy, pasando por sellos como Sonoris, Erstwhile, Sedimental, Absurd, Kning Disk y Häpna.

“Aix”, su último trabajo hasta hoy es ya el segundo para 12k, luego de “August” (2007). “Aix”, a diferencia de pasados trabajos, utiliza mucha clase de sonidos, pero mezclados coherentemente unos con otros, y es eso precisamente lo que lo hace un disco muy interesante y atractivo: la no repetición de patrones y la búsqueda constante. Por citar solo un ejemplo, esta su disco “Untitled” (Häpna, 2006), un precioso trabajo centrado básicamente en la guitarra. En este, en cambio, hay objetos de percusión, baterías, piano, guitarra, y teclados, pero lo que finalmente se oye es una trabajo de electrónica sobre la base de diversos samples creados y ensamblados por el músico italiano –en esto hay parecidos con varios de los trabajos que ha publicado el sello sueco Komplott, y los hay en esa manera particular de usar y mezclar la electrónica con lo acústico–. En este trabajo importan tanto las cosas como la unión de ellas. En lo segundo radica la habilidad de Ielasi, un perfecto artesano en el estudio, pegando los sonidos con cuidado, no demasiados a la vez, sino solo los necesarios, y con solo el tiempo justo, ni más ni menos –las piezas, nueve en total y todas ellas sin título, por lo general no sobrepasan los cuatro minutos, y el disco, apenas media hora–, cual relojero suizo. En lo relativo a los “objetos sonoros”, delicados la mayoría de ellos, se ubican dentro de estos espacios de una manera también sutil. En cierto modo, y al igual que una obra teatral, mas que emitir frecuencias sonoras, actúan y juegan sus roles dentro de estos pequeños microcuadros, y lo hacen en el sentido que cada uno hace su parte, le responde a otro, reaccionan e interactúan entre sí, y eso se puede ver en temas como el track 5 y, sobre todo, el track 8 (percusión, trompetas, pianos, arpas, todos moviéndose de un lado al otro del escenario). Realmente no sé si exista el concepto de sonidos-actores, pero si oyen este “Aix” con cierto cuidado, podrán ver a que me refiero, y creo que es una buena forma de percibir este disco.

Escucha El Sueño del Esquimal, hoy jueves 15 de octubre desde las 21 hrs, por Radio Placeres, 87.7 fm y on line.

(Si ya es demasiado tarde, y eres valiente, puedes descargar este programa aquí: esde265
elimínese después de escuchar!)



Este fin de semana:



También:

Domingo 18 de octubre en el "Ritual", Almirante Montt 48 Valpo 19:00 hrs.
Gratis

Fatiga de Material
Oseas Martinez



además:


FIESTAPORTA DANZALBORDE 2009
Esperamos la danza… bailando!

Este sábado 17 te esperamos en el Teatro Mauri en la fiesta de pre- apertura del 8° Festival Danzalborde, que va del 24 al 31 de octubre. La invitación es a disfrutar, bailar y celebrar una nueva versión del festival, que este año trae a 6 compañías internacionales desde Suiza, España, Francia, Perú, Argentina y México. Son más de 40 bailarines que se presentarán con obras de sala e intervenciones urbanas, además de videodanza, talleres y mesas redondas. La FIESTAPORTA DANZALBORDE 2009 también es un llamado a colaborar. Necesitamos tu aporte para mantener este espacio dedicado a la danza, que ya lleva más de 100 funciones gratuitas en la cuidad. Queremos continuar con el festival de danza más grande del país, tú puedes sumarte haciendo un aporte en la cuenta de ahorro del Centro Cultural Escenalborde del Banco Estado, n° 239 628 309 27. Mándanos un mail con la colilla de depósito y tu nombre será publicado en la Lista de Colaboradores 2009 y en la rendición pública de los aportes y gastos asociados del Festival. Música + Proyecciones de Danza / 23:00 horas / Adhesión: $2.000



y tampoco se vayan a perder:

Para conmemorar la primavera y sus bellas consecuencias, el colectivo "I Love Vintage" desarrollará su tercera intervención ferial en Bonita Indie Bar, ubicado en 7 Norte 427 (entre 2 y 3 Poniente), Viña del Mar, este Sábado 17 de Octubre desde las 15.00 hasta las 0.00 hrs.

Los proyectos que integran este colectivo se dedican a la búsqueda de prendas de vestuario, complementos y objetos usados para reutilizarlos, con el fin de prolongar su ciclo de vida útil y al diseño de piezas nuevas, inspiradas en las formas de antaño; su hacer se basa en un interés por la Historia del diseño y lo sustentable. Estos son: Bazar Chirola, Una Chiquilla, Rocket Closet, Cejona y Re_cuerda.

Para exponer sus hallazgos y realizaciones desarrollan Ferias itinerantes en el Gran Valparaíso, que comprenden además la proyección de imágenes o películas y música de la época.

Las imágenes que dicen lo que será esta experiencia, se encuentran aquí:

http://www.flickr.com/i_love_vintage

Do you love vintage?

Piano Magic presenta video adelanto de su nuevo disco.

La banda británica Piano Magic presenta el video del single "On Edge", adelanto de su nueva placa "Ovations", que se publicará hoy 12 de octubre por el sello Make Mine Music.

Glen Jonhson como siempre a la cabeza de esta genial agrupación, que al parecer en esta nueva producción retornan hacia los parajes más siniestros de sus comienzos, con nada menos que Brendan Perry de los desaparecidos y oscuros Dead Can Dance, poniendo su voz en un par de temas y Peter Ulrich ex-percusionista de Dead Can Dance, colaborando en tambores.

Por ahora disfrutemos de este potente adelanto, hasta presentar "Ovations" en pleno y como Dios manda.

El Sueño del Esquimal #264, jueves 8 de octubre.

Día y noche, corazón y alma, se inicia el fuego cruzado en El Sueño del Equimal.

NADJA
When I See The Sun Always Shines On TV
the end records, 2009.

Nadja es una de las agrupaciones más prolíficas y potentes en la actualidad, imaginen que sólo este año han publicado ocho trabajos, entre Lp's, Ep's y splits.
Formados en la alborada de esta década por Aidan Baker y Leah Buckareff, se conocieron cuando ambos trabajaban en una librería, entre lecturas y gustos musicales afines, han esculpido una obra oscura, angustiante y explorativa, "ambient doom" le han llamado algunos, el punto exacto donde el doom metal colisiona con el shoegaze.
Luego de transitar todos estos años por los caminos incómodos e insanos del noise de ultratumba y colaborar con bandas que comparten el amor por las profundidades sonoras, como Atavist, Satori, Moss y Black Boned Angel.
Ahora dejan entrever algo de sus influencias, en "When I See The Sun Always Shines On Tv", disco de covers de sus bandas predilectas, no deja de llamar la atención el ramillete, Slayer, The Cure, Codeine, Swans y nada menos que A-Ha, entre otros.
Los canadienses parten con una salvaje versión de "Only Shallow" de My Bloody Valentine, perfecta, con las voces de Aidan y Leah internándose por un ramaje espeso, trayectos ultra saturados y la delicadeza resguardada en el centro de una niebla en expansión.
Luego arremeten con "Pea" de Codeine, uno de los puntos más estremecedores del álbum, transcriben muy bien esa mezcla de dolor y furia que caracterizaba a Codeine, la lentitud de las percusiones acompañan a la devastación que entregan drones y efectos, expuestos esta vez de una manera más atmósferica y expansiva, pero de todas maneras letal, con un Aidan Baker muy sentido en las vocalizaciones.
Después aparecen temas de Slayer y Swans que muestran ese lado más oscuro y metalero que siempre ha existido en Nadja, en este punto hacemos notar, que a pesar de ser un disco de versiones, cuenta con un caracter muy perticular, lo han llevado todo a ese terreno mutilado, a ese espacio estático donde se retuercen el ruido flagelante con la negrura más viciosa.
Mención aparte para "The Sun Always Shines On Tv" de A-Ha, totalmente descompuesta con las guitarras a mil y una voz que se pudre entre la maleza, el bajo de Leah marca la huella, cada vez más abajo, cada vez más adentro, la lluvia sónica cae sin piedad, empapados observamos las marejadas y la tempestad cubriéndolo todo.
Un disco placentero de comienzo a fin.

Para el final dejamos la leyenda que Nadja ha dejado en el interior de la portada:

“Consideren este disco una exploración de las raíces de Nadja: todo el mundo nos compara con My Bloody Valentine así que teníamos que hacer un cover; Codeine y Swans fueron ambas bandas que exploraron la pesadez del metal sin ser bandas de metal.
The Cure tenía esa hermosa y amarga melancolía; la canción de Elliott Smith, “Needle in the Hay” es simultáneamente tan simple y devastadora; nadie nos creyó cuando dijimos que haríamos un cover de una canción de la película “The Kids in the Hall”, un gancho de nuestro set en vivo, así que teníamos que grabarla; ¿Cómo podíamos resistir la oportunidad de hacer un cover de la canción más pesada (pero que ganchera) de A-Ha? Y Slayer es simplemente Slayer.”

myspace.com/nadjaluv







A SUNNY DAY IN GLASGOW
Ashes Grammar
mis ojos discos, 2009.

Al fin tenemos con nosotros el esperado regreso de los hermanos Daniels; Ben, Lauren y Robin desde Filadelfia, desplegando el estallido celeste nuevamente, como no recordar el delicado trazo de su debut, "Scribble Mural Comic Journal" de 2007, pop lumínico y aéreo que nos aturdió con su belleza.
Ahora convertidos en quinteto, con la incorporación de Annie Fredrickson y Josh Meakim, continúan adentrándose por parajes etéreos y campos de espirales, utilizando elementos electrónicos, guitarras shoegaze y voces melosas, dan vida a su segundo álbum, "Ashes Grammar", burbuja cósmica que nos absorve y nos transporta hacia un mundo abstracto de apariencia polar.
El disco mismo parece un mapa con un millar de estaciones en subida, canciones diminutas de menos de un minuto que van enseñando el camino hacia estructuras más concretas, nunca dejan de ser bellas las creaciones y hasta los experimentos vocales y sonoros saben a miel.
22 tracks en total y continuados, lo que hace recordar esos discos de This Mortal Coil, que conducían por una vertiente paranormal sin pausas, también por momentos las canciones de A Sunny Day In Glasgow se acercan en apariencia a las de Lush y School Of Seven Bells.
Por ejemplo "Close Chorus" es un tema donde se concentra toda esa fascinación pop, pareciera venir de los 90s', se abre como la luz que regresa tras la tormenta, muy bien ajustada a una base entrecortada y guitarras submarinas, las ondinas y su canto completanto el encantamiento.
Un álbum hipnótico del que va a ser muy difícil despegarse, han viajado aún más lejos en su trineo, directo hasta la aurora boreal.

Madrugada congelada.

myspace.com/sunnydayinglasgow







THE SHADOW RING
Life Review (1993-2003)
kye, 2009.

The Shadow Ring fue una banda de Kent, al sur de Inglaterra, que funcionó entre los años 1993 y 2003, fundada por los músicos Graham Lambkin y Darren Harris, alcanzaron a editar ocho discos, lamentablemente por su raiz experimental e intuitiva, se matuvieron siempre tras el telón del reconocimiento y la masividad, a seis años de su disolución se publica este disco doble, que descubre en algo el legado minimal y aventurero de esta desconocida agrupación.
Sorprende un poco el sonido marcial y claustrofóbico de las creaciones de The Shadow Ring, no se acercan a ningún estilo reconocible en los 90s', su música pareciera venir de un tiempo no conocido u olvidado, guitarras repetitivas y desencajadas, que irritarían a más de algún músico de escuela, aquí son interpretadas en forma intuitiva por Graham Lambkin, quién también aporta un spoken word desganado y opaco, las percusiones son minimales, poco constantes y estan a cargo de Darren Harris, quién también contribuye con teclados y parloteos distantes, una especie de conversación o debate que va transcurriendo en medio de las canciones lúgubres, también hay ruidos extraños, golpes y cintas que ayudan a crear un ambiente por momentos sofocante y casi terminal.
Si hubiese que situarlos en alguna escena, podría ser con el post-punk explorativo y oscuro de agrupaciones como This Heat y los comienzos de The Fall o con la no-wave de DNA o Mars.
Por ahí aparece el corte "City Lights", que da nombre a su primera placa de 1993 y que este 2009 ha sido versionado por los tenebrosos Blessure Grave, banda muy bien considerada por este programa y que se confiesan seguidores de The Shadow Ring.
Con el pasar del tiempo, se incorporaría un tercer elemento a la banda, el no-músico, Tim Goss en teclados y voces, quedan convertidos en trío y prosiguen su liturgia sonora, editan discos desde 1994 a través del sello Siltbreeze, plataforma noise norteamericana que los acoge y desde donde muestran sus experimentos más mutantes, sierras cortando cuerdas, flautas malditas y siempre esa forma de cantar de Lambkin, magullando letras extrañas, que hablan de obseciones y temores enfermos, todo esto grabado en forma improvisada, mínima.
Este compilado trae algunas tomas en vivo, como "Stella Drive", donde notamos la experiencia narcótica que debieron ser sus actuaciones, todo muy distanciado y con el predicador satánico haciendo de las suyas, mientras los dos sacristanes entregan la ofrenda atonal.

Estamos frente a una banda diferente, adelantada o quizás demasiado personal, es realmente extraño que se hayan mantenido en un cuarto sellado hasta ahora, quizás a partir de este trabajo las cosas tomen el lugar que corresponde, The Shadow Ring, una gran revelación venida desde las sombras.

myspace.com/theshadowring







JULIANNA BARWICK
Florine Ep
emusic selects, 2009.

La hechizera de Brooklyn ha regresado con su magia cristalizada. Si "Sanguine" (2007) fue la puerta hacia los sueños arcanos creados por una mujer, su voz y su piano intervenido, su continuación es aún más intensa, expande el arco y nos hace flotar en el espacio nuboso.
"Florine" es un disco corto, sólo seis temas, menos pedales y más cadencias, la voz de Barwick reluce y acaricia entre atmósferas alucinógenas, somos conducidos por un galeria que nos lleva lentamente hacia la luz, lo que Furxasa y Grouper tan bien hacen en las tinieblas, Julianna lo transforma en un manto blanco, en un canto de hadas.

Música onírica. Imaginen el llanto de un alma extraviada entre dos limbos, dimensiones que se cruzan en forma fortuita, naturaleza pura.

myspace.com/juliannabarwick







AT SWIM TWO BIRDS
Before You Left
vespertine & son, 2009.

Desde Manchester, siempre encontraremos a Roger Quigley en medio de rastros embellecidos y lastimeros, el cantante del abandono, el escultor de canciones de derrota y desamor.
Ex miembro de The Montgolfier Brothers, junto a Mark Tranmer (Gnac), hace algunos años viene mostrando su poesía herida bajo el nombre de At Swim Two Birds (tomado de la novela de 1939 de Flann O'Brian), un espacio personal donde derrama ese torrente autoflagelante que lo caracteriza, como una manera de sacar toda esa idea menoscabada de la vida y las relaciones.
Cada vez más desnudo musicalmente y ahora en su tercer disco, "Before You Left", más solitario que nunca, no se ve la presencia de su antiguo colaborador, Otto Smart (The Otto Show) por ningún lado, es sólo Quigley, su guitarra y una que otra percusión.
Sin embargo las canciones son preciosas, su voz se convierte en la voz del tiempo, añosa y desesperanzada, adornada muchas veces por field recordings, que crean el telón preciso para que el actor desate el drama a su antojo, las relaciones que finalizan, la bebida y los recuerdos son siempre a los lugares que regresa en sus letras, no parece haberlo pasado muy bien o quizás se trate de un tipo muy sensible, lo cierto es que logra traspasar esa nostalgia entre melodías mímimas y cansadas, aún así la belleza prevalece como en toda su obra, es innegable el gusto fino que Quigley siempre saca a relucir, sus discos requieren de varias vueltas hasta que logras entrar en sintonía, después se convierten en refugio para perdedores y corazones receptivos.
El tema más 'alegre' del disco es "Let Her Go", con teclados y bateria formal, su voz es estupenda en este trazo, canciones post-relaciones y manchas de vino, como él suele definirlas.
"Antes que partieras, me dije a mí mismo, esto es algo bueno.... el tiempo y espacio, para reencontrarme. Los días y noches serán solo míos... y días y noches para contemplar nuestro tiempo juntos. y mientras lleno un vaso vacío una vez más... me digo a mí mismo, esto es algo bueno." (Before you left)

Sonidos desde la alcoba solitaria, Roger Quigley ha retornado una vez más a la escena del crimen y sin una pizca de remordimiento.
Realmente notable.

myspace.com/atswimtwobirds




Transmitiendo hoy jueves 8 de octubre, desde las 21 hrs. a través de Radio Placeres, 87.7 fm y la señal on-line.

Recomendamos para este fin de semana:

vayan preparándose para este sábado:
(estamos sorteando invitaciones, escriban a delesquimal@gmail.com y daremos los resultados el jueves finalizando el programa, por este mismo medio)



también este fin de semana:

jueves 24 de septiembre, El Sueño del Esquimal #263.

MISS KITTIN & THE HACKER
Two
nobody's bizzness, 2009.

Los franceses Caroline Hervé (a.k.a. Miss Kittin) y Michael Amato (a.k.a. The Hacker) se conocieron a comienzos de los 90s' en una rave en su natal Grenoble, eran tiempos movidos, se había producido una apertura hacia la música techno, estilos como el electro y el house hacen sacudir cuerpos y mentes en una danza ultra-intensa que ya no parará, Miss Kittin & The Hacker estaban ahí para absorver todo esto y vomitarlo a su manera, recordar que aparte de este proyecto conjunto, ambos llevan carreras por separado muy destacadas y han sido djs' remezcladores, productores y músicos, sin duda se han convertido en un referente importante dentro de la música electrónica actual.
En 2001 editaron el sencillo " Frank Sinatra", que se convirtió en todo un 'suceso dance', el advenimiento del electroclash se concreta ese mismo año con la publicacion de "The First Album", este trabajo les da reconocimiento mundial, comienzan las giras, la fiesta interminable y las remezclas para algunos artistas de renombre como Laurent Garnier, Mark Almond, Air, Tocotronic y Nitzer Ebb.
Luego de varios años en el congelador, el proyecto se reactiva con la edición de "Two" a fines de marzo de 2009, un disco que los muestra aún intuitivos, sugerentes y muy creativos entre sus ritmos marcados y esa rara coraza de techno minimal mutado por electro-punk turbador.
La primera parte del álbum es notable, partiendo por "The Womb" y sus secuencias robóticas iniciales, muy a lo Kraftwerk, para luego apoderarse inmediatamente de la pista con ritmos quebrados y la voz de Miss Kittin que juega con el desgano y la seducción en este corte.
"1000 Dreams" es techno-pop de vieja escuela, con ese sintetizador oscuro y minimal que hace recordar a Camouflage y Depeche Mode, un tema de bellas melodías y muy dance, Miss Kittin esta vez nos lleva de regreso a los 80' con su voz, a esta altura del disco, la atmósfera del lugar se enrarece y entramos en una extraña conducta desenfrenada, la música haciendo su parte en la noche viciosa. Esto es electroclash y en todo su esplendor señores.
La placa se aleja del concepto 'radial' de su antecesor, para entrar en una carretera nocturna desafiante y peligrosa, esto se refleja en cortes como "PPPO" e "Indulgence", temas densos y asfixiantes en los que rozan el sonido industrial, lo cual se agradece.
Hasta se han atrevido en incluir una version para "Suspicius Minds" del gran Elvis Presley, por todo esto "Two" se convierte en un artefacto sugerente y placentero, un nuevo brebaje de techno-pop para los antros.

myspace.com/mkthmusic







PORT-ROYAL
Dying In Time
n5MD, 2009.

Desde Génova, Italia, la agrupacion Port-Royal siempre nos invita a pasear por espacios sonoros distintivos, desde su disco debut, "Flares" (2005), que nos hizo pensar nuevamente en space-rock y viajes celestes, luego en "Afraid To Dance" (2007) entregaron un delicado tesoro de claridad y belleza melódica, primeros lazos con sonidos electrónicos refinados, estos dos trabajos fueron editados bajo etiqueta Resonant, la primera familia.
Para esta tercera expedición, Port-Royal se introduce en el manto arcano del sello n5MD, cuna de agrupaciones nubosas como Bitcrush, Lights Out Asia, Arc Lab y SubtractiveLAD.
"Dying In Time" es una pieza de colección, un tratado de sonoridades profundas y expansivas, se siente la experimentación desde el primer momento, hay una búsqueda de espacios vastos e intensos, ondas de ruido que se desplazan como una tormenta sigilosa, desde la oscuridad más cerrada viajan hasta una luminosidad que aparece bendecida, también se dejan sentir los ritmos programados y algo bailables, todo el entramado realmente seduce y es imposible no seguir el resplandor, por eso se recomienda escuchar el disco en forma continua.
Port-Royal son Attilio Bruzzone en guitarra y voz, Emilio Pozzolini en sampler y programaciones y Ettore Di Roberto en piano, sintetizador, programaciones y voces, para este trabajo han contado con la participación especial de la japonesa Izumi Suzuki aka Linda Bjalla en vocalizaciones etéreas, las que encajan perfectas en esta bóveda celeste.
Muchas canciones para destacar en "Dying In Time", desde la que abre el camino, "Hva (failed revolutions)" una especie de agujero negro o tormeta eléctrica, que lentamente se va alejando hasta terminar en un ambiente onírico con dulces ninfas exhibiendo su magia, los trayectos son caóticos y variopintos, se sumergen y se elevan en sólo un momento, como en "Nights In Kiev", que parte con un pulso dominante, para luego decaer en un campo de texturas electrónicas diminutas, cuando estamos a punto de refugiarnos en este jardín, retorna el ritmo industrioso para ya no parar más.
Otro corte encantador es "Anna Ustinova", algo más shoegaze con Linda Bjalla en los cantos, se hace presente ese lado nostálgico que tiene Port-Royal, la inspiración y los recuerdos de países de Europa del Este, fotografías en sepia de ciudades como Varsovia y Praga, el frío y la historia de esas sociedades comunistas, que se quedaron atrapadas entre el tiempo y los sueños de libertad.
También hay un tema dedicado a la generación que va perdiendo el pelo, o sea esta generación en "Balding Generation (losing hair as we lose hope)", llamativo nombre para el primer single de este emocionante disco.

Cosmonautas del pasado dibujando nuevamente los cielos.

myspace.com/uptheroyals

ALISU
Indómita
modismo, 2009.

TONOSSEPIA
Happy Habibi
modismo, 2009.

Desde el natlabel nacional Modismo, dos estimulates muestras de 'actividad paranormal', exploradores de resonancias maquinales.


Valparaíso como telón de fondo, Jessica Campos aka Alisu es uno de los nombres destacados de la escena electrónica chilena, en el año 2000 formó el proyecto Manziping junto a Rolancho (Pueblo Nuevo), con quién graba un disco y un Ep.
Y cómo no recordar hace algunos meses atrás, cuando Alisu abrió para Alva Noto y Byetone en la Sala Ruben Darío del Centro de Extensión de la Universidad de Valparaíso, desplegando sus estructuras digitales con delicadeza y personalidad.
Siempre en la búsqueda de ambientes especiales, ahora expone en "Indómita", construcciones de cristal soportadas por luz y gala que abren la ventana hacia un mundo minimal y robótico escondido en el patio interior, en el primer corte "Voy Por Tí" nos sorprende la aparición de su voz, tras la rítmica sedante y los sonidos porteños. "Mareas" es un tema más abstracto, pero a pesar de eso, no pierde nunca ese interesante juego de texturas y ruidillos que hacen habitable este manantial helado.
Pero es en "La Primera Robotsicóloga" donde encontramos el centro vital de la música de Alisu, el arrebato y la inteligencia artificial unidos para desentrañar los reflejos lumínicos de un mundo paralelo. Encanto glacial.


Diego Vergara aka Tonossepia, también conocido como Prospegto Arkano, MC, DJ y productor musical de Colectivo Etéreo, personaje de brazos múltiples, que deja al desnudo como Tonossepia su costado electrónico más lúdico y orgánico, escuchar "Happy Habibi" es como adentrarse en una especie de cuento sonoro, con todos esos crujidos y ecos reluciendo y apareciendo pordoquier, somos inducidos por un bosque de ensueño, a ratos se vienen a la mente Prefuse 73 y la corte de Morr Music, pero acá hay indentidad y gusto particular, tiramos las etiquetas y nos concentramos en las canciones, en esos nombres imaginativos, "Mi Lado De la Cama", "Ghibli" haciendo referencia a los estudios filmográficos japoneses, "Parlante Al Curry" es folktrónica poseída por bases hip-hop y la genial "Perritos De La Selva Otra Cosa Es Con Guitarra", un racimo de luz bucólico y de ritmos quebrados que estremece por su fragilidad casi infantil.
"Happy Habibi", creatividad en las costuras y diseños cálidos que envuelven.

Se hace presente también el Señor Patricio Badaracco, reapareciendo desde Hawái.

WILLIAM BASINSKI
92982
2062, 2009

Al fin nuevo material del músico del silencio emerge a la luz. Aunque aquello de ‘nuevo material’ no es exactamente tan así. Se trata de registros extraídos de sus archivos, guardados hace casi veintisiete años, que recién este 2009 se atreve a exponer. A muchos les parecerá extraño, sin embargo, esto es algo que acostumbra a hacer. Como ejemplo están sus discos “The River” (raster-noton, 2002), con material del año 1983, o “Variations: A Movement In Chrome Primitive” (Die Stadt–Durtro, 2004), del período 1980–82.

“92982” nos retrotrae a, precisamente, el 9 de septiembre de 1982, “una fructífera mañana en el estudio”, en el 951 de la calle Jay. Basinski se encuentra experimentando con sus cintas, creando sus bellas melodías que se toman el espacio, “las ventanas están abiertas… El sonido se esparce a través de todo el centro de Brooklyn, mezclándose con los helicópteros, sirenas, humo de marihuana e incendios…”. Ahora, mayo de 2009, las mismas piezas se mezclan nuevamente. Puede ser con los ruidos de una ciudad, o del campo, o tu habitación, o simplemente el eterno ruido interior. Sea como fuere, y como dije antes, los sonidos se toman el espacio. Tal vez sea como dice él, que se confunden con lo otro. Yo mas bien creo que absorben casi todo lo que esta a su alrededor, acallan lo que estorba, o visto de otro modo, se aíslan, y aíslan al resto, consiguiendo que uno, el oyente, se enfoque solo en sus sonidos. Es extraño el efecto que la música de Basinski produce. No es solo ‘otro disco mas de ambient’. Realmente es envolvente. Tiene una materialidad que excede las simples frecuencias sonoras. Ya antes me he referido a la fisicidad de sus piezas. En cuanto a estas, las de este disco, no se distancian demasiado –más bien nada– del resto de su obra, lo que no equivale a decir falta de creatividad, sino simplemente buscar, encontrar y tener un sonido propio. Solo son cuatro tracks (de siete a veintidós minutos), y los hay unos cercanos a “The River”, como en “92982.2”, donde si se oyen, muy a lo lejos, esa mezcla real con las sirenas y helicópteros sobre Nueva York, como al piano inmóvil de “Melancholia” (2062, 2003), caso de “92982.4” –más cintas y pianos en desintegración en el inquietante “Variations For Tape And Piano” (2062, 2006)–. De hecho este track, pero en una versión mas corta, ya había sido incluido en “Variations: A Movement In Chrome Primitive”. “Esa noche en el estudio se engendró una dirección que seguiría por un tiempo. Tanto como amo este documento de esa noche, pienso que a ustedes les gustaría poner en contexto lo que vendría después”. Pues este disco, como todos los otros, forman parte de una gran visión. Es más, alguien, algún día, debiese hacer el experimento de programar todo lo publicado por Basinski, sin cortes, uno tras de otro. Les aseguro que en el resultado final no habría grietas, no podrían encontrarlas. Todo parece formar parte de un plan, un gran plan de este músico que explora el silencio, o si quieren, el silencio de un músico nadando entre sonidos acallados.






TAYLOR DEUPREE
Weather And Worn
12K, 2009

La belleza de las cosas pequeñas. “Weather And Worn” es el primer 7” que aparece en el sello norteamericano 12k, el primero de una serie de futuras publicaciones en este formato, a cargo de, y no podía ser de otra manera, su dueño: Taylor Deupree.

La idea de editar material en vinilo rondaba por la cabeza de Deupree hace ya un tiempo, y era mas o menos conocida, pero solo este año se pudo concretar. Y la manera en que surgieron fue de un modo particular, por las coincidencias que se produjeron. Como el mismo relata, “en un particularmente frío y lluvioso día de invierno, cansado y un poco abatido, me senté en mi estudio, rodeado con una pila de instrumentos pequeños, mi guitarra acústica y mi pedal de loops. Pixel, uno de mis gatos, estaba durmiendo al lado mío mientras comencé a crear un cálido colchón de drones y pequeños ruidos en un intento de calentar la habitación y mis espíritus”. Ese mismo día estaba finalizando en los detalles que harían posible la publicación de vinilos, día en que compuso lo que serían las dos caras de ese primer 7”. “Solo eche una mirada al clima fuera de la ventana y luego a una vieja pieza de vinilo aún puesta en el tornamesa desde el otoño para saber inmediatamente el título y el sentimiento de estas piezas”.

Guitarra acústica, claves, e-bow, efectos, armónica, kalimba, tambor, triángulo: pequeños objetos. “Weather”, “Worn”: pequeñas canciones. Como ya nos tiene acostumbrado, Deupree nos entrega mas canciones, en este caso dos, donde lo ínfimo, lo minúsculo, cobra un gran valor. Los detalles son el centro de este, su nuevo trabajo, más enfocado en lo orgánico. Esto marca “las primeras grabaciones que he hecho enteramente con instrumentos acústicos y un mínimo de tratamiento”. Así, y a partir de un drone, se desarrollan estas canciones, extendiéndose a partir de una misma nota, e impregnadas de un aroma natural, cálido y acogedor. Son pequeños hogares, refugios frente a la crudeza del frío. Tanto la cara A (“Weather”) como la B (“Worn”) tienen una duración de apenas cuatro minutos. Ocho minutos en total para lograr lo que siempre ha buscado: mover, emocionar, producir sensaciones. En esta ocasión, abrigar con el calor del invierno, humedecer con gotas imaginarias las ventanas que separan una habitación de su entorno natural. En caso que eso no sea suficiente, la versión digital incluye “Worn (Stil. Mix)”, inspirada en su álbum “Stil.” (12k, 2002), donde creó un loop a partir de una porción del tema y traspasó la velocidad y el pitch a 33 rpm, y lo extendió por 23 minutos. Aunque esa duración es “arbitraria… realmente podría durar por horas”. A la espera de un nuevo disco largo en solitario y en estudio –“Northern” (12k) es de hace ya tres años–, este single calma algo las ansias de oír nuevo material. “Weather And Worn”, o el triunfo de las cosas pequeñas.






JANA WINDEREN
Heated: Live In Japan
Touch, 2009

Desde aproximadamente 1993, la artista noruega Jana Winderen se ha desarrollado tanto creando como produciendo y curando trabajos artísticos, exhibiciones e instalaciones, pero no es hasta recién mediados de esta década que comienza a publicar sus sonoros, siendo el primero completamente a su nombre el 7” “Surface Runoff” (Autofact, 2008).

“Heated: Live In Japan” es el registro de una presentación en vivo, en el Super Deluxe (Tokio, Japón), presentación realizada el 28 de octubre del pasado año, y en la que empleó e improvisó sobre material grabado con micrófonos e hidrófonos en lugares como Groenlandia, Islandia y Noruega. Al norte del norte.
Lo que más claramente se puede oír a lo largo de los veintisiete minutos que dura es el agua, su desplazamiento, sea entre superficies más sólidas, o entre ella misma. Son estos sonidos naturales, así como otros, los que cubren todo el disco. De ahí su carácter acuoso y un tanto inaprensible (“Part 4”), aunque en ocasiones tiene cierto efecto ahogador (“Part 3”).

La propuesta de esta artista –o documentalista– es mostrar lo que no vemos, lo que no oímos. Hacer visible aquellos muchos otros mundos que por diversas razones no conocemos, pero que, gracias a la tecnología actual –algún buen uso tenía que tener tanto avance– podemos presenciar, en este caso su propia música. “He estado ocupada con encontrar sonidos de fuentes no vistas de sonido, como grabaciones de campos blancos. Durante los últimos dos años he estado coleccionando grabaciones hechas por hidrofonos, de ríos, riveras, playas y el océano, y más recientemente también de glaciares en Groenlandia, Islandia y Noruega. En las profundidades del océano hay invisibles pero audibles paisajes sonoros, acerca de los cuales somos muy ignorantes, aún cuando el océano cubre el 70% del planeta”. Sí, somos ignorantes, de esto y de mucho más, pero siempre habrá alguien que nos abra los ojos, en este caso los oídos –para imágenes esta “A Scene At The Sea” (Takeshi Kitano, 1991) o, un tanto más new age, “Le Grand Bleu” (Luc Besson, 1988)-. En esta ocasión se trata de Jana Winderen, quien nos traslada a los vastos terrenos del mar, y a la inmensa calma de sus movimientos ondeantes. Como decía el fotógrafo Hiroshi Sugimoto, a propósito de sus ‘Seascapes’, “cada vez que veo el mar, percibo una tranquilizante sensación de seguridad, como si visitara mi hogar ancestral”.