El Sueño del Esquimal # 219, jueves 28 de agosto.

Desde la lluvia y el tiempo frío se desprenden las últimas caricias de un invierno que se despide tras nubes bajas y aires de renovación.

Un nuevo paraje, otra aventura.



TWINE
Violets
ghostly international, 2008.

Habitación cerrada, espacio amurallado, una melodía que se retuerce entre los escombros, un vestigio de vida.
Estamos frente a una de esas obras musicales que calan hondo y que hasta cierto punto se convierten en una experiencia sensitiva, entre el sosiego y una ruptura constante.
El dúo de Baltimore formado por Greg Malcolm y Chad Mossholder para este su quinto disco "Violets" escarba en una electrónica desacomodada que intenta perfilar rutas paralelas hacia la abstracción y los espacios interiores.
Abren con la tormenta sigilosa de "small", los sonidos del abandono y la soledad se hacen notar en solo 2 minutos de un corte que trae a la memoria los túneles oscuros de Labradford y Bálago sin perdón ni olvido. Para luego pasar a la magia emancipada de "endormie", con mínimas notas de bajo y guitarra que construyen un estructura cadavérica por la cual flotan destellos de luz a cargo de glitches y taclados ambientales, mientras aparece la voz de Alison Shaw (cantante de la legendaria agrupación de dark-pop Cranes) que se apodera totalmente del espacio con una letra en francés como en los viejos tiempos, inmediatamente afloran los recuerdos y las imagenes de otros nombres, otros lugares, una emoción contenida que derrama belleza pordoquier, una fuente inagotable.
Ya en "in through the devices" los Twine se muestran más experimentales, pero siempre con esa austera posesión del ambiente, grabaciones entrecortadas de alguna vieja película se entrelazan con las letanias de una guitarra volátil y estruendos digitales que aparecen para desarmar el cadencioso orden. A pesar de ser "Violets" un disco de aspecto desolado, contiene una singular madeja de preciosismo y riesgo persistente, nunca sabes donde irá a recalar esta embarcación, solo avanza estoica y letalmente por aguas profundas.
Hermosa presentación en digipak, con las fotografías de Doug Coombe que no podian ser más adecuadas, un edificio en notorio abandono que estremece junto a la voz de Gail Schadt perdida en la distancia.





CALEXICO
Carried To Dust
touch & go, 2008.

A prepararse porque la banda fronteriza nos dedica un trabajo intenso, cordial y tan bello como la mejor flor que nace desértica entre California y Mexico.
Un disco lleno de recovecos luminosos, historias agrietadas que se forjan en las carreteras norteamericanas y un viaje disgragado donde también aparecen instantáneas de Santa Ana, el valle de Yucca, Moscú, New Orleans y nuestro inspirador puerto de Valparaíso en Chile. Tal parece que su visita a nuestra país el año pasado afectó positivamente a estos carreteados vaqueros.
Joey Burns y John Convertino formaron Calexico a mediados de los años 90's y han entregado ya a la fecha 7 discos que los grafican claramente como una 'banda de camino' sin duda, un viaje constante por las raices del sonido norteamericano al cual han adherido influencias y sonidos tomados de distintas tierras y culturas, creando así el 'Mundo Calexico', extremadamente cercano y sentido.
Parte el trayecto con una canción que nos toca muy adentro, "Victor Jara's hands" una vibrante alegoría cubierta por una instrumentación cuidada y una atmósfera muy latinoamericana con esas trompetas mejicanas sollozando en el horizonte, la voz la aporta el cantante español Jairo Zavala de la agrupación Amparanoia..."me siento solo y perdido, una vela alumbra mi camino, cruzando tierras que nunca he visto, cruzando el río de mi destino, sólo soy un chico más que sueña en el dormir mirando al mar".
A estas alturas Calexico se ha convertido en un organismo musical vigoroso con la incorparación hace rato ya de músicos destacados como Volker Zander, Martin Wenk, Jacob Valenzuela y el maestro del 'pedal steel' Paul Niehaus, que le otorgan contundencia sonora a una creación lúcida y terriblemente dramática, son hoy por hoy un nudo duro como alguna vez lo fueron Nick Cave y sus malas selillas por ejemplo en "Let Love In", a ese nível.
En temas tan fuertes como "two silver trees" y "man made lake" las intervenciones vocales e instrumentales de Burns y Convertino son notables, rozan la perfección, son sin duda el eje que mueve todo este organillo que se expande en distintas direcciones, interviniéndolas todas con ese manto de encantamiento que exhibe "Carried To Dust" por todos sus rincones, me atrevo a decir que es su mejor trabajo desde "The Black Light" de 1998.
Nota aparte para el corte "inspiración" una salida de madre de esas que se agradecen, cantado integramente en castellano por Jairo Zavala y Amparo Sanchez, esplendoroso se muestra junto a las trompetas mariachis y al ritmo del son cubano..."mírame ya estoy aquí, si pudieras mirarme que pensarás de mí, pero hoy es muy tarde para decirte que estoy cambiado, me duele, me duele que ya no estas aquí", genial.
Es ahora cuando sacuden con un tema bellísimo y melancólico "house of Valparaiso", mirando las casas colgadas, primordiales y ennegrecidas del puerto, esa imágen que también nos impacta a nosotros que vivimos con esa postal de fondo cada día y que de vez en cuando olvidamos, aquí colabora Sean Beam de Iron & Wine.
En resumen un disco grande, lleno de detalles, accidentes y carreteras sinuosas.
De lo mejor que va del año.





PARENTHETICAL GIRLS
Entanglements
tomlab, 2008.

Habrá que decir que el colectivo de Portland, Oregon, es una de esas bandas que convierten su incesante locura en un territorio placentero, con el arte de la ambigüedad como mascarón de proa y musicalmente siempre cambiando de piel, experimentando con la música pop, llevándola hacia lugares distantes y retorcidos, en este nuevo trabajo transitan por el barroco, el cabaret, la música de los 50's y algo de Balcanes también, siempre arropados en una juguetona maldad quejumbrosa que los hace entrañables, no por nada fueron en sus comienzos los protegidos de Jamie Stewart de Xiu Xiu y con justos merecimientos ya que comparten bastantes tópicos malditos de lo que debería llamarse el 'otro pop', ese que siempre está en movimiento, ese pop no aburguesado, dispuesto a innovar y a desarmar cualquier estructura.
Detrás se encuentra el cerebro de este vicio, el joven Zac Pennington, tipo que gusta de vez en cuando en usar faldita y sombra de ojos, con descaro y una vitalidad que ya se quisieran muchas vacas sagradas del pop actual (sin dar nombres por favor). Interviene en este tercer disco como Parenthetical Girls ese rock obtuso y necro que ya había acaparado miradas en "Safe As Houses" de 2006, para convertir a "Entanglements" en un inspirado disco de cámara, maduro y enfermo, lleno de subidas y bajadas, donde los sonidos se elevan tan alto que pareciese que fueran a desaparecer, pero no, sólo se posecionan de otro cuerpo, de otro personaje de la urdimbre malsana de Pennington, nuevamente acompañado por Matt Carlson, Eddy Crichton y Rachael Jensen.
No nombro ningún tema en especial porque el disco entero es un manjar para saborear morbosamente, incluso podríamos tomarlo como un trabajo conceptual, donde sea que te detengas sentirás la brisa del viento en un trigal.
Desarmante y muy lejos, muy arriba.




BENGA
Diary of an Afro Warrior
tempa, 2008.

Y si no nos dabamos por enterados que el dubstep está dándole un giro mortal a la música dance-eletronik en la actualidad, este 2008 ha sido pródigo en remarcar dicha tendencia, si Burial entregó la primera carta visible, gente como Skream!, Ital Tek, 2562 y Benga agigantan la mirada hacia una corriente que crece y crece, desolando las pistas de baile con oscuridad, independencia y personalidad propia, que también podría definirse como radicalidad.
Uno de los visionarios del estilo, el joven bristoliano Beni Uthman aka Benga da vida en este su segundo disco largo, a un trayecto mágnifico de música negra, garage beats, jazz insano, reggeaton maldito, hip-hop y dark-electro, imposible es mantenerse impávido ante semejante anarquía de bases programadas, espacios atormentados y llamaradas de ruidos quebrados que sólo invitan a dejar de lado las caretas, distorsionar el cerebro y ponerse a bailar en las sombras.
Ni más ni menos.



Patricio Conejeros también se hace presente con más ruido.



SHOGUN
NoaNoa
www.cristianheyne.com 2008

Parte del ciclo de presentaciones NoaNoa, organizado conjuntamente por Super45, Bar Conejo (donde tuvieron lugar los shows) y el sitio Podcaster, estuvo primeramente disponible en formato podcast, para su descarga gratuita, y bajo una licencia Creative Commons, en dicho sitio el pasado año. Sin embargo, y pese a que el sonido no es en lo absoluto malo, Cristián Heyne (la principal, sino única mente detrás de Shogun) no quedo conforme con el resultado final. "La vez que se puso para download algo pasó en la conversión final que quedó todo sonando mucho peor de lo que originalmente sonaba en mi estudio. Siempre quedé con la idea de que un día había que hacerlo mejor". Ese día llego este 2008 y, finalmente, esta disponible, nuevamente, pero esta vez desde el sitio del mismo Heyne.

Respecto al concierto en sí, grabado el 8 de agosto de 2007, hace poco mas de un año, contó en esa ocasión con la participación de reputados músicos de la escena nacional, como son Miguel Miranda (en Shogun desde 1996) en sintetizador, Jorge Santis (Congelador, Mike Norris) en timbal y platos, y Diego Morales (Fredi Michel, Javiera Mena) en ambientes y mp3. Pese a lo rápido y corto que fue el proceso de preparación –solo hubo tiempo para un ensayo–, y que problemas técnicos amenazaron con impedir su realización, la compenetración entre los cuatro involucrados es mas que destacable.

Las canciones, mas bien pocas, solo cinco, aunque mayor en cantidad que en su ultimo presentación de solo un tema. Si en estudio es donde Heyne puede hacer todo lo que le place, experimentar hasta donde sus capacidades llegan, y jugar con bases, ruidos, sonidos, etc., en vivo, al menos en este caso, no hay mayores ni grandes diferencias con sus discos, lo cual demuestra la versatilidad de sus canciones. La grandeza de aquellas radica, a mi juicio, por un lado en la melodía y en la susurrante voz –parece que le gustara hacernos sentir que nos canta a nosotros, al lado, muy cerca del oído, efecto que se traslada al directo–, y por otro en los ambientes, oscuros y vaporosos en partes iguales, que las cubren. Como una niebla espesa sobre una ciudad moderna en decadencia. Como la portada de "Burial" (Hyperdub, 2006), como las bellas escenas de la aún más bella "Uzak" (Nuri Bilge Ceylan, 2002). Comienza con "A veces creo ser feliz" ("Alma"; Luna, 1999) y termina con "Te encontré, te perdí" ("Demonio"; Luna, 1998), canciones todas donde uno es testigo presencial de todos los deseos, angustias, culpas, reproches, acusaciones y temores del creador tras Shogun. En la ultima canción es explícito: "Te encontré, te perdí / Y ahora no me importa, duerme lejos / Me da vergüenza sonreír, me da vergüenza ser feliz / Y a veces pienso que te traicioné, y no me importa ".

Aparentemente, esta es la ultima ocasión en que podremos escuchar al proyecto en vivo, pues posterior al show, en su blog, dejo un comentario donde dejaba claro su intención de no volver a tocar en vivo. También expreso lo mismo a Super45, donde dijo que "de hecho, después de ese show, me prometí nunca más volver a tocar y limitarme a seguir sacando discos, pero supongo que algo pasará que me llevará a tragarme mis palabras". Es de esperar, para bien, que se trague sus palabras. Si no, al menos tenemos sus discos, un océano entero donde sumergirse (o ahogarse).




JOE GRIMM
Brain Cloud
spekk, 2008

Joseph Grimm, aka The Wind-Up Bird, se estrena con su primer LP bajo su nombre real en la exquisita marca japonesa Spekk, que dirige Nao Sugimoto, aka Mondii.
Grimm, quien ha colaborado con muchos músicos, entre los que destacan Lucky Dragons, Dirty Projectors, Alvin Lucier –quien fuera su profesor–, Black Forest/Black Sea, L'Altra, Glenn Branca, etc, señala que el origen de este disco partió a raíz de una colaboración con este ultimo. Dice Grimm que "la semilla para esta música fue planteada cuando participe en una sinfonías de 100 guitarras de Glenn Branca. El sonido fue increíble: un ensordecedor coro eléctrico incorporando tantas voces que cada elemento estaba subsumido dentro del grupo sonoro. Quería hacer una particular música que se presentara a sí misma como una simple masa de una densidad variable, comprendida de decenas de miles de eventos individuales". Así como se lee, así como se oye. El disco se compone básicamente tres piezas, con dos interludios llamados "Harpsichord", que corresponden a improvisaciones para clavicordio, ecualizador y slight delay.

Pues bien, el nucleo central de "Brain Cloud" esta en los tracks uno, tres y cinco. Interpretados con violines, voces, trompetas y, principalmente, piano, el producto final, como diría Villalobos, es una alcachofa, con capas de sonidos que vienen y van, se superponen a unas, se sustraen a otras, creando nuevos y diferentes colores, algunos mas vivos, algunos mas pálidos, pero nunca transparentes al oído. "Brain Cloud I", pese a la tensión que produce en su comienzo, con posterioridad se relaja y nos relaja. No por nada sus presentaciones habitualmente toman la forma de meditaciones, sobre la base de la repetición. Lo mismo hace la música oriental, base esencial del minimalismo norteamericano de los sesenta, con gente como Steve Reich y Terry Riley a la cabeza, y que tiene en este artista su continuación. En "Brain Cloud IV" las cuerdas tienen el protagonismo, pero con posterioridad son los vientos quienes mantienen el ritmo. Sin embargo, como ya dije, llega un momento en que ya no se distinguen bien, y comienzan a flotar y volar los ambientes que genera cada instrumento, de un lado a otro. Por último, "Brain Cloud III", al final del álbum, fue registrado en vivo en Grant Hall, Providence, Rhode Island. Para esta composición Grimm contó con 9 músicos, en una suerte de obra para piano a 18 manos, y esta dentro de lo más bello que he escuchado en estos meses. Por lo general el piano suele ser un instrumento muy evocador. Desconozco la razón, pero este inmediatamente provoca algo en la memoria distinto al que provocan otros sonidos. No obstante, no hay que descuidarse, pues por el minuto once el ruido llega a ser aterrador, similar al de un trueno amplificado.

Nota aparte merece el hermoso dibujo que ilustra la portada, obra de Cybele Collins, que resalta dentro del siempre destacable packaging del sello, obra también de Mondii. Por ultimo aquí les dejo una frase de Joe, que en algo refleja el espíritu de "Brain Cloud": "Amo la calurosa niebla acústica que parece cubrir las notas obvias, y los tonos fantasmas sostenidos que emergen y retroceden dentro de esa textura nebulosa".

Nos encontramos mañana como siempre desde las 21 hrs. por Radio Placeres 87.7 fm.
y on-line por acá.




Y este viernes todos a la fiesta de la placeres!!!




y este sábado cine en fuente de soda mora:


Du Levande (2007)

Du Levande es una tragicomedia dirigida por el sueco Roy Andersson. Estrenada el 2007, es un film altamente subjetivo, en donde el protagonismo se lo adjudican los detalles cotidianos que, desde una mirada muy personal del autor, componen la serie de viñetas en las que se desenvuelve el film. El título en castellano de la película es "Tú, que vives", aunque también se le ha llamado "La condición humana", título bastante apropiado dada la temática que aborda, y que enfatiza todos aquellos detalles que en definitiva nos hacen humanos, a partir de una serie de historias individuales estructuradas de una forma muy poco convencional (desde la iluminación, las escenas neblinosas y los tonos pasteles, hasta la forma en que se presentan los personajes). En suma, un imperdible dentro del "cine subjetivo" de nuestros días, un film que mezcla casi en forma natural la comedia y la tragedia en un cuadro que parece extractado con exactitud de la vida cotidiana, aunque luego de pasar por el genio detallista e irónico de Andersson.

A continuación, el trailer de la película (con subtítulos en inglés):




Sábado 30
19 hrs
Av. Brazil 1388
Entrada liberada