Tormentas de primavera, parejas frente al calor del amor en un bar, diseños coloridos y las voces del interior, florecer entre sonoridades misteriosas, ahora juntos vamos a cristalizar.
“Monine es un nombre, un recuerdo de infancia. Un dibujo de un monito que algunos de mis amigos bautizó así. Yo guardé esa palabra y la adopté para siempre en mi diario vivir.
Hoy, La Monine es un personaje de una mujer femenina, atemporal, un tanto misteriosa que cuenta historias vividas. Experiencias, a veces, un poco tristes. Ella habla mucho del amor como sentimiento universal. A veces soy yo, a veces es un disfraz. Para mí es muy importante la imagen de mi personaje, por lo que además para la puesta en escena incorporo la proyección de dibujos personales, nada profesional. Dibujos que he ido creando y que sin mucha intención terminaron pareciéndose a mí. Con Monine yo hablo de mí, de como veo el mundo, claro que de una forma exacerbada, porque en el fondo lo que yo hago es arte, me nutro de mi misma, pero no hago exactamente una biografía musical.
Como cantante, mi principal instrumento es la voz, con todas sus variantes experimentales como lo son el susurro y el grito. Y mis melodías consisten en arreglos electrónicos que programo y creo a través de un laptop. Sin embargo, uno de los toques más distintivos de mi trabajo musical, es la incorporación del Theremín, un instrumento electrónico un tanto desconocido que se toca en el aire -algo que lo hace ser muy mágico-. Ahí yo intervengo con las manos y logro crear melodías un tanto lúgubres.
Agarré la idea de canción popular melodramática por una pequeña definición que ya estaba en el Myspace, que creo, era una mala traducción. Pero me llamó la atención y resultó para poder clasificar mi trabajo, porque lo que yo hago es pop, es canción, y ese es mi género. Lo melodramático viene de una definición súper técnica. No tiene ninguna connotación más allá de la que suena. El melodrama viene de melólogo, una forma teatral representada en un monólogo con música de fondo”.
Estas son las palabras de la chilena Karenn González alias La Monine describiendo de una forma personal su trabajo sonoro, visual, perfomático, concentrado en su debut "Sangremía", un álbum intimista, cálido, bello y algo oscuro, que nos ofrece una manera distinta de imaginar el pop (mágico, quizás más maquinal, efectista, experimentalista más allá de una simple etiqueta), muestra de 'fragilidad', 'alma' y estética conceptual de la cantante y compositora nacional, muy recomendable y con descarga.
entrevista
desde belelu.com
Tras dos EPs publicados a finales de 2010, el 7 de febrero salió a la venta el disco debut de los escoceses Conquering Animal Sound. "Kammerspiel" es fundamentalmente un disco de pop experimental, luminoso y emotivo, cristalino incluso, en el que la electrónica y la música orgánica -percusiones, elementos de la naturaleza, xilófonos- cohabitan de la manera más sencilla y bella posible, sin que el conjunto sature o puedan encontrarse momento altisonantes.
No sorprende que un primer disco suene tan maduro y tan compacto. No es su primera vez. La experiencia de Jamie Scott tocando el bajo en Boyfriend/Girlfriend y en Ocassional Flickers, así como su proyecto en solitario The Japanese War Effort, se aunan a la deliciosa voz de Anneke Kampman (Fieldhead), que a veces suena como la islandesa Björk -clara referencia a lo largo de todo el disco- y otras como Cloetta Paris, Tenniscoats o la solista de Sally Shapiro, para crear un disco repleto de ambientes imaginarios, frágiles y oníricos, que a su vez es un compendio de las músicas de Mogway, Sigur Ros, The Deer Tracks o The Magnetic Fields. Transparencias y una lluvia fina besando tu rostro, contemplación.
No sorprende que un primer disco suene tan maduro y tan compacto. No es su primera vez. La experiencia de Jamie Scott tocando el bajo en Boyfriend/Girlfriend y en Ocassional Flickers, así como su proyecto en solitario The Japanese War Effort, se aunan a la deliciosa voz de Anneke Kampman (Fieldhead), que a veces suena como la islandesa Björk -clara referencia a lo largo de todo el disco- y otras como Cloetta Paris, Tenniscoats o la solista de Sally Shapiro, para crear un disco repleto de ambientes imaginarios, frágiles y oníricos, que a su vez es un compendio de las músicas de Mogway, Sigur Ros, The Deer Tracks o The Magnetic Fields. Transparencias y una lluvia fina besando tu rostro, contemplación.
por Diego Rguez
desde mandarinamagazine.es
Mi primera introducción a d_rradio fue con "Seasons" su excelente EP para Rural Colours del año pasado. Sus cuatro pistas con el nombre de cada una de las estaciones a partir de otoño, tiene una rica textura de las melodías de cuerda que se superponen, equilibrado por corrientes cálidas y un sentido de movimiento perpetuo. El noreste de Inglaterra destaca por sus artistas que son enigmáticos por decir lo menos, optando por salir de la distracción de la 'celebrity' para permitir que la música se quede en el centro del escenario, mientras ellos disimulan en la sombra. Mientras que "Seasons" podría ser descrito predominantemente como tratados ambientales-neoclásicos, "Forecast" ("Pronóstico") abraza el sonido en vivo de cuerdas y piano en contrapunto perfecto con esos velos de drone cortesía d_rradio.
Evaporación de las tensiones como romper la luz a través de densas nubes, el álbum también inspira pensamientos de la mar con su sinfonía de agitación entre ondas y cadenas, interrumpido sólo por las melodías de piano amable, similar en su forma y estructura tocando la atmósfera dispersa de Antonymes por ejemplo. Este menos es más enfoque reductivo que con éxito produce el efecto deseado, emitiendo emociones cercadas por la soledad, la melancolía, pero también cubiertas de tranquilidad y esperanza. "Quiet One" es la pista más corta con crescendos grises y sombras pintadas en el horizonte, antes de dar paso a la agitación de "Cinema of Stills" mar crispado y notas de última hora en el drone que se expande como el coral submarino. "Step Into The Sun" entrega una selección ondulante de armonías para el oyente, acompañada de un aumento y caída del sonido orquestal, casi se puede sentir el calor del sol en tu cara, es sin duda una de las piezas importantes del álbum.
Momentos como estos son abundantes, la melodía simple escalada de la primera pista se juega con aplomo la atención al espacio entre las notas que pronto sumergen al oyente. d_rradio demuestra su sensibilidad a la naturaleza cíclica de la vida en trabajos anteriores y siguen incorporando esto en "Forecast" - "After The Rapture" por ejemplo, vuelve a interpretar el enunciado del título de pistas en la lista del reproductor, presumiblemente para completar el círculo y permitir el viaje de repetir hasta el infinito.
Este es un disco fuerte y consistente cuyos motivos son explorados con una gracia y solemnidad que conmueven, el marcado carácter ambiental de la música con una madurez que sólo puede florecer bajo la intensa empatía de los artistas, la calidad del sonido y su experiencia de trabajo juntos. Climático.
Evaporación de las tensiones como romper la luz a través de densas nubes, el álbum también inspira pensamientos de la mar con su sinfonía de agitación entre ondas y cadenas, interrumpido sólo por las melodías de piano amable, similar en su forma y estructura tocando la atmósfera dispersa de Antonymes por ejemplo. Este menos es más enfoque reductivo que con éxito produce el efecto deseado, emitiendo emociones cercadas por la soledad, la melancolía, pero también cubiertas de tranquilidad y esperanza. "Quiet One" es la pista más corta con crescendos grises y sombras pintadas en el horizonte, antes de dar paso a la agitación de "Cinema of Stills" mar crispado y notas de última hora en el drone que se expande como el coral submarino. "Step Into The Sun" entrega una selección ondulante de armonías para el oyente, acompañada de un aumento y caída del sonido orquestal, casi se puede sentir el calor del sol en tu cara, es sin duda una de las piezas importantes del álbum.
Momentos como estos son abundantes, la melodía simple escalada de la primera pista se juega con aplomo la atención al espacio entre las notas que pronto sumergen al oyente. d_rradio demuestra su sensibilidad a la naturaleza cíclica de la vida en trabajos anteriores y siguen incorporando esto en "Forecast" - "After The Rapture" por ejemplo, vuelve a interpretar el enunciado del título de pistas en la lista del reproductor, presumiblemente para completar el círculo y permitir el viaje de repetir hasta el infinito.
Este es un disco fuerte y consistente cuyos motivos son explorados con una gracia y solemnidad que conmueven, el marcado carácter ambiental de la música con una madurez que sólo puede florecer bajo la intensa empatía de los artistas, la calidad del sonido y su experiencia de trabajo juntos. Climático.
desde
futuresequence.com
La trayectoria de Olaf Bender, centrándonos en lo musical exclusivamente, sigue tomando peso gracias a "Symeta". Tres discos de Byetone donde la evolución sigue presente y ligada al mismo tiempo, de manera inevitable, a la de su sello Raster-Noton (junto a Nicolai y Bretschneider) . Su trabajo anterior, "Death of a Typographer", marcaba un cambio de rumbo marcado respecto a su debut "Feld". También hay que tener en cuenta que estamos hablando de un disco de 2003, en el que primaba un amor por Kraftwerk y el techno acuático de Basic Channel como influencias básicas. Sin embargo, "Death of a Typographer" vino a ser como una celebración de espíritu rock, con el sonido endurecido y potente casi a piñón fijo que tomaban parte de las enseñanzas de los laberintos rítmicos de Pan Sonic unidos al chispazo electrónico de Raster-Noton en un año, 2008, donde el sello volvió a editar discos tan notables como "Unitxt" o "Dataplex".
"Symeta" sin embargo, no se siente como un cambio radical respecto a su antecesor, al menos en la superficie. Está claro el camino que ha decidido tomar Bender y el sello estos últimos años, la de integrar el ruido y la experimentación a rítmicas más hipnóticas y reconocibles ampliando su espectro más allá del grupo de la electrónica más sesuda. "Symeta", en mi opinión, es otro paso adelante más allá de la superficie y quizás, consigue tener presente de nuevo el espíritu de "Feld", aunque el sonido nos recuerde más al anterior. Hay una cohesión mucho más marcada, detalles que se incorporan sutilmente como en "Topas" y te dirigen en un suspiro a "Telegramm" jugando con Kraftwerk y Carl Craig, aunque parezca que el ruido sea lo predominante (en esta ocasión, mucho más rebajada esta carga) y llegando a recordar por momentos en "Neuschnee" a ecos de Warp (Autechre, Boards of Canada, Aphex Twin ensimismado,...), al trance de "Opal", así hasta un final con rumores de aceleración speed metal e industrial drone con "Black Peace" y "Golden Elegy".
"Symeta", al igual que "Univrs" de Noto, han sido recibidos por la crítica en general con aplausos, pero sin vítores. Casi hay una especie de aceptación de calidad garantizada en su trabajo, pero es como si ya lo dieramos por descontado. Seguramente, algún momento de su discografía puede ser acusada de un exceso de énfasis (tampoco lo digo como reproche, son cosas que pasan siempre) pero con estos dos discos hay mucha más sustancia de la que se dice. Simplemente, animarse a descubrirlos y no caer en la vista monótona de algo como: "bueno si, otro dico de Raster-Noton". No hay que perderse esta fiesta. Se publicó recién el 31 de Octubre.
desde
Coreografo del Cerro.
Desde Houston, TX viene Pink Playground dúo formado por Tara Tyson y James Wing, una nueva banda que hace de los videos (los espléndidos "Come Find Me" y "Ten") su carta de presentación en lugar de tocar en vivo, y se ubican en la tradición de los sonidos shoegaze y etéreo como una vuelta a los primeros demos de The Jesus and Mary Chain. Guitarras, sintetizadores, voces de otro mundo y cajas de ritmos colisionan con el momento noise-pop de mediados de los 80, acercándose con dulzura a la estela de My Bloody Valentine, Curve, Lush y Swallow como si los miembros de la banda nacieron para jugar en ese sentido. Volumen ensordecedor y melodías de azúcar que llenan el espacio de color rosa con la dinámica del polen primaveral, tan densa y brumosa que pueda necesitar una máscara contra el polvo al cruzar a través de ellas, canciones tan dulces que pican, los modales más refinados convertidos en una nueva forma de agresión.
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mexicansummer.com
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mexicansummer.com
Slug Guts son 4 caballeros de Brisbane (Australia) que aman el garage rock a todo volumen y pantanoso, su ropa negra y su gusto por la bohemia más embriagadora. Entusiastas del sonido oscurantista y desencajado, evocando la experiencia de sus coterráneos The Birthday Party, además la influencia de Christian Death, The Scientists, los primeros Captain Beefheart y The Cramps con orgullo, y les importa un carajo que cualquiera los tome como meros imitadores - ya que también te pueden colocar una buena sacudida en sus descargas de odio y descontrol, que esta placa tan hábilmente muestra en el borde cortante del ruido tenebroso.
Grabado en un vagón de tren fuera de Ipswich, "Howlin' Gang" deja marcas de crecimiento estilístico para la banda y en gran medida arroja de vuelta esa cruz invertida que cristalizaran en 2009 con el debut "Down On The Meat". De hecho, las guitarras fuertemente repercuten un sonido mucho más puro aquí - un logro notable, dado el ambiente de estudio claustrofóbico - mientras que la entrega del bajista James "JD" Dalgleish es contundente y maléfica, dejando el tunel turbador esencial para que Jimi Kritzler arremeta desafiante con sus chillidos y blasfemias.
Incluso hay un acercamiento a las baladas caudalosas en el tema que cierra el disco, "Angie". Eso no quiere decir que los Slug Guts se han ablandado lírica o musicalmente, por supuesto que todavía están en la magnitud maldita, como lo demuestra el impulso amenazante siempre presente, dando latigazos en riffs de guitarra y títulos de canciones como "Cold Bones", "Hangin' In The Pisser", "Spring Hill Lair" y "Down In The Hole".
Rock putrefacto desde 'La Isla de los Malditos', con invitadas de honor como Angela Bermuda de los Circle Pit y Sarah Spencer de Blank Realm que dan a algunas canciones ese toque sexy adicional. En todos los casos, no será una revolución de género ni nada parecido, pero se trata de un muy buen trabajo. Corrosión.
por Denis SemchenkoGrabado en un vagón de tren fuera de Ipswich, "Howlin' Gang" deja marcas de crecimiento estilístico para la banda y en gran medida arroja de vuelta esa cruz invertida que cristalizaran en 2009 con el debut "Down On The Meat". De hecho, las guitarras fuertemente repercuten un sonido mucho más puro aquí - un logro notable, dado el ambiente de estudio claustrofóbico - mientras que la entrega del bajista James "JD" Dalgleish es contundente y maléfica, dejando el tunel turbador esencial para que Jimi Kritzler arremeta desafiante con sus chillidos y blasfemias.
Incluso hay un acercamiento a las baladas caudalosas en el tema que cierra el disco, "Angie". Eso no quiere decir que los Slug Guts se han ablandado lírica o musicalmente, por supuesto que todavía están en la magnitud maldita, como lo demuestra el impulso amenazante siempre presente, dando latigazos en riffs de guitarra y títulos de canciones como "Cold Bones", "Hangin' In The Pisser", "Spring Hill Lair" y "Down In The Hole".
Rock putrefacto desde 'La Isla de los Malditos', con invitadas de honor como Angela Bermuda de los Circle Pit y Sarah Spencer de Blank Realm que dan a algunas canciones ese toque sexy adicional. En todos los casos, no será una revolución de género ni nada parecido, pero se trata de un muy buen trabajo. Corrosión.
desde ravemagazine.com.au
Sintoniza El Sueño del Esquimal mañana jueves 3 de Noviembre a las 21:00 hrs por Radio Placeres 87.7 fm, desde y para Valparaíso y los alrededores, también en línea directa desde aquí.
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